怎么样了解美国音乐史？
一、 时间的河流：从源头开始梳理
美国音乐史并非横空出世，它的根基深植于历史的土壤。所以，我们要做的第一件事，就是回到最初，看看这片土地是如何孕育出独特的音乐声音的。
原住民的古老旋律： 在欧洲殖民者到来之前，这片大陆上早就回响着原住民部族的歌声和鼓点。这些音乐往往与仪式、神话、自然紧密相连，使用着独特的乐器，如笛子、鼓、拍板等。虽然留下的记录不多，但它们的精神内核和某些旋律元素，隐约影响着后来的音乐。想了解这部分，可以寻找一些关于原住民部落音乐研究的文献、录音（如果能找到的话）或者纪录片。
殖民时期的融合与碰撞： 当欧洲各国的殖民者带着他们的音乐传统来到这片新大陆时，一场深刻的文化融合开始了。
英国清教徒的赞美诗： 他们带来了欧洲的宗教音乐，特别是简单、素朴的赞美诗演唱方式。你可能会听到“诗篇歌唱”（psalmody）的影子，这种以简单旋律伴奏歌词的形式，是早期美国宗教音乐的重要组成部分。
非洲奴隶的灵魂回响： 这绝对是美国音乐史上最重要、最具颠覆性的元素之一。被贩卖到美洲的非洲人民，将他们丰富多彩的音乐传统带了过来——强烈的节奏感、呼应式的演唱（callandresponse）、情感的宣泄方式，以及他们特有的乐器（尽管很多在艰难环境下难以保存）。这些元素在辛勤劳作中，在祈祷和思念中，逐渐演变成了“劳动歌曲”（work songs）、“灵歌”（spirituals）。这些歌曲不仅是慰藉，更是他们反抗和希望的载体。聆听这些早期灵歌，你会感受到一种原始的力量和深沉的情感。
建国初期的国家声音： 随着美国的独立，一种属于“美国人”的音乐声音也开始萌芽。你会看到一些作曲家试图创作具有民族特色的音乐，但很大程度上仍然受到欧洲古典音乐的影响。军乐、爱国歌曲在这一时期也扮演着重要的角色。
二、 流派的百花齐放：认识美国音乐的多元性
美国音乐的魅力在于它的包容性和创新性，无数的流派在这里诞生、发展、相互影响，最终形成了今天我们所熟知的多元音乐图景。
爵士乐（Jazz）： 这绝对是美国音乐的国粹，是美国对世界音乐最重要的贡献之一。爵士乐诞生于20世纪初的美国南部，尤其是新奥尔良。它的核心是即兴演奏（improvisation）、摇摆的节奏（swing rhythm）和独特的“蓝调音阶”（blue notes）。
起源： 从蓝调（Blues）、拉格泰姆（Ragtime）等音乐形式中汲取养分。
演变： 经历迪克西兰（Dixieland）、摇摆乐（Swing）、比波普（Bebop）、冷爵士（Cool Jazz）、硬波普（Hard Bop）、自由爵士（Free Jazz）、融合爵士（Fusion）等诸多风格的演变。
关键人物： 路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）、艾灵顿公爵（Duke Ellington）、查理·帕克（Charlie Parker）、迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）等。
怎么听？ 从最早期的阿姆斯特朗的《West End Blues》开始，感受那种原始的生命力。然后听摇摆时代的本尼·古德曼（Benny Goodman）和艾灵顿公爵的乐队，感受那种律动和优雅。再进入比波普时代，听查理·帕克和迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie），体验那种复杂、快速的演奏。
蓝调（Blues）： 蓝调是很多美国音乐流派的“母亲”，它源自非洲音乐的传统和美国黑人的生活经历，特别是南部种植园的劳动歌曲和灵歌。它的特点是简谱的和声进行（常为十二小节蓝调）、情感的直接表达、以及忧伤或诉说的歌词。
