动画角色存在「演技」吗？
首先，我们要明确，“演技”的核心是什么？在我看来，演技是通过演员自身的形体、声音、表情，将角色的内心世界、情感波动、性格特点淋漓尽致地展现出来，让观众能够共情、理解并被其所吸引。 它是情感的传递，是灵魂的具象化。
那么，动画角色如何做到这一点呢？
1. 核心在于“扮演者”：动画师
严格来说，动画角色本身是纸片（或数字文件），它不会自己“表演”。真正赋予角色“演技”的，是幕后的动画师们，以及为角色配音的声优们。
动画师的手笔：
动作设计（Key Animation）： 每一帧的动作、姿态、肢体的细微调整，都是动画师对角色情绪和状态的诠释。一个角色在生气时，肩膀会不自觉地耸起，拳头会攥紧，这种细节的刻画，就是动画师在“表演”。当角色感到悲伤时，弓起的背、下垂的眼睑、甚至是身体的轻微颤抖，都是通过画笔传达的情感。
表情刻画（Facial Animation）： 动画师通过眼睛的形状、眉毛的走向、嘴角的变化，来描绘角色的喜怒哀乐。一个细微的眼神交流，一个略带苦涩的微笑，甚至是眉梢眼角的不屑，都凝聚着动画师对角色内心世界的洞察。他们需要理解角色的情绪，然后将这种情绪转化为具有生命力的画面。
节奏与停顿（Timing）： 动画的表演也讲究节奏。一次重重的叹气，一个犹豫的停顿，一个突然的爆发，都通过画面的切换速度和动作的连贯性来表现。这些节奏的控制，直接影响到观众对角色情感的感知。
色彩与光影（Color and Lighting）： 即使是静态画面，色彩的运用和光影的投射，也能极大地增强角色的情绪表达。忧郁的角色可能被笼罩在冷色调中，而阳光开朗的角色则沐浴在暖色之中。
声优的灵魂注入：
声音的魔力： 声优们通过声音的高低、快慢、语气、情感，为角色赋予了生命。一个角色仅仅靠画面，可能无法完全传达其细腻的情感，但通过声优极具感染力的配音，角色的喜悦、痛苦、愤怒、甚至是内心的挣扎，都能被观众清晰地感受到。
情绪的共振： 声优需要在录音棚里，完全沉浸在角色的世界里，与角色同呼吸共命运。他们会根据画面内容，调整自己的情绪，用声音去“表演”。有时，一次精妙的“语气词”或者一次恰到好处的“喘息”，就能让一个角色活过来。
2. 角色设计本身也是一种“设定”
动画角色的“演技”也与其本身的设定息息相关。
性格的基石： 角色的性格设定，是动画师和声优“表演”的起点。一个沉默寡言的角色，其“演技”可能更多体现在细微的肢体语言和眼神交流上；而一个热情奔放的角色，则需要更夸张、更具表现力的动作和声音。
视觉语言的延伸： 某些动画风格，比如夸张写意的风格，允许角色用更具戏剧性的方式来表达情绪，这本身也是一种“演技”的体现。反之，写实风格的角色，其“演技”则更加细腻和内敛。
3. 观众的解读也是“演技”的一部分
我们作为观众，在观看动画时，也在参与“演技”的塑造。
情感投射： 我们会将自己的经历和情感投射到角色身上，从而理解并共鸣角色的行为和情绪。
解读与想象： 动画有时会留白，让观众通过自己的想象去填补角色的内心世界，这种解读的过程，也让动画角色的“演技”变得更加丰富和立体。
总结来说，动画角色的“演技”并非由角色本身独立完成，而是动画师精湛的绘画技巧、细腻的动作设计、富有感染力的声优演绎，以及观众自身的情感投射和解读共同作用的结果。
与其说动画角色“有”演技，不如说动画师和声优们通过他们自身的才能，赋予了这些虚构角色触动人心的“演技”。这种“演技”是一种跨越媒介的表达，它同样能够让我们欢笑，让我们落泪，让我们思考，让我们感受到真实的情感共鸣。
所以，下一次你看到一个让你感动的动画角色时，不妨多想想那些在幕后默默付出的艺术家们，正是他们，用画笔和声音，为这些角色注入了灵魂，让他们的“演技”如此鲜活。
