哪些电影配乐能被称之为经典？
有些电影配乐，就像陈年的佳酿，时间越久越能品出其中的韵味，它们不仅仅是烘托剧情的背景音，更是独立于电影之外，拥有强大生命力的艺术品。说它们是“经典”，是因为它们超越了时空的限制，在无数影迷心中留下了不可磨灭的印记，甚至在许多没有看过电影的人们耳中，也早已耳熟能详。
说到电影配乐的经典，我的脑海里首先会浮现出一些名字，比如约翰·威廉姆斯（John Williams）的那些作品，它们几乎已经和电影本身一样具有标志性。
《星球大战》系列（Star Wars Saga）
要谈经典，怎能绕过《星球大战》？约翰·威廉姆斯为这部划时代的科幻史诗创作的音乐，简直就是配乐史上的里程碑。
“The Imperial March”（帝国进行曲）：这首曲子简直是邪恶与力量的代名词。刚听到那低沉、有力、带着进行曲节奏的铜管乐声，仿佛黑暗帝国压倒性的力量就扑面而来，瞬间就能勾起你对达斯·维达（Darth Vader）和他的军队的种种回忆。它运用了 Wagner 式的“莱特莫蒂夫”（leitmotif），也就是为特定角色或概念创作主题旋律。这首进行曲，简洁明了，却又充满戏剧张力，无论在哪里听到，你都会立刻想到那个头戴黑色头盔、呼吸沉重的反派。它不仅仅是一段音乐，更是一种文化符号，一种深入人心的恐惧与压迫感。
“Main Title”（主标题）：电影开场那一刻，当巨大的“A long time ago in a galaxy far, far away…”字样闪过，紧接着雄浑辉煌的管弦乐响起，那种史诗感、冒险感瞬间就点燃了观众的激情。这首主题曲充满了英雄主义色彩，旋律宏大、激昂，充满了希望和力量，是那种能让你瞬间进入电影世界的绝佳开场白。它不仅是《星球大战》的标志，也是电影音乐辉煌的象征。
其他莱特莫蒂夫：除了这两首最著名的，威廉姆斯还为星球大战宇宙中的许多角色和地点创作了独特的莱特莫蒂夫，比如为绝地武士（Jedi）创作的充满希望的旋律，为莉亚公主（Princess Leia）创作的优雅而坚毅的旋律。这些主题相互交织，构建了一个丰富而饱满的音乐世界。
威廉姆斯的伟大之处在于，他不仅创造了动听的旋律，更重要的是，他赋予了音乐“角色”和“情感”，让音乐成为电影叙事不可或缺的一部分。他的音乐充满了古典主义的庄重感，又兼具现代电影配乐的活力和感染力，能够精准地捕捉到电影中的冒险、神秘、浪漫、悲伤等各种情绪。
《007》系列（James Bond Series）
如果说《星球大战》是宏大史诗的代表，那《007》系列则代表了特工电影的风格与魅力。
“James Bond Theme”（詹姆斯·邦德主题曲）：这首由Monty Norman创作、John Barry（约翰·巴里）改编并发展壮大的主题曲，简直就是007的代名词。那标志性的吉他riff，带着一丝冷酷、危险和性感的味道，瞬间将你带入那个充满谍战、冒险和香槟的007世界。它并没有复杂的情节，却用最简洁、最锐利的旋律，勾勒出特工詹姆斯·邦德的形象：聪明、冷静、身手不凡，同时又带着一丝花花公子的魅力。这首曲子经历了无数次电影的洗礼，每一次响起，都意味着一场新的冒险即将开始。
“Goldfinger”（金手指）：香颂女歌手Shirley Bassey（雪莉·贝西）演唱的这首主题曲，可以说是007系列中最具代表性的歌曲之一。开头的弦乐铺陈，紧接着Bassey那穿透力极强的嗓音，充满了戏剧性和危险的诱惑。歌词描写了一个金色的、神秘的、令人着迷又充满危险的女人，与电影中的反派Goldfinger完美契合。这首歌不仅有强大的演唱，更重要的是，它成功地将音乐的性感、奢华与谍战的惊险结合在一起，成为当时的一大流行文化现象。