地区风格： 有密西西比三角洲蓝调（Delta Blues）、芝加哥蓝调（Chicago Blues）、德州蓝调（Texas Blues）等不同地域特色。
关键人物： 罗伯特·约翰逊（Robert Johnson）、马迪·沃特斯（Muddy Waters）、B.B. King等。
怎么听？ 聆听罗伯特·约翰逊充满传奇色彩的歌曲，感受早期蓝调的朴实与深邃。再听马迪·沃特斯，感受城市蓝调的电力十足。B.B. King的吉他演奏，更是蓝调的典范。
乡村音乐（Country Music）： 乡村音乐根植于美国南方和阿巴拉契亚地区的民间音乐，融合了福音音乐、蓝调和一些欧洲传统音乐元素。它的特点是叙事性的歌词、朴实的旋律、以及吉他、班卓琴、小提琴等乐器的使用。
早期代表： 约翰尼·卡什（Johnny Cash）、汉克·威廉姆斯（Hank Williams）等。
风格演变： 从早期的乡愁民谣（Appalachian folk）、西部摇摆（Western Swing）到纳什维尔声音（Nashville Sound）、重塑乡村（Outlaw Country）、新乡村（New Country）等。
怎么听？ 听约翰尼·卡什那些充满故事和个人风格的歌曲，感受他“匪帮传奇”的魅力。再听汉克·威廉姆斯，体会那种简单但触动人心的情感。
摇滚乐（Rock and Roll）： 20世纪中叶诞生的摇滚乐，可以说是美国文化革命的催化剂之一。它融合了蓝调、乡村、福音音乐等多种元素，以强烈的节奏、吉他驱动的声音和叛逆的精神席卷全球。
先驱： 查克·贝里（Chuck Berry）、艾维斯·普雷斯利（Elvis Presley）、小理查德（Little Richard）等。
风格分支： 从早期的摇滚乐到硬摇滚（Hard Rock）、朋克摇滚（Punk Rock）、重金属（Heavy Metal）、另类摇滚（Alternative Rock）、独立摇滚（Indie Rock）等等，可以说枝繁叶茂。
怎么听？ 从查克·贝里的经典曲目开始，感受摇滚乐最早的能量。然后是猫王，理解他如何成为摇滚乐的偶像。再深入到披头士（虽然是英国乐队，但对美国摇滚乐影响巨大）、滚石乐队等，感受摇滚乐的发展和演变。
嘻哈音乐（Hip Hop）： 作为20世纪末崛起的最具影响力的音乐流派之一，嘻哈音乐不仅是一种音乐风格，更是一种文化现象。它起源于纽约布朗克斯区的黑人青年聚会，以说唱（rapping）、DJing、涂鸦（graffiti）和街舞（breakdancing）为四大要素。
特点： 采样（sampling）、节奏编排、歌词的社会批判和叙事性。
关键人物： RunDMC, Public Enemy, N.W.A., Tupac Shakur, The Notorious B.I.G. 等。
怎么听？ 听RunDMC的《Walk This Way》，感受嘻哈与摇滚的结合。Public Enemy的歌词充满了政治和社会评论。N.W.A.的出现，则标志着硬核说唱（gangsta rap）的兴起。
流行音乐（Pop Music）： “流行”本身就是一种不断变化的概念，但美国流行音乐的历史，也是一部对各种音乐风格的吸收、融合和再创造的历史。从早期的Tin Pan Alley歌曲，到摇摆乐时代的流行歌手，再到后来的摇滚、迪斯科、R&B、电子舞曲等风格的不断融合，流行音乐始终走在时代前沿。
关键人物： 迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）、麦当娜（Madonna）、碧昂丝（Beyoncé）等。
怎么听？ 追溯这些流行天王天后的成长轨迹，听他们的代表作，能清晰地看到流行音乐如何演变，如何捕捉和引领时代潮流。
三、 如何去“了解”？不仅仅是听歌！
光听歌，就像只看到书的封面。要真正了解美国音乐史，还需要做更多功课：
阅读与研究：
