请问音乐中有概括一说吗?
我们可以从几个层面来理解音乐中的“概括”：
一、 音乐语言的“概括性”：
音乐本身就是一种高度概括的艺术形式。它不像语言那样有具体的词汇和句子来直接表达事物，而是通过抽象的音高、节奏、力度、音色等元素来唤起听众的情感和想象。
旋律的概括： 一段旋律，即使只是几个音符，也能承载丰富的情感。比如，一个上行的旋律可能让人感受到希望、升华；一个下行的旋律则可能带来沉重或忧伤。作曲家通过精炼旋律的走向、节奏的起伏，来“概括”出一种情绪或意境。我们常说的“主题”，就是一段具有代表性的旋律，它往往是音乐的灵魂，被反复发展和变化，但其核心的“概括”性不会改变。
节奏的概括： 一个简单的节奏型，比如四四拍下的四个八分音符，就能构成一种稳定或活跃的律动感。这种律动感本身就概括了某种能量或情绪。疾速的节奏可能概括了紧张或兴奋，舒缓的节奏则可能概括了平静或冥想。
和声的概括： 和弦的组合能够营造出不同的色彩和氛围。一个大三和弦可能带来明亮、快乐的感觉，一个小三和和弦则可能传递忧郁或神秘。和声的进行更是像情节的推进，它概括了音乐发展的情绪走向。
织体的概括： 音乐的织体，即不同声部如何组合在一起，也能概括出音乐的厚度、密度和层次。比如，单音音乐的质朴，复调音乐的复杂，它们各自概括了不同的音乐形象。
二、 音乐作品的“概括性”：
一部完整的音乐作品，无论是乐曲的结构还是情感的表达，都蕴含着概括。
结构上的概括： 乐曲的曲式，比如奏鸣曲式中的呈示部、发展部、再现部，就是一种重要的概括。呈示部提出了主要音乐材料（主题），发展部对其进行变形和冲突，再现部则将其“概括”性地回归。各种小型曲式，如二部曲式、三部曲式，也都是对音乐材料进行组织和概括的方式。作曲家通过这些结构化的手段，将零散的音乐素材整合成一个具有整体性的、能够被听者理解和记忆的“概括”。
情感与意境的概括： 作曲家往往希望通过音乐来表达某种更宏大或更抽象的概念，比如爱情、战争、自然风光等。他们不会直接描述，而是通过音调、节奏、和声等音乐语言的组合，来“概括”出这些概念所蕴含的情感和意境。比如，贝多芬的《田园交响曲》并没有直接描写风雨雷电，而是通过音乐的起伏、色彩的变化，概括出了大自然的壮丽和人类在其中的感受。
主题的变奏与发展： 在很多作品中，一个最初呈现的“主题”是整个作品的核心“概括”。然后，作曲家会通过各种方式（节奏、旋律、和声、织体上的变化）来“发展”这个主题，但听众始终能感受到这个主题的“根基”或“本质”被保留了下来，即使它变得面目全非。这就像一个人在人生中经历了无数变化，但其核心的性格或价值观依然“概括”了他这个人。
三、 演奏与聆听中的“概括”：
“概括”也体现在演奏者对音乐的处理和听者对音乐的理解上。
演奏的概括： 演奏者在理解乐谱后，会根据自己的理解对音乐进行“概括”性的诠释。这可能体现在对乐句的呼吸处理，对某个段落的情感侧重，甚至是对整体速度和力度的把握。优秀的演奏家能够抓住作品的“精髓”，并将其“概括”地呈现给听众。他们不会逐个音符都面面俱到，而是会抓住那些最能体现音乐“概括性”的节点。
聆听的概括： 作为听众，我们的大脑也在进行一种“概括”。当我们听音乐时，我们会将音符、乐句、段落串联起来，形成一个整体的印象和感受。我们不会记住每一个音符，而是会抓住那些让你印象深刻的旋律、节奏或情感。“这个乐曲让我感到很平静”，“这首曲子很有力量”，这些都是我们对音乐进行的“概括”。
举个例子：
想想一首爵士乐的即兴独奏。 soloist 听到一个和弦进行，他可能会根据这个和弦的性质，选择一个音阶或模式，然后在这个框架下自由发挥。但他的即兴并非漫无边际，他会抓住和弦的核心音，围绕它进行变化，从而“概括”出这个和弦所代表的色彩和感觉。即使他演奏了无数个音符，最终留给听众的印象，是对那个和弦进行以及 soloist 演奏风格的“概括”。
总结来说，音乐中的“概括”是一种将复杂、多样的音乐元素提炼成具有代表性、能够唤起特定情感和想象的核心“种子”的过程。它体现在作曲家对音乐材料的组织、对情感意境的传达，也体现在演奏者对作品的诠释和听众对音乐的理解。音乐的魅力，很大程度上就在于它能够用如此精炼而富有表现力的方式，去“概括”我们难以言表的情感和体验。
所以，虽然我们不常直接说“音乐概括”，但“概括”的精神其实是渗透在音乐的血液中的。它让音乐能够如此深刻地触动人心，让我们在有限的时间里，体验到无限的情感和思考。
网友意见
在西方音乐中，很早就已经有作曲家开始关注画面与音乐的结合。
一、文艺复兴时期
