请问为什么很多专业钢琴学习者都不推荐正在学习钢琴的人去模仿古尔德的弹奏呢？
这个问题很有意思，也触及到了一些钢琴学习的核心问题。很多资深的钢琴老师和演奏家确实不建议初学者或者尚在发展基础阶段的学习者去模仿格伦·古尔德的弹奏，这背后有多方面的考量，并非是对古尔德艺术的否定，而是基于不同学习阶段的需求和目标。
首先，我们要明白一点：古尔德是一位 极度个人化和革命性 的钢琴家。他的演奏风格是建立在扎实的功底、深刻的音乐理解以及他对音乐近乎哲学性的思考之上的。模仿他，就像一个刚学会走路的孩子试图模仿一位奥运冠军的跑姿，不仅学不像，还可能因为模仿的姿势不协调而伤到自己。
具体来说，不推荐模仿古尔德的原因有以下几点，我会尽量剖析得细致一些：
1. 极端的音色处理与触键方式：
古尔德的触键可以说是他最标志性的特点之一。他追求一种 “颗粒感”和“清晰度”，听起来像是在弹奏独立的音符，而不是连绵的乐句。为了达到这种效果，他的触键非常快速且不带有太多“重量”或“揉捏感”。这在听觉上非常独特，仿佛每个音符都被小心翼翼地提炼出来。
然而，这种触键方式对于身体的控制要求极高。它需要极度精准的手腕、手指和手臂的配合，而且需要对力量的传递有非常细致的感知。如果一个学习者还在摸索如何建立健康的演奏姿势、如何运用身体的力量以及如何找到流畅的连接，去模仿古尔德那种“弹奏式”的触键，很容易导致：
手指僵硬和疲劳： 为了快速弹出清晰的音，手指会不自觉地绷紧，长期以往会造成肌肉紧张，影响手指的灵活性和耐力。
手臂压力过大： 很多时候，手指的快速运动需要手臂的辅助，但如果发力方式不对，手臂会承受不必要的负担，甚至可能导致疼痛或损伤。
失去乐句的连贯性： 过分追求颗粒感，可能会忽略乐句的呼吸和起伏，使得音乐听起来零散，缺乏歌唱性。很多初学者需要通过模仿更具歌唱性的演奏来学习如何处理乐句的连接和表情，而古尔德恰恰在这方面与主流的“歌唱式”演奏有所不同。
2. 对作品的独特理解和诠释：
古尔德对巴赫等作品的理解非常超前和个性化。他常常会 打破传统的乐句划分和速度处理，挖掘作品中被忽视的细节，或者以一种全新的视角去展现作品的结构。例如，他对赋格曲的处理，常常是将声部之间的对比和独立性放大到极致，这需要对复调音乐有极其深刻的理解和处理能力。
对于初学者来说，他们首先需要掌握的是作品的基本结构、旋律走向、和声功能等“音乐语言”。如果直接去模仿古尔德那些极具个性的诠释，可能会：
混淆对作品的认知： 在还没有建立起对作品的普遍理解之前，就接触到如此“非典型”的演绎，容易让学习者误以为这就是作品的唯一或正确打开方式，限制了他们自己对音乐的探索。
难以掌握核心音乐元素： 古尔德的创新很多时候是建立在对音乐“规则”的精熟之上的。如果学习者对这些“规则”本身还不熟悉，那么他们对古尔德的模仿可能只是停留在表面上的模仿，无法触及到音乐的本质。
3. 速度和技术的极端化要求：
古尔德在演奏一些作品时，会展现出令人惊叹的速度和清晰度，这需要日积月累、非常系统的技术训练。他的指法设计和运用也往往服务于他独特的音乐构思，不一定是最符合大众化技术训练的方式。
如果学习者在技术基础尚未稳固的情况下，试图模仿古尔德的速度和清晰度，可能会导致：
基础技术不扎实： 为了快速演奏，可能会牺牲指法的准确性和放松性，导致技术瓶颈，甚至养成错误的习惯。
对“速度”的误解： 很多时候，音乐的表达并非越快越好，而在于速度与音乐内容的匹配。古尔德的速度选择是其艺术思考的一部分，而非盲目追求快。
4. 坐姿和身体习惯的特异性：
