如何才能听懂勋伯格？ 第1页

表现主义是在20世纪初出现的现代流派，它最早出现在绘画、文学等领域，后来扩展到音乐领域。表现主义可以与印象主义形成对立，印象主义强调的是外在事物给个人的瞬间体验和感受，而表现主义则更加强调个人内在的体验和感受，这两种思维模式就导致相对应的音乐有着不同的音乐特征。

表现主义音乐其实在瓦格纳和理查德·施特劳斯的歌剧中就已经有了一定暗示，他们的歌剧中十分突出人物情绪和感受的刻画，在和声上也出现了半音化的特征的同时，在结构上也更加模糊，这些都为表现主义音乐的发展提供了前提。表现主义音乐继续向前发展，取消了调式调性的限制，让十二个音处于平等关系，真正让音乐没有调性，这是表现主义音乐最大的特征。在表现主义音乐中也时常会出现一些其他的特征，比如：夸张的跳进进行、力度的巨大变化、极度不协和的和弦、不对称的节拍、不清晰的结构等。表现主义音乐因为要强调个人内在的情绪，所以通常用紧张、恐惧、绝望等比较有戏剧张力的情绪融入到作品之中。印象派虽然也是强调主观体验，但是至少还有一些精巧的旋律和典雅的音响，但在表现主义音乐中，一切都被“打乱了”。

表现主义音乐的代表人物是勋伯格和他的两个学生贝尔格和韦伯恩，他们三个都出生在维也纳，所以也有人称他们三个为“新维也纳乐派”。

阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg，1874—1951），美籍奥地利作曲家，表现主义音乐代表人物之一。

为了大家更好的学习，我在网易云上制作了一份勋伯格作品歌单，其中精选了本文提及的勋伯格代表作品中更好听的作品，欢迎大家关注收藏，链接： 解构与重建：勋伯格作品精选

勋伯格8岁学习小提琴，因父亲早亡，家庭贫困，在16岁时到银行当小职员谋生。同时，自学作曲和大提琴。20岁时，跟比他大两岁的作曲家曾林斯基（Alexander Zemlinsky，1872—1942）学习了几个月的复调，这是他唯一接受过的专业音乐训练。1901年，27岁的勋伯格到剧院任担任乐队指挥，两年后回到维也纳从事教学，贝尔格和韦伯恩就是他在这一时期的学生。勋伯格在教学时，基本主要教授传统作曲技法，并不传授给学生“现代音乐”。

在1909年，勋伯格创作了第一首无调性作品《钢琴三重奏》（Op.11，1909）。1911年，37岁的勋伯格为了生计来到柏林教书。在第一次世界大战期间，勋伯格应召入伍。战后继续回到维也纳和柏林两地的教学中。1918年，因为他的演出频频遭到观众反对，他成立“私人演出协会”，只邀请一些喜欢自己的人来看。在希特勒上台后，因为他犹太人的身份，他的演出和教学都被终止了。在1933年，勋伯格来到美国，先后在多所大学教学。在1941年加入美国籍，1951年去世。

勋伯格的创作可以分为三个时期：

一、晚期浪漫主义时期

这一时期勋伯格的创作基本延续了瓦格纳、理查德·施特劳斯的创作特征，体现了德奥晚期浪漫主义音乐的音乐风格。代表性作品有：

QQ音乐 ——勋伯格：弦乐六重奏《净化之夜》（1899，1917年改编为弦乐乐队）

QQ音乐-专辑 ——勋伯格：交响诗《佩里阿斯与梅丽桑德》（1902，与德彪西歌剧同名）

QQ音乐-专辑 ——勋伯格：合唱作品《古列之歌》（1900—1911）

二、无调性时期

勋伯格在这一时期的创作中，取消了调性的概念，作品中的十二个音不再构成任何关系，处于完全平等的状态。勋伯格的第一首无调性作品是1909年创作的《钢琴曲三首》（Op.11，1909），第一部无调性管弦乐作品是《五首管弦乐曲》（1909）。

