如何评价动画《猫和老鼠》全部为交响乐的配乐？
首先，得承认，对于一部几乎没有对白的作品来说，音乐承载的责任是极其沉重的。汤姆猫与杰瑞鼠的每一次追逐、每一次滑稽的失败、每一次巧妙的胜利，都离不开音乐的精准烘托。这里的“交响乐”，并非只是简单的背景音乐，它更像是动画的语言，甚至可以说是角色的“内心独白”和“情绪表达”。
1. 音乐的叙事性与表情达意：
《猫和老鼠》的配乐绝非泛泛之辈，它们往往是经过精心挑选或量身定做的古典乐曲片段，或者是由斯科特·布拉德利（Scott Bradley）等作曲家创作的、带有鲜明时代特征的原创交响乐。这些音乐能够精准地传达出角色的情绪和情节的发展：
追逐场景： 当汤姆猫锲而不舍地追赶杰瑞鼠时，音乐往往会变成一段急促、充满活力的奏鸣曲式乐段，旋律在明快的节奏中跳跃，仿佛能听到猫猫伸长爪子、老鼠飞快奔逃的脚步声。比如，频繁出现的“Twinkle, Twinkle, Little Star”变奏，在不同的场景下被赋予了不同的情绪，从天真无邪到紧张刺激，变化万千。
滑稽与肢体喜剧： 许多场景，尤其是汤姆猫遭受“物理攻击”后的夸张反应，配乐会用一些戏剧化的、带有夸张音效的铜管乐器或打击乐来表现，例如尖锐的短音，让人忍俊不禁，强化了肢体喜剧的效果。
温情与宁静： 在少数几个角色之间流露出温情或思考的时刻，音乐则会转为舒缓、优美的旋律，可能是一段温婉的长笛，或是一段柔和的弦乐，让观众感受到片刻的宁静和角色的情感流露。
戏剧性与悬念： 在一些计划周密或即将发生“大事”的时刻，音乐会营造出一种紧张的氛围，低沉的弦乐、急促的鼓点，让观众屏息以待，等待着即将到来的笑料或惊奇。
2. “音乐即角色”的深层含义：
《猫和老鼠》的配乐之所以成功，还在于它不仅仅是简单的伴奏，而是与角色的肢体动作、面部表情以及情节推进达到了近乎完美的同步和融合。可以说，音乐已经成为了汤姆猫和杰瑞鼠的“第三个角色”，甚至比任何一个角色的表演都更具表现力。
音画同步的极致： 动画师与作曲家之间必然有极为默契的配合。每一次猫的扑空、每一次的触电、每一次的被炸飞，音乐的节奏、音高、力度都恰到好处地捕捉到了那一瞬间的爆发力和滑稽感。这种“音乐与画面”的咬合度，是《猫和老鼠》成为经典的关键。
语言的替代与超越： 在没有语言的情况下，交响乐为观众提供了清晰的情感指引和情节提示。它填补了声音的空白，让即使不懂英文的观众也能完全理解剧情的走向和角色的动机。更重要的是，它以一种更纯粹、更具普遍性的艺术形式——音乐，来传达喜怒哀乐，这超越了任何特定语言的界限。
3. 经典交响乐的巧妙运用与再创作：
《猫和老鼠》的配乐并非只是简单地套用现成的经典乐曲，而是经过了精心的剪辑、改编和再创作。这些耳熟能详的乐章，在动画的语境下被赋予了新的生命和含义。
幽默的解构与重塑： 很多时候，将原本严肃或宏伟的古典乐曲，用在如此滑稽的动画场景中，本身就构成了一种反差的幽默。例如，一段激昂的进行曲被用在猫猫跌跌撞撞的滑稽表演上，其戏剧性的反差效果令人捧腹。
节奏与情绪的精确匹配： 斯科特·布拉德利等作曲家对乐曲的处理，往往能精准地抓住动画场景的节奏感，并通过不同的乐器组合、速度变化来增强表现力。比如，弦乐的快速弓法用来表现老鼠的灵巧，铜管乐的短促音高用来表现猫猫的笨拙和惊讶。
4. 艺术的传承与启蒙：