《007》系列的主题曲风格多样，很多都成为了脍炙人口的歌曲，但“James Bond Theme”和“Goldfinger”无疑是其中最经典、最具代表性的。它们成功地塑造了007这个角色的独特魅力，并成为动作、冒险、性感与国际化的代名词。
《教父》（The Godfather）
如果要选一部在音乐上极具灵魂的电影，《教父》绝对是绕不开的。尼诺·罗塔（Nino Rota）的配乐，可以说是这部电影的“灵魂语言”。
“The Godfather Waltz”（教父华尔兹）：这首曲子，与其说是一首华尔兹，不如说是一首充满忧伤、怀旧和宿命感的意大利民谣。主旋律由那悠扬的圆号奏出，带着一种古老的、无法摆脱的悲情。它没有《星球大战》的宏大，也没有《007》的锐利，但它却拥有直击人心的力量。它完美地捕捉了柯里昂家族（Corleone family）的意大利风情，以及家族成员内心深处的孤独、责任与悲剧。每当这个旋律响起，你就能感受到那个时代的氛围，感受到维托·柯里昂（Vito Corleone）的沉重，感受到麦克（Michael）一步步走向权力巅峰却也走向内心黑暗的无奈。
“Speak Softly, Love”（柔情万缕，低语蜜语）：这首歌也被称为“Love Theme from The Godfather”，由Andy Williams（安迪·威廉姆斯）演唱的版本最为著名。它同样以那感人至深的旋律为核心，但歌词赋予了它更深层的意义。这不仅仅是一首情歌，它更像是在讲述一种隐秘的、充满着爱与控制、承诺与危险的关系。歌词的“Speak softly, love, and hold me warm”传递出一种脆弱的依赖，而“I hear the whispering wind, I hear the song of the sea”则暗示着一种无法逃避的宿命。这首歌与电影中那些看似平静实则暗流涌动的家族关系，有着惊人的契合。
尼诺·罗塔的音乐，没有强烈的戏剧性，却充满了深情和历史的厚重感。他的配乐，如同意大利北部的晚风，带着淡淡的忧伤，却又有着难以磨灭的温柔。它不是为了刺激感官，而是为了触动灵魂，让观众在离开电影院很久之后，依然能在脑海中回响起那旋律，回想起那个家族的兴衰，那个时代的无奈。
《辛德勒的名单》（Schindler's List）
有时，最令人动容的音乐，来自于最沉重的历史。约翰·威廉姆斯为《辛德勒的名单》创作的配乐，就是这样一种力量。
“Main Theme”（主标题）：由小提琴家伊扎克·帕尔曼（Itzhak Perlman）演奏的这首主题曲，简直就是对二战时期犹太民族苦难的深刻哀悼。那哀伤、凄美、充满张力的小提琴独奏，带着一种近乎哭泣的悲伤，仿佛是对所有逝去生命的无声呐喊。它没有激昂的旋律，没有宏大的叙事，但它用最纯粹、最动人的音符，表达了无尽的痛苦、失去和对生命的渴望。
“Remembrance”（回忆）：这首曲子同样由帕尔曼演奏，旋律更加舒缓，但那种对逝去亲人的思念、对往昔的怀念，以及在绝望中寻找希望的努力，都被描绘得淋漓尽致。它就像是对历史的低语，是对那些被遗忘的灵魂的温柔抚慰。
威廉姆斯在这部电影中，摒弃了他惯用的英雄主义色彩，转而用一种极为内敛、克制的方式，创作出这样触动灵魂的音乐。这份配乐，不仅仅是烘托剧情，更是对历史的敬畏，对生命的尊重，它将沉重的历史以一种诗意的方式呈现，让观众在音乐中感受到那份深邃的悲伤和人性的光辉。
《海上钢琴师》（The Legend of 1900）
埃尼奥·莫里康内（Ennio Morricone）的音乐，本身就是一种传奇。而《海上钢琴师》的配乐，可以说是他音乐生涯中最浪漫、最迷人的篇章之一。
