中国古代画作里，女性都看起来很丑，是出于怎样的原因？ 第1页

如果您是对中国传统人物画非常热爱、非常执着，那确实须要了解一下。

如果不是的话，其实没必要纠结这个问题。

这个事很难说清楚吧。所以下面可能会语无伦次，莫怪！国画本就不怎么讲逻辑。

下面所说的内容 只限于是人物画，不涉及古代肖像画。

因为肖像画可能存在着一些古今审美差别的问题，而人物画完全不存在这个问题！

国画的欣赏是长久的事，要付出相当的努力。

欣赏传统人物画中的仕女部分之前，必先要对传统人物画有所了解。

相信在欣赏传统人物画时，同样也会遇到“人物看起来很别扭”的问题。

如果对下面所说有一定的了解，应该会缓解您的疑问。

穿插一个内容，可供您日后参考：

传统人物画发展轨迹中的重要阶段【粗略版】

（战国之前存世人物画太稀少，暂时先不计）

【战国---南宋】 “古典、半古典人物画”【这一段是传统人物画最重要的部分】

【五代---元】“禅画”

元---赵孟頫开创的“古意小像”（部分为肖像作品）

元代民间人物画（例如永乐宫壁画）

明代浙派人物画

明---唐寅、陈洪绶人物画

明清小像（部分为肖像作品）

清代人物画（这里面还能分很多）

欣赏以上任意一个阶段的作品，都需要多种审美度向的支撑。因为他们在画风上、形式上、立意上都有不同程度的对立，而这些对立又是能相容在一起的。

谈一下国画：

国画是“图画”，首先是“图”，或者说是“文（纹）”，然后才是“画”。

什么是图？： 河图、洛书、太极图等等等等。举一些实例

新石器时代彩陶：

新石器时代黑陶上的刻画：

新石器时代玉器：

后代的“图画”，只是在“图”的基础之上增加了细节、增加了质感，但是“图”的“模板”基本是不变的。

这个“不变”，是迂腐守旧吗？

简单来说，这个模板拥有“简易”的特性，因其“简易”，所以可以容纳任各种风格，可以融入各种思想，可以适应各个时代。

西方许多当代艺术，用的就是类似的模板：

可以思考一下：

传统人物画真的只是为了再现吗？

有没有可能像上图那样，目的不是为了再现，而是在传达着别的什么呢？

上图：东汉 李冰之像

国画画面中所有可见因素，可以说都是含有意识的开关、代码、数据，其中含藏着众多信息。

引用一下宗白华：

“中国的人物画 系一组流动线纹之节律组合，其每一线都独立的意义与表现，以参加全体点线音乐的交响曲。”

***

顾长康（顾恺之）画裴叔则，颊上益三毛。人问其故，顾曰：“裴楷俊朗有识具，正此是其识具。”看画者寻之，定觉益三毛如有神明，殊胜未安时。

顾恺之的“三毛”在现实中并不存在，这“三毛”与画面中其他因素互相配合，画面效果因此而出现了重大的变化。

再引宗白华：“化为无数线条，再重新组织起来。”

***

“如在镜中游”

“初学词求空，空则灵气往来！既成格、调，求实，实则精力弥满。”

“格”与“调”，

二维平面有其律则、格律（当然不可能只有一种，而是有千万种）

律则所展现的，都是心、脑、眼、身体、手臂、手掌肌肉、笔、笔毫等协调配合、各自归位的结果。

律则显现 即是全画面

这就要说到国画的实践。了解传统人物画，最好的方式是实践。

实践遇到的第一个问题就是软笔

写字与画画用的是同一种工具 讲究“以书入画”

谢赫《古画品录》云：骨法用笔

再引三段宗白华有关“骨”的解释：

一、“骨”就是笔墨落纸有力、突出，从内部发挥一种力量，虽不讲透视却可以有立体感，对我们产生一种感动力量。

二、“形象、色彩有其内部的核心，这是形象的“骨”。“骨”是生命和行动的支持点，是表现一种坚定的力量，表现形象内部的坚固的组织。因此“骨”也就反映了艺术家主观的感觉、感受，表现了艺术家主观的情感态度。下笔就是一个判断。

