想入行原画行业，从基础应该怎么练起?
想踏入原画这个充满魅力的行业，打好基础是关键。别急着去追求那些光鲜亮丽的大师级作品，我们得一步一个脚印来。下面我就跟你掏心窝子地说说，从零开始，我们该怎么练。
一、 心态准备与目标设定：为什么要做原画？
在你拿起画笔之前，先问问自己：我为什么想做原画？是因为喜欢游戏、动画里的角色，还是被电影里的奇幻世界所吸引？明确你的热情所在，这将是你坚持下去的强大动力。原画不是一蹴而就的，它需要大量的练习、耐心和不断的学习。
目标要明确，但也要灵活。 初期可以设定一些小目标，比如：一个月内能画出流畅的线条、一个月能掌握基本的透视原理等。不要一开始就想着我要画出隔壁老王家的猫那种逼真程度，那样只会让你压力山大。
二、 工具与软件：工欲善其事，必先利其器。
纸和笔（实体练习）： 别小看它们！在你还没完全熟悉数字绘画之前，用纸和笔练习非常重要。
铅笔： 从HB、2B开始，逐渐尝试6B、8B这种软一些的铅笔，它们能画出更丰富的灰度变化。
素描纸或打印纸： 初期用打印纸练习线条就足够了，等对质感有要求时再升级。
橡皮： 可塑橡皮是神器，能擦出很微妙的亮部，比普通橡皮更方便。
数位板/数位屏（数字绘画）： 这是原画师的标配。
入门级数位板： 比如Wacom Intuos系列、数位板套装（如高漫、影拓等品牌的中低端型号）。这类板子价格亲民，功能也够用，适合刚入门的同学。
数位屏（显示屏式数位板）： 如果预算允许，数位屏会大大提升绘画体验，就像直接在屏幕上画一样，更直观。
绘画软件：
Photoshop (PS)： 行业标准，功能强大，几乎涵盖了原画创作的所有需求。
Clip Studio Paint (CSP)： 很多漫画家和日系原画师喜欢用，它在漫画分镜、线条处理、笔刷自定义方面有独特优势。
Procreate (iPad)： 如果你用iPad绘画，Procreate是目前最主流的选择，操作流畅，笔刷丰富。
Painter： 侧重于模拟传统绘画效果，笔刷的质感非常棒。
建议： 初期可以先用盗版（当然，我强烈建议大家支持正版！）的PS或CSP来熟悉软件操作，等你真正确定要走这条路，并且有能力时，一定要支持正版。
三、 基础功练习：罗马不是一天建成的。
这部分是重中之重，务必扎实。
1. 线条练习：
目的： 让你的手能准确、稳定、流畅地控制笔触。
方法：
直线练习： 在纸上或数位板上，尝试画出长短不一的平行线、交叉线。关键是放松手臂，用肩膀带动，而不是只用手腕。
曲线练习： 画各种 S 形、C 形的曲线，让线条更加流畅自然。
圆和椭圆练习： 尝试画出不同大小、不同方向的圆和椭圆，并且尽量画得圆润饱满。
压笔练习： 在数位板上，练习不同力度控制线条的粗细变化，这是数字绘画独有的表现力。
频率： 每天坚持半小时到一小时的线条练习，雷打不动。
2. 素描基础：
目的： 理解物体的结构、体积、光影、明暗关系，这是所有造型艺术的基石。
内容：
几何体素描： 从最简单的立方体、球体、圆柱体、圆锥体开始，理解它们在不同光照下的明暗变化和投影。
静物素描： 找一些简单的静物（水果、瓶罐、布料等），认真观察它们的形状、质感，并用明暗关系表现出来。
透视原理：
一点透视、两点透视、三点透视： 学习消失点、视平线等概念，理解物体在空间中的变形规律。
练习画方块： 在各种透视角度下画出不同大小的方块，这是练习透视最直接有效的方法。
结构素描： 尝试理解物体内部的结构，例如骨骼、肌肉走向，虽然初期不要求画人体，但理解结构能帮助你画出更有说服力的造型。
如何练：
观察与临摹： 找优秀的素描作品（不一定是大师级，找线条清晰、明暗关系明确的即可）进行临摹，理解他们的表现手法。
写生： 条件允许的话，多多进行写生练习，观察真实世界的物体，将其画下来。
打卡与反馈： 加入一些学习社群，将自己的练习作品分享出去，虚心接受他人的建议和指导。
3. 色彩基础：
目的： 理解色彩的构成、关系、如何运用色彩来表达情绪和氛围。
内容：
色彩构成： 色相、明度、纯度这三个基本要素要吃透。
色彩三要素的运用：
色相环： 了解邻近色、对比色、互补色等关系，以及它们在画面中的搭配效果。
明度变化： 通过加白、加黑或加灰色来改变颜色的深浅。
纯度变化： 通过降低色彩的饱和度（加入灰色或对比色）来改变色彩的鲜艳程度。
光源色、固有色、环境色： 理解这三者如何影响物体的颜色。
色彩混合： 在数字绘画中，练习不同笔刷和颜色的叠加效果。
如何练：
色彩临摹： 临摹优秀的插画或概念图，重点分析它的色彩运用。