历史书籍： 找一些关于美国音乐史的学术著作或者通俗读物。例如，推荐一些经典的音乐史著作（可以搜索“American Music History books”）。重点关注那些从社会、文化、经济角度分析音乐的著作，它们能让你更深入地理解音乐背后的故事。
传记与回忆录： 阅读音乐家的传记，可以让你从更个人的视角了解他们的创作灵感、生活经历和所处的时代背景。
音乐评论与分析： 阅读专业的音乐评论和乐评，可以帮助你理解音乐的艺术价值和技术特点。
观看与体验：
纪录片： 有大量的关于美国音乐史和各音乐流派的优秀纪录片。例如，Ken Burns的《Jazz》就是一个非常全面而深刻的爵士乐纪录片系列。还有关于蓝调、摇滚、乡村音乐的纪录片，往往能提供丰富的视觉和听觉材料。
音乐会与现场表演： 如果有机会，去现场感受音乐表演是最好的体验方式。不同类型的音乐会有不同的氛围和表演风格。
电影与电视剧： 很多电影和电视剧都以音乐为主题，或者巧妙地运用了特定时期的音乐。通过这些作品，你也能侧面了解当时的音乐文化。
多角度的思考：
社会背景： 音乐从来不是孤立存在的，它与社会、政治、经济、科技发展息息相关。了解美国音乐史，就要理解音乐是如何受到种族关系、战争、经济危机、技术革新（如录音技术、广播、互联网）等因素的影响和塑造的。
文化交流： 美国音乐是各种文化交融的产物。要注意不同族裔、不同社会阶层之间的音乐交流和碰撞。
情感与精神： 音乐最核心的是情感和精神的表达。尝试去理解不同音乐流派所承载的情感、价值观和文化意义。
小贴士：
从自己感兴趣的流派开始： 如果你对爵士乐特别感兴趣，就先从爵士乐深入了解。这种兴趣会成为你学习的强大动力。
建立时间线： 尝试为自己构建一个大致的时间线，将不同的音乐流派和关键人物放在相应的时间节点上，这样有助于你理解它们之间的演变和联系。
使用在线资源： 除了书籍和纪录片，互联网上也有大量的资源。许多大学的音乐系网站、音乐百科全书（如维基百科，但要注意核实信息来源）、音乐流媒体平台的歌单和介绍，都能提供有用的信息。
多听、多比对： 听不同年代、不同风格的同一类音乐，你会发现其中的细微差别和演进。
总而言之，了解美国音乐史是一个持续学习、探索和享受的过程。它像一条奔腾的河流，从古老的源头流淌至今，汇聚了无数支流，塑造了丰富多彩的风景。耐心一点，用心去感受，你一定能在这条河流中找到属于自己的乐趣和感悟。
网友意见
在19世纪末，20世纪初，一些优秀的欧洲作曲家移居美国，在美国进行音乐创作，促进了美国专业音乐的发展，其中比较有代表性的是德沃夏克和拉赫玛尼诺夫。
一、德沃夏克
安托宁·德沃夏克（Antonin Dvorak，1841—1904），捷克作曲家。德沃夏克在19世纪末来到美国，担任美国纽约音乐学院院长。这一时期正值他的音乐创作达到了巅峰，代表作有:《狂欢节》序曲（1891）、《“自新大陆”（或“自新世界”）第九交响曲》（1893）、《F大调弦乐四重奏》（1893）、《大提琴协奏曲》（1895）、交响诗《金纺车》（1896）、歌剧《水仙女》（1990）等。他的音乐创作对美国专业音乐的发展是产生了一定影响的。
《“自新大陆”（或“自新世界”）第九交响》（Op.95，1893）是德沃夏克在美国当音乐学院院长期间创作的作品。这部作品抒发的是德沃夏克深处异地对捷克故乡的思念。在这一部作品中，既吸收了美国城市音乐的素材，同时也展示了捷克民族音乐的特征，彰显了德沃夏克“兼容性”的民族主义创作风格。
QQ音乐-专辑 ——德沃夏克：《“自新大陆”（或“自新世界”）第九交响》（Op.95，1893）
二、拉赫玛尼诺夫