“Playing Love”（爱之奏鸣曲）：这首由吉他弹奏的旋律，简单却充满了致命的吸引力。它仿佛是1900（1900）内心深处最纯粹的呐喊，是对生命的热爱，对音乐的痴迷，以及对大海的向往。那流畅、优美的旋律，带着一丝爵士的味道，却又有着古典主义的精致。它能让你感受到1900在钢琴上弹奏时那种灵魂的释放，那种超越一切的沉醉。
“The Legend of 1900”（海上钢琴师）：这首主旋律，同样充满了魔力。它带着一丝怀旧的忧伤，又有着对未知世界的探索感。莫里康内用他的独特方式，将爵士、古典、甚至是一些电子元素的融合，创造出一种独一无二的音乐风格。这部电影的配乐，不是简单地演奏，而是与1900这个角色融为一体，成为他生命的一部分。
莫里康内的音乐，总是带着一种独特的意大利风情，充满了故事感。他的旋律，即使是器乐，也仿佛在讲述着一个动人的故事。在《海上钢琴师》中，他的音乐更是将影片那种浪漫、诗意、甚至带点哲学意味的情感，提升到了一个全新的高度。
这些电影配乐之所以能成为经典，是因为它们拥有超越电影本身的艺术生命力。它们不仅仅是为电影量身定做的背景音乐，更是独立存在的、能够引起共鸣的情感载体。它们在旋律、编排、情感表达上都达到了极高的水准，能够在无数次重复播放中依然保持其魅力，并触动不同时代、不同背景的观众。它们是电影艺术的灵魂，也是音乐创作的瑰宝。
说到电影配乐的经典，我的脑海里首先会浮现出一些名字，比如约翰·威廉姆斯（John Williams）的那些作品，它们几乎已经和电影本身一样具有标志性。
《星球大战》系列（Star Wars Saga）
要谈经典，怎能绕过《星球大战》？约翰·威廉姆斯为这部划时代的科幻史诗创作的音乐，简直就是配乐史上的里程碑。
“The Imperial March”（帝国进行曲）：这首曲子简直是邪恶与力量的代名词。刚听到那低沉、有力、带着进行曲节奏的铜管乐声，仿佛黑暗帝国压倒性的力量就扑面而来，瞬间就能勾起你对达斯·维达（Darth Vader）和他的军队的种种回忆。它运用了 Wagner 式的“莱特莫蒂夫”（leitmotif），也就是为特定角色或概念创作主题旋律。这首进行曲，简洁明了，却又充满戏剧张力，无论在哪里听到，你都会立刻想到那个头戴黑色头盔、呼吸沉重的反派。它不仅仅是一段音乐，更是一种文化符号，一种深入人心的恐惧与压迫感。
“Main Title”（主标题）：电影开场那一刻，当巨大的“A long time ago in a galaxy far, far away…”字样闪过，紧接着雄浑辉煌的管弦乐响起，那种史诗感、冒险感瞬间就点燃了观众的激情。这首主题曲充满了英雄主义色彩，旋律宏大、激昂，充满了希望和力量，是那种能让你瞬间进入电影世界的绝佳开场白。它不仅是《星球大战》的标志，也是电影音乐辉煌的象征。
其他莱特莫蒂夫：除了这两首最著名的，威廉姆斯还为星球大战宇宙中的许多角色和地点创作了独特的莱特莫蒂夫，比如为绝地武士（Jedi）创作的充满希望的旋律，为莉亚公主（Princess Leia）创作的优雅而坚毅的旋律。这些主题相互交织，构建了一个丰富而饱满的音乐世界。
威廉姆斯的伟大之处在于，他不仅创造了动听的旋律，更重要的是，他赋予了音乐“角色”和“情感”，让音乐成为电影叙事不可或缺的一部分。他的音乐充满了古典主义的庄重感，又兼具现代电影配乐的活力和感染力，能够精准地捕捉到电影中的冒险、神秘、浪漫、悲伤等各种情绪。
《007》系列（James Bond Series）
如果说《星球大战》是宏大史诗的代表，那《007》系列则代表了特工电影的风格与魅力。