古尔德著名的“低坐姿”和身体的小动作，是他演奏时的标志性特征。他常常坐在一个非常低的椅子上，身体前倾，甚至会随着演奏而摇摆身体。这种姿势和动作是为了更好地接近琴键，获得他想要的触键，并且可能与他个人的生理结构和习惯有关。
对于正在学习钢琴，需要建立正确、高效、可持续演奏姿势的学习者来说，模仿古尔德的坐姿和身体习惯，非常可能：
破坏人体工程学： 这种低坐姿可能不适合大多数人的体型，长期模仿可能导致脊柱、肩部或手臂的压力过大，增加受伤的风险。
影响发力效率： 一个不合身体自然运作规律的姿势，会影响力量的传导，使得演奏更费力，限制技术的发展。
分散对音乐的注意力： 学习者可能会过分关注模仿这些外在的身体动作，而忽略了音乐本身和钢琴触键的内在联系。
总结来说，不推荐模仿古尔德，主要是因为：
他是一位高度个人化的艺术家，他的演奏风格是其独特艺术理念和深厚功底的产物，而非普适性的教学范本。
他的一些演奏技巧和音乐处理方式，对于初学者来说过于超前和复杂，容易导致技术养成不当或对音乐理解产生偏差。
模仿其外在的身体动作和坐姿，很可能对学习者的身体健康和技术发展造成负面影响。
这并不意味着古尔德的演奏不好，恰恰相反，他的艺术是无与伦比的。但学习钢琴是一个循序渐进的过程，需要先打好基础，理解音乐的基本规律，培养健康的演奏习惯，然后在对音乐有更深的理解和掌控能力之后，才能在借鉴和吸收各种风格的基础上，发展出属于自己的艺术个性。
就好比学习绘画，初学者需要先学会基本的线条、色彩和构图，然后才能去欣赏和学习梵高、莫奈的风格，而非一开始就模仿他们的笔触和色彩大胆运用，那样只会适得其反。对古尔德的欣赏应该是建立在对钢琴艺术的深入了解之上，而不是作为初学阶段的学习模板。
首先，我们要明白一点：古尔德是一位 极度个人化和革命性 的钢琴家。他的演奏风格是建立在扎实的功底、深刻的音乐理解以及他对音乐近乎哲学性的思考之上的。模仿他，就像一个刚学会走路的孩子试图模仿一位奥运冠军的跑姿，不仅学不像，还可能因为模仿的姿势不协调而伤到自己。
具体来说，不推荐模仿古尔德的原因有以下几点，我会尽量剖析得细致一些：
1. 极端的音色处理与触键方式：
古尔德的触键可以说是他最标志性的特点之一。他追求一种 “颗粒感”和“清晰度”，听起来像是在弹奏独立的音符，而不是连绵的乐句。为了达到这种效果，他的触键非常快速且不带有太多“重量”或“揉捏感”。这在听觉上非常独特，仿佛每个音符都被小心翼翼地提炼出来。
然而，这种触键方式对于身体的控制要求极高。它需要极度精准的手腕、手指和手臂的配合，而且需要对力量的传递有非常细致的感知。如果一个学习者还在摸索如何建立健康的演奏姿势、如何运用身体的力量以及如何找到流畅的连接，去模仿古尔德那种“弹奏式”的触键，很容易导致：
手指僵硬和疲劳： 为了快速弹出清晰的音，手指会不自觉地绷紧，长期以往会造成肌肉紧张，影响手指的灵活性和耐力。
手臂压力过大： 很多时候，手指的快速运动需要手臂的辅助，但如果发力方式不对，手臂会承受不必要的负担，甚至可能导致疼痛或损伤。
失去乐句的连贯性： 过分追求颗粒感，可能会忽略乐句的呼吸和起伏，使得音乐听起来零散，缺乏歌唱性。很多初学者需要通过模仿更具歌唱性的演奏来学习如何处理乐句的连接和表情，而古尔德恰恰在这方面与主流的“歌唱式”演奏有所不同。
2. 对作品的独特理解和诠释：
古尔德对巴赫等作品的理解非常超前和个性化。他常常会 打破传统的乐句划分和速度处理，挖掘作品中被忽视的细节，或者以一种全新的视角去展现作品的结构。例如，他对赋格曲的处理，常常是将声部之间的对比和独立性放大到极致，这需要对复调音乐有极其深刻的理解和处理能力。
对于初学者来说，他们首先需要掌握的是作品的基本结构、旋律走向、和声功能等“音乐语言”。如果直接去模仿古尔德那些极具个性的诠释，可能会：