谢尔盖·瓦西利耶维奇·拉赫玛尼诺夫（Sergei Vassilievitch Rachmaninoff，1873—1943），俄罗斯钢琴家、作曲家。拉赫玛尼诺夫在1917年11月离开了俄罗斯，来到美国，并在美国度过余生。这一时期他创作了：为合唱与乐队而作的《三首俄罗斯歌曲》、钢琴《科列利主题变奏曲》（1931）、为钢琴与乐队而作的《帕格尼尼主题狂想曲》（1934）、《第三交响曲》（1936）、《交响舞曲》（1940）。这些作品为美国专业音乐的创作也提供了一定的借鉴。
20世纪，美国音乐文化发展迅猛，一方面是其相对相对稳定的政治社会环境为艺术家们提供了良好的创作氛围，另一方面是由于欧洲的政治历史原因，促使很多优秀的欧洲音乐家来到美国，极大的丰富了美国的多元性音乐内涵。从20世纪开始，美国的音乐家们开始意识到民族音乐的重要性，很多作曲家开始尝试对具有美国风格的音乐作品进行创作，在20世纪初期最具有代表性的作曲家是科普兰和格什温。
一、科普兰
艾伦·科普兰（Aaron Copland，1900—1990），美国作曲家。
科普兰生于纽约，父母都是移民。科普兰从小学习钢琴，17岁开始学习作曲。21岁时到巴黎的一所音乐学院学习作曲，在学习中了解到了20世纪“现代音乐”的音乐风格，特别是他的指导老师布朗热所熟悉的“新古典主义音乐”风格。1924年，科普兰回到美国，由此开始了他的音乐人生，他一生积极参与各种社会活动，也十分热衷于教学和创作，先后在多所学校任教，撰写了很多音乐学术成果的同时，也完成了不少音乐作品。
整体来看，科普兰的创作可以分为三个时期：
第一时期，1990—1930年。这一时期科普兰的创作风格主要受到了他老师布朗热的影响，具有“新古典主义音乐”的风格特征，《管风琴与乐队交响曲》（1924,1928年改名为《第一交响曲》）是科普兰在这一时期十分成功的一部作品，在当时得到了很高的评价。
QQ音乐-专辑 ——科普兰：《管风琴与乐队交响曲》（1924,1928年改名为《第一交响曲》）
第二时期，1930—1950年。随着30世纪美国经济、政治危机和工人运动的发展，科普兰在这一时期开始注重对美国音乐和文化的关注，创作了一些结合了美国元素的音乐作品，代表性作品有：用用了墨西哥民间歌曲素材的管弦乐作品《墨西哥沙龙》（1933—1936）、采用了西部牛仔歌曲的舞剧《小伙子比利》（1938）、根据美国乡村音乐描述宾夕法尼亚农村生活的舞剧《阿帕拉契亚的春天》（1944）、为朗诵和乐队而作的《林肯肖像》（1942）等。
QQ音乐 ——科普兰：《墨西哥沙龙》（1933—1936）
QQ音乐-专辑 ——科普兰：《小伙子比利》音乐（1938）
QQ音乐 ——科普兰：《阿帕拉契亚的春天》（1944）
QQ音乐 ——科普兰：《林肯肖像》（1942）
第三时期，1950—1990年。科普兰在50年代后接受了勋伯格的十二音作曲方法，创作了《内涵》（Connotations，1962）、《内在特性》（Inscape，1967）等。这一时期的作品已经不再使用民间材料，开始追求一种抽象的音乐风格。
QQ音乐 ——科普兰：《内涵》（Connotations，1962）
QQ音乐 ——科普兰：《内在特性》（Inscape，1967）
整体来看，科普兰在西方音乐历史中最具有价值的还是他第二个时期关于美国音乐的一些创作，他采用十二音技术创作的作品虽然加入了具有个人特色的和声，但影响不是很大。
二、格什温
乔治·格什温（George Gershwin，1898—1937），美国作曲家。
格什温1898年生于纽约布鲁克林俄国犹太移民家庭，从小喜欢爵士音乐。12岁开始学习钢琴，16岁进入唱片公司当歌曲推销员，期间他创作了一些流行歌曲。1917年，格什温进入百老汇剧院担任作曲，此后他创作了很多成功的流行音乐和音乐剧，比如：音乐喜剧《露西尔》（1919）、《女人，要温顺》（1924）、《疯狂的姑娘》（1930）、《我为你歌唱》（1931）等。在此期间，他尝试过写专业音乐作品，但由于没有受过专业的训练，心有余而力不足。