“James Bond Theme”（詹姆斯·邦德主题曲）：这首由Monty Norman创作、John Barry（约翰·巴里）改编并发展壮大的主题曲，简直就是007的代名词。那标志性的吉他riff，带着一丝冷酷、危险和性感的味道，瞬间将你带入那个充满谍战、冒险和香槟的007世界。它并没有复杂的情节，却用最简洁、最锐利的旋律，勾勒出特工詹姆斯·邦德的形象：聪明、冷静、身手不凡，同时又带着一丝花花公子的魅力。这首曲子经历了无数次电影的洗礼，每一次响起，都意味着一场新的冒险即将开始。
“Goldfinger”（金手指）：香颂女歌手Shirley Bassey（雪莉·贝西）演唱的这首主题曲，可以说是007系列中最具代表性的歌曲之一。开头的弦乐铺陈，紧接着Bassey那穿透力极强的嗓音，充满了戏剧性和危险的诱惑。歌词描写了一个金色的、神秘的、令人着迷又充满危险的女人，与电影中的反派Goldfinger完美契合。这首歌不仅有强大的演唱，更重要的是，它成功地将音乐的性感、奢华与谍战的惊险结合在一起，成为当时的一大流行文化现象。
《007》系列的主题曲风格多样，很多都成为了脍炙人口的歌曲，但“James Bond Theme”和“Goldfinger”无疑是其中最经典、最具代表性的。它们成功地塑造了007这个角色的独特魅力，并成为动作、冒险、性感与国际化的代名词。
《教父》（The Godfather）
如果要选一部在音乐上极具灵魂的电影，《教父》绝对是绕不开的。尼诺·罗塔（Nino Rota）的配乐，可以说是这部电影的“灵魂语言”。
“The Godfather Waltz”（教父华尔兹）：这首曲子，与其说是一首华尔兹，不如说是一首充满忧伤、怀旧和宿命感的意大利民谣。主旋律由那悠扬的圆号奏出，带着一种古老的、无法摆脱的悲情。它没有《星球大战》的宏大，也没有《007》的锐利，但它却拥有直击人心的力量。它完美地捕捉了柯里昂家族（Corleone family）的意大利风情，以及家族成员内心深处的孤独、责任与悲剧。每当这个旋律响起，你就能感受到那个时代的氛围，感受到维托·柯里昂（Vito Corleone）的沉重，感受到麦克（Michael）一步步走向权力巅峰却也走向内心黑暗的无奈。
“Speak Softly, Love”（柔情万缕，低语蜜语）：这首歌也被称为“Love Theme from The Godfather”，由Andy Williams（安迪·威廉姆斯）演唱的版本最为著名。它同样以那感人至深的旋律为核心，但歌词赋予了它更深层的意义。这不仅仅是一首情歌，它更像是在讲述一种隐秘的、充满着爱与控制、承诺与危险的关系。歌词的“Speak softly, love, and hold me warm”传递出一种脆弱的依赖，而“I hear the whispering wind, I hear the song of the sea”则暗示着一种无法逃避的宿命。这首歌与电影中那些看似平静实则暗流涌动的家族关系，有着惊人的契合。
尼诺·罗塔的音乐，没有强烈的戏剧性，却充满了深情和历史的厚重感。他的配乐，如同意大利北部的晚风，带着淡淡的忧伤，却又有着难以磨灭的温柔。它不是为了刺激感官，而是为了触动灵魂，让观众在离开电影院很久之后，依然能在脑海中回响起那旋律，回想起那个家族的兴衰，那个时代的无奈。
《辛德勒的名单》（Schindler's List）
有时，最令人动容的音乐，来自于最沉重的历史。约翰·威廉姆斯为《辛德勒的名单》创作的配乐，就是这样一种力量。