《猫和老鼠》的交响乐配乐，在潜移默化中也起到了艺术启蒙的作用。无数观众，尤其是儿童，是通过这部动画第一次接触到古典音乐。那些耳熟能详的乐曲片段，如约翰·施特劳斯的《蓝色多瑙河》、柴可夫斯基的《胡桃夹子》中的一些选段，以及勃拉姆斯的《匈牙利舞曲》等，都因为动画的演绎而深入人心。
普及古典音乐： 这种将古典音乐与大众娱乐相结合的方式，极大地降低了古典音乐的门槛，让更多人有机会接触到并喜爱上交响乐。
潜移默化的影响： 很多观众可能在童年时并没有意识到自己在听的是“古典音乐”，但那些旋律早已深深烙印在脑海中，成为他们对音乐最初的美好记忆。
然而，也并非没有可以探讨的空间：
虽然《猫和老鼠》的交响乐配乐堪称完美，但我们也应该意识到，这种“全交响乐”的模式，是基于那个特定的时代背景和动画制作的特点。
时代局限性： 在那个时期，电脑特效和数字音乐还没有如今这般发达，交响乐是一种能够提供丰富音色、强大表现力和宏大场景的理想选择。
对其他风格的限制： 这种纯粹的交响乐模式，固然成功，但也意味着《猫和老鼠》的配乐风格相对固定。在现代动画中，我们可以看到更多元化的音乐风格，如爵士、摇滚、电子乐等，它们也能为动画带来独特的魅力。
总结来说，《猫和老鼠》之所以能够凭借“全交响乐”的配乐在动画史上留下浓墨重彩的一笔，是因为它将音乐的功能发挥到了极致。音乐不再仅仅是背景，而是成为了动画的灵魂、角色的语言、情节的推手，甚至是一次艺术的普及。它证明了，在没有对白的情况下，通过精妙的音乐设计，完全可以创造出引人入胜、令人难忘的艺术作品。这种对声音艺术的极致追求，是《猫和老鼠》得以永恒流传的关键之一，也是后来者难以企及的标杆。
网友意见
非音乐专业的票友来抛砖引玉。
先讲我的个人结论：
要说艺术成就恐怕没法和殿堂级的音乐大师相比，但是《猫和老鼠》借助动画的优势做到了大师也无法做到的一件事。
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提问者的问法是有问题的，《猫和老鼠》中其实交响乐很少。
参见我上一个回答：
如果指最广义定义上的交响音乐吧，泛指一切多声部器乐合奏的音乐，那《猫和老鼠》里显然也还有独奏和重奏。
如果指器乐体裁概念上的交响曲吧，《猫和老鼠》就更不是了。
如果是指乐队规模上的交响乐队，那实际上《猫和老鼠》的管弦乐队编制非常小，仅仅只有 19 人。
米高梅的管弦乐队常规配置是这样的：
弦乐器：4小提琴，1-2中提琴，1大提琴，1低音提琴
木管乐器：1长笛（兼任短笛），1双簧管，1巴松管，2-3单簧管（兼任萨克斯风）
铜管乐器：2-3小号，2长号
打击乐器：1人负责全部
外加1钢琴。
这个配置比真正的管弦乐队要小太多了，根本就是一个稍大点的室内乐团。你如果真正按交响乐队的标准去评价《猫和老鼠》中的演奏，那方向就错远了。
讲点道理，总不能拿《猫和老鼠》里面的管弦演奏去和哪家爱乐乐团相比吧……
事实上《猫和老鼠》引用古典音乐时多半是弦乐重奏或者钢琴独奏，虽然也经常突然出现一些交响乐片段，但是时间都不会太长。
（一个例外是，《In the Hollywood Bowl》全片都使用了《蝙蝠 序曲》。）
出于条件限制，古典交响乐在《猫和老鼠》系列里所占比重其实并不大，反而是华纳动画片《Looney Tunes》和《Merrie Melodies》系列（兔八哥、达菲鸭等）会更多出现更丰富的古典交响乐。