混淆对作品的认知： 在还没有建立起对作品的普遍理解之前，就接触到如此“非典型”的演绎，容易让学习者误以为这就是作品的唯一或正确打开方式，限制了他们自己对音乐的探索。
难以掌握核心音乐元素： 古尔德的创新很多时候是建立在对音乐“规则”的精熟之上的。如果学习者对这些“规则”本身还不熟悉，那么他们对古尔德的模仿可能只是停留在表面上的模仿，无法触及到音乐的本质。
3. 速度和技术的极端化要求：
古尔德在演奏一些作品时，会展现出令人惊叹的速度和清晰度，这需要日积月累、非常系统的技术训练。他的指法设计和运用也往往服务于他独特的音乐构思，不一定是最符合大众化技术训练的方式。
如果学习者在技术基础尚未稳固的情况下，试图模仿古尔德的速度和清晰度，可能会导致：
基础技术不扎实： 为了快速演奏，可能会牺牲指法的准确性和放松性，导致技术瓶颈，甚至养成错误的习惯。
对“速度”的误解： 很多时候，音乐的表达并非越快越好，而在于速度与音乐内容的匹配。古尔德的速度选择是其艺术思考的一部分，而非盲目追求快。
4. 坐姿和身体习惯的特异性：
古尔德著名的“低坐姿”和身体的小动作，是他演奏时的标志性特征。他常常坐在一个非常低的椅子上，身体前倾，甚至会随着演奏而摇摆身体。这种姿势和动作是为了更好地接近琴键，获得他想要的触键，并且可能与他个人的生理结构和习惯有关。
对于正在学习钢琴，需要建立正确、高效、可持续演奏姿势的学习者来说，模仿古尔德的坐姿和身体习惯，非常可能：
破坏人体工程学： 这种低坐姿可能不适合大多数人的体型，长期模仿可能导致脊柱、肩部或手臂的压力过大，增加受伤的风险。
影响发力效率： 一个不合身体自然运作规律的姿势，会影响力量的传导，使得演奏更费力，限制技术的发展。
分散对音乐的注意力： 学习者可能会过分关注模仿这些外在的身体动作，而忽略了音乐本身和钢琴触键的内在联系。
总结来说，不推荐模仿古尔德，主要是因为：
他是一位高度个人化的艺术家，他的演奏风格是其独特艺术理念和深厚功底的产物，而非普适性的教学范本。
他的一些演奏技巧和音乐处理方式，对于初学者来说过于超前和复杂，容易导致技术养成不当或对音乐理解产生偏差。
模仿其外在的身体动作和坐姿，很可能对学习者的身体健康和技术发展造成负面影响。
这并不意味着古尔德的演奏不好，恰恰相反，他的艺术是无与伦比的。但学习钢琴是一个循序渐进的过程，需要先打好基础，理解音乐的基本规律，培养健康的演奏习惯，然后在对音乐有更深的理解和掌控能力之后，才能在借鉴和吸收各种风格的基础上，发展出属于自己的艺术个性。
就好比学习绘画，初学者需要先学会基本的线条、色彩和构图，然后才能去欣赏和学习梵高、莫奈的风格，而非一开始就模仿他们的笔触和色彩大胆运用，那样只会适得其反。对古尔德的欣赏应该是建立在对钢琴艺术的深入了解之上，而不是作为初学阶段的学习模板。
网友意见
首先要问一下打算学古尔德什么呢？
如果说学古尔德巴赫的分句，那么，手指的能力有多少人能达到他的境界？
如果学古尔德多声部的处理，那么，我就想问问多少人能在脑子里把那么多声部在脑袋里跑得很明白，同时还能弹明白？特别是在一些奇快或者奇慢的极端速度上。
最后，想学古尔德的速度？那么，听听他贝多芬op.111的第一乐章那个速度，这个真的不是谁都能来的，更不是谁都能弹清楚的。这是快的，至于慢的，能在那个夸张的速度中把线条拉清楚那是很难的。
最后说一句，古尔德在很多能力上是非常特殊的，没有他的那个脑子和耳朵还有手指机能，根本没办法学。
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