色彩静物练习： 对着一些色彩丰富的静物进行写生，尝试用色彩去还原它们的质感和光影。
色块练习： 尝试用不同色彩的色块组合来表达某种情绪或氛围。
四、 学习方向与进阶：原画的细分领域。
原画并非只有一种风格，它有很多细分的领域，你可以根据自己的兴趣进行探索：
角色原画 (Character Design): 负责设计游戏或动画中的人物形象，包括服装、发型、道具、表情等。这是很多同学入行的首选。
场景原画 (Environment Design): 负责设计游戏或动画中的背景、建筑、地形、氛围等。
道具原画 (Prop Design): 负责设计游戏或动画中出现的各种道具，比如武器、交通工具、家具等。
概念设计 (Concept Art): 更广泛的概念，可以是角色、场景、道具，甚至是整个世界的设定，目的是为项目提供视觉方向。
如何进阶：
1. 大量参考与收集：
建立素材库： 收藏你喜欢的优秀作品，并进行分类整理。可以是游戏截图、电影概念图、插画作品、摄影作品等。
主题性学习： 比如你想画奇幻角色，就去收集各种神话传说、历史服饰、动物、植物的资料。
解构分析： 不仅仅是看，还要去分析优秀作品的亮点在哪里，例如它的造型、色彩、构图、光影是如何处理的。
2. 主题性练习：
角色设计练习：
人体结构： 学习人体比例、骨骼、肌肉，这是画好角色的基础。可以从临摹人体结构图开始。
服装设计： 学习不同材质的服装如何表现，以及不同文化、时代背景下的服装特点。
表情与情绪： 练习画各种人物表情，以及如何通过肢体语言表达情绪。
“命题作文”： 比如设定一个角色，要求它来自某个特定的星球，有着某种职业，需要什么样的服装和装备。
场景设计练习：
透视的运用： 练习在各种复杂的场景中应用透视原理。
建筑结构与风格： 学习不同建筑风格的特点，以及它们的构成元素。
环境氛围的营造： 运用色彩、光影、细节来营造不同的场景氛围，例如宁静的森林、阴森的古堡、繁华的都市等。
“脑洞大开”的场景： 尝试设计一些不存在的、充满想象力的场景。
3. 学习理论知识：
造型与构成： 阅读相关的艺术理论书籍，例如《构图的力量》、《艺术解剖》等。
设计思维： 学习如何将想法转化为视觉语言，如何进行设计的逻辑思考。
五、 学习途径：
线上教程： 很多绘画平台（如B站、YouTube、ArtStation Learning等）都有大量的免费或付费教程。选择那些系统性强、讲解清晰的教程。
专业培训班/线上课程： 如果你的经济条件允许，并且想要更系统、更专业的指导，可以考虑参加一些口碑好的培训班或线上课程。但要注意辨别，选择那些教学内容扎实、老师经验丰富的机构。
书籍阅读： 购买一些经典的原画设计书籍，例如关于角色设计、场景设计、色彩理论的书籍。
社群交流： 加入一些原画学习社群，与其他学习者交流心得、互相鼓励，分享作品并接受反馈。
最后，给你的几点叮嘱：
坚持！坚持！再坚持！ 这是最重要的一点。你可能会遇到瓶颈，会感到沮丧，但请相信，只要你坚持下去，你一定能看到自己的进步。
不要怕犯错： 绘画本身就是一个不断尝试和修正的过程。每一次的“画坏了”都是一次学习的机会。
保持好奇心和求知欲： 对世界充满好奇，多观察、多思考，这些都会成为你创作的灵感来源。
不要过度沉迷于“抄近路”： 比如只去临摹大佬的作品，而不去理解背后的原理。基础不牢，地动山摇。
保护好自己的眼睛和颈椎： 长期对着电脑屏幕绘画，这些是需要特别注意的。
好了，说了这么多，希望这些经验能帮助你踏上原画之路。记住，每位大师都是从零开始的，关键在于你的行动和坚持。祝你在这个充满创造力的领域里，找到属于自己的乐趣和成就！
一、 心态准备与目标设定：为什么要做原画？
在你拿起画笔之前，先问问自己：我为什么想做原画？是因为喜欢游戏、动画里的角色，还是被电影里的奇幻世界所吸引？明确你的热情所在，这将是你坚持下去的强大动力。原画不是一蹴而就的，它需要大量的练习、耐心和不断的学习。
目标要明确，但也要灵活。 初期可以设定一些小目标，比如：一个月内能画出流畅的线条、一个月能掌握基本的透视原理等。不要一开始就想着我要画出隔壁老王家的猫那种逼真程度，那样只会让你压力山大。
二、 工具与软件：工欲善其事，必先利其器。
纸和笔（实体练习）： 别小看它们！在你还没完全熟悉数字绘画之前，用纸和笔练习非常重要。
铅笔： 从HB、2B开始，逐渐尝试6B、8B这种软一些的铅笔，它们能画出更丰富的灰度变化。
素描纸或打印纸： 初期用打印纸练习线条就足够了，等对质感有要求时再升级。