三、“骨气”与“用笔”的关系。为什么“用笔”这么要紧？毛笔有锋，有弹性。无论诗点，是面，都不是几何学上的点与面（那是图案），不是平的点与面，而是圆的，有立体感。

以上对“骨”稍微阐释了一下，其实“骨”还不止于此。

*** 临摹

没用毛笔体会过人物画的过程，几乎不可能理解传统人物画的“理路”

不摹古不知

看似呆呆的一笔

其境界有多么开阔

*** 在观察与创作中印证古画

学习国画人物，必观察真人（照片与视频不行）

临摹、研究过许多传统人物画后，再去观察形形色色的真人，会有许许多多不可思议的发现

会由衷感叹：

古人刻画面部之法

诚不欺我！

在尝试、创作中去印证古画，是一项漫长、艰辛的工程

现代人会尤其艰苦（就像现代人学写古诗、词、曲，光熟悉古韵就要好久）

所以现在八十亿人 做这个的几乎没有。

印证古画大约分两种：一、经历一番；二、真正完成

所谓的“经历一番”之后，就会大致上知道：朝着这个方向去研究、实践，绝对是有结果的。

“经历一番”与“真正完成”天差地别。

真正完成，下笔就是《尚书》中描述的境界：

“宽而栗，柔而立，愿而恭，乱而敬，扰而毅，直而温，简而廉，刚而塞，强而义。”

练成的人不可能拿这个去画时下流行的美女。练到一半也不可能去画。

又

中国山水画不从固定角度刻画物象，中国人物画同理，其观察视角也是流动的。

宋代沈括《梦溪笔谈》在论及李成“仰画飞檐”的问题时，就提出 从固定角度用透视法构成的画面，是不成画的。

举一个例子：

敦煌莫高窟285窟主室东壁菩萨像

此图 上嘴唇与下嘴唇都不是一个视角观察的到的，何况别的

可以参考以下视频

眼睛观察到的三维世界中的内容，不能直接“拿到”二维的画面中去，需要进行“转译”。

一般我们在生活中看到的人物面部，经验到的多是色彩、光影（形状稍后提及），体积是触觉的经验，并不是视觉的经验。

按照现在美术高考那一套，直接写生，素描、速写、色彩，都不能将对象画得很像，更画不“美”。

为什么？因为直接观察得到的信息不准确。

比如速写半侧面，脸上并没有一根鼻梁线、鼻翼线等等，其实都没有，只是浑然一体的体积，找哪根都不对，又找哪根都行，因为其他的线要对此进行调整才行，不做相应的调整，一定错。

可以做个实验：

将人的面部，拍照，什么角度都行，洗出来，用透明一点的纸张盖在照片上，将眼、耳、鼻、唇、发等等用钢笔、黑笔或铅笔都勾下来，最后会发现，竟然不像照片里的人。

为什么？

照片和真人的相像，来自照片中的各种因素。当删减到只剩下几根线的时候，这时候的形象已经和照片中的形象没有关系了。

而国画人物就是几根线，照着眼睛看到的样子直接画，一定错得离谱。传统人物画画面中的线远比一般速写少。

所以画面上的每个可利用的因素都要经营！充分发挥功效。此则各派不同，各有秘诀。

有些人有疑问：为什么国画人物的比例是错的？

来看三张图：

著名的错误比例：

著名画家鲁本斯乏味的素描“东方人物”，这无疑是正确的比例。

如果照着上面的剧照画，那画面结果一定是不堪入目的。

所以完全符合外在物象的比例在国画面前一文不值、不值一提。

古时认为“万物皆禀天地之气以生”，一切事物都是气的积合。国画上的每一根线都是“综合信息”，而不是简单的“物质形体”。

再引用一遍：“中国的人物画 系一组流动线纹之节律组合，其每一线都独立的意义与表现，以参加全体点线音乐的交响曲。”

诗与音乐中的形象有比例吗？ 同理，画中的形象也没有固定的比例。

东、西方的传统的、现代的服饰，都在对 着装后的人体外观比例的进行着改造与调整。

男士西服，算贴身的了，难道没有对人体比例进行微调？

人体比例绝不是只有头身这一对比例。

读画

国画赏析一般从山水画开始，然后再人物画，这个顺序比较有操作性

说也说不清说也说不完 就这样吧~

补充：

昆曲、京剧等传统戏曲，一般来说，真正的名家唱的，都不是“好听”。转换到画上，也是这样，不是在画时下流行的“美”或者“漂亮”。

对这个问题有疑惑，可以先看戏，看看名家与普通演员有什么差距。