网友意见
存在。
动画角色的演技大体可从三个方面体现出来：人物原案+设定、分镜+原画、声优
一、人物原案+设定
人物原案说明人物外形和特征，人物设定描绘人物从各个角度看过去的样子、人物在各种情绪下的表情、人物一些细致的特征。这两点类似于真人影视中，演员对于角色的理解，即角色应给人什么感觉，怎么去塑造这种感觉。
【例子】（内容出自纪录片《虞美人盛开的山坡·父与子300天的战争》）
《虞美人盛开的山坡》创作过程中，关于女主角小海的塑造，宫崎吾朗（监督）和宫崎骏曾存在分歧。宫崎吾朗过于在意小海幼时失去亲人的情节，使得笔下的小海有些阴郁，也因此其设定图被宫崎骏评价为追忆死人的表情。宫崎骏认为人物要画得更生动活泼，不然故事会过于灰暗。监制铃木敏夫得知二者的分歧后，表示支持宫崎骏的观点，他认为角色应锤炼得更有魅力。
但即使确认了女主角的性格，问题仍没有解决，宫崎骏一直认为宫崎吾朗等人画的设定图没有灵气。为了塑造更丰满的形象，宫崎吾朗只好从新构思，但始终没灵感。这时，宫崎骏托人送来一张画：
画中小海身体前倾， 大步迈在上学的路上，熟练地和路过的大叔打招呼。宫崎骏的画仿佛赋予角色生命，小海活泼的一面跃然纸上。看过该画后，宫崎吾朗开始抓住感觉，笔下的小海也变得开朗起来。
二、分镜+原画
分镜确认人物、台词和场景的时间空间关系，原画的任务是画出关键帧，即关键动作和表情。这两点类似于真人影视中，演员在具体情境下表现出来的肢体动作和表情。
相比之下，动画方面想表达角色的喜怒哀乐其实更简单，嘴角向上就是笑，嘴角向下就是悲，流着泪就是哭，瞪着眼就是怒……但这还远远不够，一部好的作品要能精确地表达角色复杂的情感，微表情和肢体语言的配合尤为重要，这就得靠细心的观察和精湛的画功，有时更需要点天赋。
【例一】
上图是宫崎骏画的《千与千寻》分镜稿的两张，左边是动画刚开始要进入隧道，右边是动画快结束要离开隧道，内容都是千寻拽着妈妈的手，但二者有所区别。左边的千寻拽得更紧，表情满是委屈，表现出千寻不满爸妈的决定，又因害怕不敢独自待着的心理。右边的千寻则较为放松，表现出的是不愿再和家人分开的心理。
【例二】（内容出自纪录片《借东西的小人阿莉埃蒂：创作的秘密》）
在《借东西的小人阿莉埃蒂》中，有一处阿莉埃蒂初次出任务，无意间被少年发现并转身离去的场景。下面是作画人提交的原画。
米林宏昌（监督）觉得此处阿莉埃蒂的情感需要更加着重描绘。经过一番思索后，他亲自对原画进行修改。
（修正后的阿莉埃蒂头发就像被吸住一样，身体还朝着少年的方向。）
（修正后添加了低下头，抿着嘴的表情。）
通过诸多细微的动作，表现出阿莉埃蒂尽管被少年吸引，却不得不离去的复杂心情。
特别说明：
1.全动画要求尽可能详细地描绘出所有角色的动作和表情变化，而有限动画因成本限制需省去很多动作和表情，结果就是全动画的角色要生动许多，可简单理解为，全动画的角色演技要好于有限动画。
2.搞笑动画（特别是美国动画和一些日本早期动画）的角色在肢体语言和表情上经常有夸张化的处理，有点类似于卓别林的肢体语言和金凯瑞的表情，要如何评价其演技就仁者见仁智者见智。
三、声优
声优作为动画角色的灵魂，在传达情感，塑造性格方面起着至关重要的作用。若想有个直观的感觉，可以对比一些作品的国内配音版和原音版，大部分可以听出明显的差距。当然，并不是所有日本声优的配音都能达到及格线，比如花泽香菜刚出道时的作品就被批评为棒读，比如今年7月番《猜谜王》女主的棒读几乎毁掉了这部作品，有兴趣者可自行搜索，这里不再详细展开。
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