在文艺复兴时期的若斯坎（Josquin，1440—1521）就根据拉斐尔的《“大公”圣母像》创作了经文歌《圣母颂》，其采用的这种注重画面及词句描绘的音乐创作思维，通常被成为“绘词法”。
https://pan.baidu.com/link/zhihu/7lhnzMuZhIikRalFZkVM1YRXe1NxtWWwd3tm==——若斯坎：经文歌《圣母颂》
不难看出，这一时期的音乐是与美术具有一定联系的，这一时期的艺术家们十分注重对细节的描述。“绘词法”这种创作思维在在16世纪不断发展，逐渐影响到多个国家地区的世俗音乐，其中比较有代表性的就是“意大利牧歌”，很多意大利牧歌的作曲家都采用类似的思维进行创作，比如阿卡代尔特（Arcadelt）、罗勒（Rore）等作曲家都依此创作了不少作品。
此后，西方音乐进入到巴洛克、古典主义时期、浪漫主义时期后，作曲家们逐渐开始关注对情感、文学、个性、技术、结构等方面的追求，从他们的音乐中或许不常能看到其与美术之间的联系。
二、印象主义音乐时期
而从印象主义开始，西方音乐作曲家们又重新开始关注美术作品及美术风格流派。印象主义是诞生于法国美术中的一种创作流派，它十分强调一瞬间的感受，作者一般可以通过者一刹那的体会去创作，“描绘性”在印象主义的创作中并不重要。法国的德彪西和拉威尔在接受了印象主义美术和象征派诗歌的创作理念后，共同确立并发展了“印象主义音乐。”可以看出，原来在音乐中所关注的“描绘性”，在这一时期已不再重要，这或许和美术的发展有着相似的方向。
德彪西的钢琴曲《亚麻色头发的少女》（选自《前奏曲》第1集，第8首）描绘的是一位亚麻色头发的少女，这部作品据说是根据印象派画家雷阿诺（Pierre-Auguste Renoir）的《小艾琳》所做的，而这幅画据说是为了一位银行家女儿画的。
QQ音乐 ——德彪西：《亚麻色头发的少女》（选自《前奏曲》第1集，第8首）
三、20世纪上半叶
20世纪在艺术领域出现了“表现主义”。表现主义是在20世纪初出现的现代流派，它最早出现在绘画、文学等领域，后来扩展到音乐领域。表现主义可以与印象主义形成对立，印象主义强调的是外在事物给个人的瞬间体验和感受，而表现主义则更加强调个人内在的体验和感受，这两种思维模式就导致相对应的音乐有着不同的音乐特征。
表现主义音乐其实在瓦格纳和理查德·施特劳斯的歌剧中就已经有了一定暗示，他们的歌剧中十分突出人物情绪和感受的刻画，在和声上也出现了半音化的特征的同时，在结构上也更加模糊，这些都为表现主义音乐的发展提供了前提。表现主义音乐继续向前发展，取消了调式调性的限制，让十二个音处于平等关系，真正让音乐没有调性，这是表现主义音乐最大的特征。在表现主义音乐中也时常会出现一些其他的特征，比如：夸张的跳进进行、力度的巨大变化、极度不协和的和弦、不对称的节拍、不清晰的结构等。表现主义音乐因为要强调个人内在的情绪，所以通常用紧张、恐惧、绝望等比较有戏剧张力的情绪融入到作品之中。印象派虽然也是强调主观体验，但是至少还有一些精巧的旋律和典雅的音响，但在表现主义音乐中，一切都被“打乱了”。
《月迷彼埃罗》表达的是主人公是一个精神错乱的人，勋伯格通过一部部作品，表达了主人公的不同情绪。在音乐上，这部作品采用了介于说和唱之间的一种“念唱”方式。
QQ音乐-专辑 ——勋伯格：独唱套曲《月迷彼埃罗》（共21首，1912）
四、20世纪下半叶
后现代风格是在建筑中的一种风格，指可以在一个建筑中可以运用所有时期的风格。这种观念逐渐被应用于音乐。在音乐上，一些作曲家将不同时期的音乐素材融入到作品之中，同时加入个人的音乐风格，这一类作品通常被成为“后现代风格”音乐。因为由于这些作曲家十分青睐于吸收浪漫主义时期的音乐，所以他们的创作风格也被成为“新浪漫主义”。
具体来讲，新浪漫主义（neo romanticism）是诞生于20世纪70、80年代的音乐流派。一般来说，它要求音乐要以传统和声为基础，注重情感的抒发，同时经常饮用19世纪浪漫主义时期作曲家的音乐材料，但它又经常在音乐中出现一些现代音乐元素。整体来说，新浪漫主义可以说是浪漫主义时期音乐与现代音乐的结合。代表性作品有：卢西亚诺·贝里奥（Luciano Berio，1925—2003）的《交响曲》（引用了马勒的《第二交响曲》的材料，1968）；
https://v.youku.com/v_show/id_XMTQyMDA1NTM4OA==.html ——卢西亚诺·贝里奥：《交响曲》
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