毕竟华纳可是有一个 60-70 人的完整交响乐队编制，想用就用，米高梅家的《猫和老鼠》根本没法比……
我觉得会产生《猫和老鼠》交响乐多的错觉，可能是因为《In the Hollywood Bowl》那一部中汤姆指挥《蝙蝠 序曲》给人留下的印象太深了，加上之前曾经英国 John Wilson 的交响乐队做过一次《猫和老鼠》改编配乐的演出，加深了大家对于「《猫和老鼠》=交响乐」的错误认知了。
《猫和老鼠》最多的音乐类型是什么呢？
其实是爵士乐。
正如我上一个回答提到的，从 20 年代的交响爵士乐（Symphonic Jazz）和 Dixieland 爵士乐，到 30-40 年代的大乐团摇摆乐（Big Band / Swing），再到 50 年代的 Bebop 爵士乐应有尽有。
例如下面这段 Bebop，应该是音乐导演斯科特·布拉德利（Scott Bradley）的原创配乐。
https://www.zhihu.com/video/964948346541092864我特别喜欢这段。
给《猫和老鼠》经典版负责配乐的斯科特·布拉德利是个什么样的人呢？
以下是他在 1949 年接受采访时提供的自我介绍，摘几条有意思的：
1937 年加入米高梅……至今为止一直在努力隐藏，还好他们还没发现我其实不会作曲。 不喜欢所有的半音音阶和自然音阶，无论是贝多芬还是布拉德利写的。
喜欢的作曲家：勃拉姆斯，斯特拉文斯基，欣德米特，巴托克。
这里他说自己「其实不会作曲」，当然只是自嘲罢了。
因为当时的动画引用古典音乐、儿歌等公共领域作品实在太多了，反正没有版权问题也不要钱。经常一部片子就是十几首，东抄一段西搬一段，一部动画配乐就这么完成了。
有些人喜欢拿被引用古典乐的数量去夸《猫和老鼠》配乐好，这个逻辑实在太奇怪了。如果全部都是引用古典乐，岂不是说明配乐师自己不作曲，只是音乐的搬运工？
所以布拉德利说自己「其实不会作曲」，正是对自己不得不引用现有音乐素材这一状况的自嘲，也是拿自己去和斯特拉文斯基那些大师去对比的结果。
（像我这种码农也经常自嘲不会写代码，只会搬运代码，但是哪个码农没有一颗写原创代码的心啊！）
所以说布拉德利其实是一个很有野心的配乐师。他并不满足于「尽可能塞大家熟悉的音乐」这种配乐的模式，他更希望创作更多的原创配乐，而且他后来也确实做到了。
从 40 年代末开始，《猫和老鼠》系列其实可以看到明显变化：引用作品越来越少，原创配乐段落越来越多，也愈加丰富。
最开始布拉德利用爵士乐，几乎都是把米高梅有版权的流行乐拿过来改一改，改成爵士乐（往往是Swing 风格）用进去。到最后，他自己什么风格的爵士乐都能写了，随手就能给你来一段 Bebop。
这个就厉害了。
除了爵士乐呢？
很奇怪国内居然没人提到：《猫和老鼠》里除了爵士乐之外最多的其实是现代主义音乐，尤其是无调性音乐特别多。
其实前面他的自我介绍里，就已经明确表现出这一倾向了：不喜欢半音音阶和自然音阶，喜欢大量使用全音阶；对他影响最大的作曲家其实是斯特拉文斯基、欣德米特、巴托克。
感受一下：
https://www.zhihu.com/video/965344156650102784上面是 1944 年的《Puttin' on the Dog》，明显用到了勋伯格的十二音体系。
他后来在文章中提到了当时的想法：