“Main Theme”（主标题）：由小提琴家伊扎克·帕尔曼（Itzhak Perlman）演奏的这首主题曲，简直就是对二战时期犹太民族苦难的深刻哀悼。那哀伤、凄美、充满张力的小提琴独奏，带着一种近乎哭泣的悲伤，仿佛是对所有逝去生命的无声呐喊。它没有激昂的旋律，没有宏大的叙事，但它用最纯粹、最动人的音符，表达了无尽的痛苦、失去和对生命的渴望。
“Remembrance”（回忆）：这首曲子同样由帕尔曼演奏，旋律更加舒缓，但那种对逝去亲人的思念、对往昔的怀念，以及在绝望中寻找希望的努力，都被描绘得淋漓尽致。它就像是对历史的低语，是对那些被遗忘的灵魂的温柔抚慰。
威廉姆斯在这部电影中，摒弃了他惯用的英雄主义色彩，转而用一种极为内敛、克制的方式，创作出这样触动灵魂的音乐。这份配乐，不仅仅是烘托剧情，更是对历史的敬畏，对生命的尊重，它将沉重的历史以一种诗意的方式呈现，让观众在音乐中感受到那份深邃的悲伤和人性的光辉。
《海上钢琴师》（The Legend of 1900）
埃尼奥·莫里康内（Ennio Morricone）的音乐，本身就是一种传奇。而《海上钢琴师》的配乐，可以说是他音乐生涯中最浪漫、最迷人的篇章之一。
“Playing Love”（爱之奏鸣曲）：这首由吉他弹奏的旋律，简单却充满了致命的吸引力。它仿佛是1900（1900）内心深处最纯粹的呐喊，是对生命的热爱，对音乐的痴迷，以及对大海的向往。那流畅、优美的旋律，带着一丝爵士的味道，却又有着古典主义的精致。它能让你感受到1900在钢琴上弹奏时那种灵魂的释放，那种超越一切的沉醉。
“The Legend of 1900”（海上钢琴师）：这首主旋律，同样充满了魔力。它带着一丝怀旧的忧伤，又有着对未知世界的探索感。莫里康内用他的独特方式，将爵士、古典、甚至是一些电子元素的融合，创造出一种独一无二的音乐风格。这部电影的配乐，不是简单地演奏，而是与1900这个角色融为一体，成为他生命的一部分。
莫里康内的音乐，总是带着一种独特的意大利风情，充满了故事感。他的旋律，即使是器乐，也仿佛在讲述着一个动人的故事。在《海上钢琴师》中，他的音乐更是将影片那种浪漫、诗意、甚至带点哲学意味的情感，提升到了一个全新的高度。
这些电影配乐之所以能成为经典，是因为它们拥有超越电影本身的艺术生命力。它们不仅仅是为电影量身定做的背景音乐，更是独立存在的、能够引起共鸣的情感载体。它们在旋律、编排、情感表达上都达到了极高的水准，能够在无数次重复播放中依然保持其魅力，并触动不同时代、不同背景的观众。它们是电影艺术的灵魂，也是音乐创作的瑰宝。
网友意见
感谢邀请。
我理解中的经典，不但本身的作品质量高，而且要在行业历史上有里程碑式的地位。
默片时代：
- 1908年《刺杀吉斯公爵（L'Assassinat du Duc de Guise）》，作曲圣桑（没错，就是那个作《天鹅》的圣桑）。这是历史上首次，由作曲家专门为电影写作音乐。之前，电影的音乐都来自于古典音乐、流行歌曲、民间小调等。
有声片初期：
- 1927年《爵士歌手（The Jazz Singer）》，电影史上第一部真正意义上的有声片。
好莱坞黄金时期：
这一时期大量的欧洲古典音乐作曲家涌入美国，为好莱坞电影带来了浪漫派中后期华丽的交响化音乐风格。其中典型的有
- 1938年《罗宾汉历险记（The Adventures of Robin Hood）》，作曲Eric Korngold。该片率先使用了歌剧中的“人物主题”写法。这一写法对后来的作品的影响深远。
- 1939年《乱世佳人（Gone with the Wind）》，作曲Max Steiner。感情浓厚、富于歌唱性的主题是Steiner音乐的一大特点。
- 1950年《日落大道（Sunset Blvd.）》，作曲Franz Waxman。