在《五首管弦乐曲》中的第三乐章“夏晨的湖边，色彩”中，勋伯格提出了“音色旋律”的概念：勋伯格认为，即便是同一个音，在不同的乐器上是可以发出不同的音高的，这些音高连到一起便可组成旋律。

QQ音乐 ——勋伯格：《钢琴曲三首》（Op.11，1909）第一首

QQ音乐 ——勋伯格：《钢琴曲三首》（Op.11，1909）第二首

QQ音乐 ——勋伯格：《钢琴曲三首》（Op.11，1909）第三首

在其他无调性作品中，最著名的是独唱套曲《月迷彼埃罗》（共21首，1912）。

《月迷彼埃罗》表达的是主人公是一个精神错乱的人，勋伯格通过一部部作品，表达了主人公的不同情绪。在音乐上，这部作品采用了介于说和唱之间的一种“念唱”方式。

QQ音乐-专辑 ——勋伯格：独唱套曲《月迷彼埃罗》（共21首，1912）

在1915—1923年，勋伯格创作没有创作作品。

三、十二音时期

从1923年开始，勋伯格在创作中采用“十二音”作曲技术。十二音音乐是无调性音乐的进一步发展。之前无调性的音乐创作，一般只适用于小型作品。而在大型作品中，需要更复杂的构思和技术来组织整个作品，十二音解决了这个问题。

十二音体系的创作方法其实很简单，作曲家开始可以按任意顺序将一个八度内的12个半音进行排列，形成一个音阶序列（或称音阶），这个音阶我们可以称之为“原形序列”。在一部十二音作品中，需要将这个“原形序列”以原形、逆形、倒影、倒影逆形的形式在作品中依次出现。在每一次进行中，十二个音全部出现以前，不得重复其中任何一个音，每个音出现的位置、高度、声部不受约束。十二个音可以相继出现，也可以以音程或和弦的形式同时出现。十二音只对音高有要求，对节奏、力度、音色没有任何限制。

勋伯格第一步用十二音体系创作的作品是《钢琴组曲》（Op.25，1923）。目前有学术成果对《钢琴组曲》中运用的十二音的序列进行了整理，如下图，仅供参考。（看不懂略过）

QQ音乐 ——勋伯格：《钢琴组曲》（Op.25，1923）

勋伯格其他十二音代表性作品有：《第三弦乐四重奏》（1926）、《乐队变奏曲》（1927—1928）、《第四弦乐四重奏》（1936）、《小提琴协奏曲》（1936）、《钢琴协奏曲》（1942）、《一个华沙的幸存者》（1947）、歌剧《摩西与阿伦》（1951）等。其中《一个华沙的幸存者》最为著名。

《一个华沙的幸存者》（Op.46，1947）为朗诵、男声合唱和乐队演出而作，勋伯格自己作词。叙述了德国法西斯在二战期间杀害犹太人的时间，表达了勋伯格内心的情绪与激动。

QQ音乐 ——勋伯格：《一个华沙的幸存者》（Op.46，1947）

值得注意的是，勋伯格在这一时期不止用十二音体系进行创作，也创作了很多有调性的作品。十二音体系这种作曲技术，开始只流传于勋伯格和他的学生之间，后来斯特拉文斯基等作曲家也开始采用了这种作曲方法。所以，我们应该注意一个问题，即“十二音”并非表现主义音乐的最大特征，无调性才是。

十二音体系的出现，在当时引起了很大的争议，因为从严格意义上来讲，这种创作手段似乎已经超出了传统音乐创作的认知范畴。这种创作方式是在具有一定规则下的随机性创作，从音响角度来看，已经开始脱离西方音乐历史中对“音乐”的认知。但不能否认的是，勋伯格的包括十二音在内的音乐创作，对20世纪音乐的发展造成了深远的影响。