一只小老鼠戴着狗头跑来跑去，你只能看到那小家伙的脚扛着那么大的头，就很荒诞可笑。但是我找不到一种新的办法用音乐来描述这场面，一整天都在想这一个两小节的乐句。我试过的每一种都很普通、没意思。
最后，我试了试十二音技法，就是它了！这个场景在之后五十秒内反复出现了五次，而我只需要用到这音阶——由短笛、双簧管和巴松管齐奏。
我希望勋伯格能原谅我拿他的体系在做搞笑音乐，但是我们录音时管弦乐团的小伙子们都笑翻了。
值得特别提一下的是，这是序列主义/十二音音乐第一次出现在影视配乐中。直到 1951 年，才有实拍片开始把序列音乐用到配乐里，《猫和老鼠》领先了至少 7 年以上！
所以《猫和老鼠》系列中经常会用十二音技法来营造一种「仿佛不应该存在于世界上」的荒诞滑稽感。布拉德利经常自由地在调性音乐和无调性音乐中来回切换——打比方说，当汤姆非常理智的时候，就会用调性音乐；一旦事情失去控制，汤姆开始疯狂，可能就会切换到无调性音乐。
再举一个例子，除了勋伯格的十二音技法，《猫和老鼠》中还经常出现斯特拉文斯基的多调性手法，如「彼得鲁什卡和弦」：即两个主和弦（C大调和升F大调）互相叠置，撞击产生非常极为尖锐的不协和音。
（网上找个例子，大家应该很熟悉了，《猫和老鼠》里太常见）
https://www.zhihu.com/video/965402783033368576这些无调性、多调性音乐在系列后期所占比重越来越多，像《Designs on Jerry》里一大半都是这些现代主义的作曲法了。
我觉得这才是《猫和老鼠》系列配乐最大的成就。
那些上世纪现代主义音乐的理念革命，抛去悦耳的旋律、和声，解放不协和音，告别功能调性体系，让现代主义音乐好像在大众心目中都已经被妖魔化了。最被妖魔化的名字，当然是勋伯格。
但是《猫和老鼠》成功做到了一点：它让观众们卸下对无调性音乐的戒心，用最真诚不卖弄的方式把现代主义音乐带给大家。
当年被誉为票房毒药、音乐会上被评论家痛骂的勋伯格，摇身一变却成为了电影院里惹得观众们开怀大笑的猫鼠组合。勋伯格没能找到的认同，被《猫和老鼠》给做到了。
当然，这不是说《猫和老鼠》比勋伯格们的艺术成就大（当然不可能）。但《猫和老鼠》成功让更大众的人群接触到无调性音乐，而且证明了现代主义音乐并非单纯理论作曲家们的玩具，在影视配乐里给无调性音乐找到了新生。
我觉得这是很了不起的成就了。
事实上，在我第一次听到无调性音乐的时候，我一点没觉得难听，反而觉得有点儿亲切——
「这种玩意儿我好像在《猫和老鼠》里听过？！」
布拉德利曾经在一篇文章里展望动画配乐和现代主义音乐的未来：
「如果要我来展望未来，我觉得 1946 年的动画片音乐会愈加现代化，用更强的室内乐风格来进行管弦乐配器，并完全消灭掉『春之歌』（注：指门德尔松那首）那样的套路。」
「只有动画片才会给电影作曲家这个机会，来写一首 6-7 分钟长的创作，一直能被观众听到而几乎不会被打断。」
「动画片就是为现代主义音乐而生的，或许能够成为这种配乐方式的理想试验场。从此动画片将成为电影音乐的领导者，而不再是没爹娘的红毛小子。」
可惜，1957 年米高梅动画部关门，布拉德利被解雇，美国动画片黄金时代结束。
他展望的未来，早已经变成了泡影啰。
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