此外，黄金时期还涌现了很多其他风格的电影音乐作品，例如
- 1941年《公民凯恩（Citizen Kane）》，作曲Bernard Herrmann。
- 1951年《The Man with a Cloak（无官方中译名）》，作曲David Raskin。史上首个用十二音作曲技法写作音乐的电影。
- 1940-1957《猫和老鼠（Tom and Jerry）》系列，作曲Scott Bradley。他创造了一种卡通作曲模式，叫做“米老鼠化（Mickey-Mousing）”。意为为每一个细微的动作作曲。他和华纳兄弟的Carl Stalling一起成为早期动画片音乐的代表人物，并成为了后来很长一段时间动画片音乐的行业标准。
50年代到70年代：
有了黄金时代的基础，这一时期的电影音乐风格趋于多样化：
- 1949年《女继承人（The Heiress）》，作曲Aaron Copland。科普兰做过的电影很少，但影响深远。他倾向使用较小的乐队，肢体更加的柔和。
- 1951年《欲望号街车（A Streetcar Named Desire）》，作曲Alex North。使用了大量前卫的不和谐声音，以及爵士风格。
- 1953年《伊甸园之东（East of Eden）》，作曲Leonard Rosenman。又一部大量应用不协和音的电影音乐，这两部作品使得观众对不协和音响的接受度进一步提高。
- 1959年《宾虚（Ben-Hur）》，作曲Miklós Rózsa（罗饶）。从他开始出现了一个词汇，叫做“史诗般的电影音乐”。运用宏大的乐队营造震撼的效果。John Williams等当代电影作曲家无不是在此人的影响下成长起来的。
- 1961年《蒂凡尼的早餐（Breakfast at Tiffany's）》，作曲Henry Mancini。女主角赫本在片中演唱主题歌《月亮河》红极一时，掀起了电影主题歌的热潮。一时间为影片写作主题歌曲蔚然成风，并在后来的《泰坦尼克号》中达到了又一高潮。尽管开启主题歌先河的是更早的一部片子《正午》。
70年代至90年代：
六七十年代的电影音乐逐渐以歌曲、爵士乐、流行音乐、摇滚音乐以及很多现代作曲技法等占据上风。这与电视的出现有很大关系。电子音乐也在这一时期大量进入电影音乐。同时，由于John Williams的努力，电影音乐的主流回到了交响化风格。
- 1974年《唐人街（Chinatown）》，作曲Jerry Goldsmith。用了弦乐、钢琴、两把竖琴和小号的奇怪编制，钢琴使用奇怪的调弦，新奇的演奏法，来营造光怪陆离的音响。代表了这一时期的趋向。
- 1974年《大白鲨（Jaw）》，1977年《星球大战（Star Wars）》，作曲John Williams，用两部成功的作品，宣告了传统的大型交响乐队编制和浪漫乐派风格的强势回归。
- 1981年《烈火战车（Chariots of Fire）》，作曲Vangelis。首部完全用模拟电子乐器完成的电影音乐。范吉利斯在自家的工作室中用模拟多轨磁带录制各种合成器的声音。这部影片的成功也使得其他影片争相效仿。之后，随着数字技术的诞生和发展，造就了像James Horner，Hans Zimmer等当代熟练使用各种电子音乐制作技术的电影作曲大师。
当代：
这是大家最熟悉的一个领域，也是我看到其他答案提及最集中的。由于身处当代，我们还不容易看出哪些人会经受历史的洗礼最终成为经典。
另附AFI电影100年排行榜系列之，电影音乐Top 25：
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