后来，他和很多专业作曲家学习了作曲技术，这使他在作曲技术上得到了巨大的提高，格什温开始在专业音乐上进行了尝试。格什温在1924年创作的《蓝色狂想曲》是他最成功的作品之一，在《蓝色狂想曲》中，格什温将爵士乐和专业音乐相结合，形成了一种新的“爵士交响乐”的体裁，虽然在之前的斯特拉文斯基、米约等作曲家的创作中也加入了爵士乐，但相比于对爵士乐更加熟悉的格什温的创作来说还是相对稚嫩的。此后的《F大调钢琴与乐队协奏曲》（1925）、管弦乐曲《一个美国人在巴黎》（1928）延续了《蓝色狂想曲》的风格，在当时也获得了观众的喜欢。
QQ音乐 ——格什温：《蓝色狂想曲》（1924）
QQ音乐 ——格什温：《F大调钢琴与乐队协奏曲》第1乐章（1925）
QQ音乐 ——格什温：《F大调钢琴与乐队协奏曲》第2乐章（1925）
QQ音乐 ——格什温：《F大调钢琴与乐队协奏曲》第3乐章（1925）
QQ音乐 ——格什温：管弦乐曲《一个美国人在巴黎》（1928）
歌剧《波吉与贝丝》（海沃德（Dubose Heyward）根据自己小说改编剧本，格什温哥哥Ira Gershwin作词）取材于美国黑人的生活，是格什温一生创作的顶点。为了完成这部作品，1934年格什温专门到故事发生地呆了几个星期，观察他们的生活的同时，也采集了很多当地的民歌。这部作品不同于格什温以往的音乐剧作品那样轻松幽默，而是采用了一种严肃的创作思维将黑人音乐、民族音乐、专业音乐巧妙的融合到了一起。因为格什温歌剧的风格相比于其他作曲家的歌剧要更加轻松简明，所以有人将格什温创作的歌剧称为“轻歌剧”。
https://www.bilibili.com/video/BV1rE411L7Pq/ ——格什温：歌剧《波吉与贝丝》（1935）
十分不幸的是，正值事业巅峰的格什温在1937年逝世了，享年39岁。
结语
科普兰和格什温是20世纪美国民族主义音乐发展的两个方向，科普兰的音乐创作在经历了晚期浪漫主义、新古典主义音乐、民族主义音乐之后走进入十二音音乐的创作，这是专业音乐发展的主流方向。而格什温则放弃了对主流严肃音乐风格的追求，反而在将专业音乐与民间音乐、爵士音乐的融合创作道路上越走越远。
此后，在20世纪的美国专业音乐中，出现了不同的音乐流派，其中有：
一、简约派
20世纪60年代，在纽约的一些视觉艺术家设计出了由简单因素组成循环和重复的作品结构，被称为“简约派艺术”，这可能对音乐造成了影响。简约派音乐是指不断重复简单音乐材料的音乐，在不断重复的过程中，音乐的旋律、节奏、和声和配器等方面会发生细微的变化。代表性作品有斯蒂夫·赖克（Steve Reich，1936—）的《钢琴相位》（1967）
QQ音乐 ——斯蒂夫·赖克：《钢琴相位》（1967）
QQ音乐-专辑 ——斯蒂夫·赖克作品集合
菲利普·格拉斯（Philip Glass，1937）的《沙滩上的爱因斯坦》（1976）
约翰·亚当斯（John Adams，1947—）的《尼克松在中国》（1987）等。
二、第三潮流
“第三潮流”是指欧洲专业音乐创作中将艺术音乐与爵士乐相结合的音乐，由美国作曲家冈瑟·舒勒（Gunther Schuller，1925—）在20世纪50年代提出。其实在之前的斯特拉文斯基、米约、奥涅格、格什温等作曲家的创作中已经将专业音乐与爵士乐结合，而舒勒在此基础上进一步将这种创作模式进行推进和发展。第三潮流的代表性作品有：冈瑟·舒勒的《变形》（1956）等。
QQ音乐——冈瑟·舒勒：《变形》（1956）
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在20世纪下半叶开始，爵士乐、乡村音乐、摇滚乐逐渐兴起，但由于我不懂，我就不继续说了。
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