橡皮： 可塑橡皮是神器，能擦出很微妙的亮部，比普通橡皮更方便。
数位板/数位屏（数字绘画）： 这是原画师的标配。
入门级数位板： 比如Wacom Intuos系列、数位板套装（如高漫、影拓等品牌的中低端型号）。这类板子价格亲民，功能也够用，适合刚入门的同学。
数位屏（显示屏式数位板）： 如果预算允许，数位屏会大大提升绘画体验，就像直接在屏幕上画一样，更直观。
绘画软件：
Photoshop (PS)： 行业标准，功能强大，几乎涵盖了原画创作的所有需求。
Clip Studio Paint (CSP)： 很多漫画家和日系原画师喜欢用，它在漫画分镜、线条处理、笔刷自定义方面有独特优势。
Procreate (iPad)： 如果你用iPad绘画，Procreate是目前最主流的选择，操作流畅，笔刷丰富。
Painter： 侧重于模拟传统绘画效果，笔刷的质感非常棒。
建议： 初期可以先用盗版（当然，我强烈建议大家支持正版！）的PS或CSP来熟悉软件操作，等你真正确定要走这条路，并且有能力时，一定要支持正版。
三、 基础功练习：罗马不是一天建成的。
这部分是重中之重，务必扎实。
1. 线条练习：
目的： 让你的手能准确、稳定、流畅地控制笔触。
方法：
直线练习： 在纸上或数位板上，尝试画出长短不一的平行线、交叉线。关键是放松手臂，用肩膀带动，而不是只用手腕。
曲线练习： 画各种 S 形、C 形的曲线，让线条更加流畅自然。
圆和椭圆练习： 尝试画出不同大小、不同方向的圆和椭圆，并且尽量画得圆润饱满。
压笔练习： 在数位板上，练习不同力度控制线条的粗细变化，这是数字绘画独有的表现力。
频率： 每天坚持半小时到一小时的线条练习，雷打不动。
2. 素描基础：
目的： 理解物体的结构、体积、光影、明暗关系，这是所有造型艺术的基石。
内容：
几何体素描： 从最简单的立方体、球体、圆柱体、圆锥体开始，理解它们在不同光照下的明暗变化和投影。
静物素描： 找一些简单的静物（水果、瓶罐、布料等），认真观察它们的形状、质感，并用明暗关系表现出来。
透视原理：
一点透视、两点透视、三点透视： 学习消失点、视平线等概念，理解物体在空间中的变形规律。
练习画方块： 在各种透视角度下画出不同大小的方块，这是练习透视最直接有效的方法。
结构素描： 尝试理解物体内部的结构，例如骨骼、肌肉走向，虽然初期不要求画人体，但理解结构能帮助你画出更有说服力的造型。
如何练：
观察与临摹： 找优秀的素描作品（不一定是大师级，找线条清晰、明暗关系明确的即可）进行临摹，理解他们的表现手法。
写生： 条件允许的话，多多进行写生练习，观察真实世界的物体，将其画下来。
打卡与反馈： 加入一些学习社群，将自己的练习作品分享出去，虚心接受他人的建议和指导。
3. 色彩基础：
目的： 理解色彩的构成、关系、如何运用色彩来表达情绪和氛围。
内容：
色彩构成： 色相、明度、纯度这三个基本要素要吃透。
色彩三要素的运用：
色相环： 了解邻近色、对比色、互补色等关系，以及它们在画面中的搭配效果。
明度变化： 通过加白、加黑或加灰色来改变颜色的深浅。
纯度变化： 通过降低色彩的饱和度（加入灰色或对比色）来改变色彩的鲜艳程度。
光源色、固有色、环境色： 理解这三者如何影响物体的颜色。
色彩混合： 在数字绘画中，练习不同笔刷和颜色的叠加效果。
如何练：
色彩临摹： 临摹优秀的插画或概念图，重点分析它的色彩运用。
色彩静物练习： 对着一些色彩丰富的静物进行写生，尝试用色彩去还原它们的质感和光影。
色块练习： 尝试用不同色彩的色块组合来表达某种情绪或氛围。
四、 学习方向与进阶：原画的细分领域。
原画并非只有一种风格，它有很多细分的领域，你可以根据自己的兴趣进行探索：
角色原画 (Character Design): 负责设计游戏或动画中的人物形象，包括服装、发型、道具、表情等。这是很多同学入行的首选。
场景原画 (Environment Design): 负责设计游戏或动画中的背景、建筑、地形、氛围等。
道具原画 (Prop Design): 负责设计游戏或动画中出现的各种道具，比如武器、交通工具、家具等。
概念设计 (Concept Art): 更广泛的概念，可以是角色、场景、道具，甚至是整个世界的设定，目的是为项目提供视觉方向。
如何进阶：
1. 大量参考与收集：
建立素材库： 收藏你喜欢的优秀作品，并进行分类整理。可以是游戏截图、电影概念图、插画作品、摄影作品等。
主题性学习： 比如你想画奇幻角色，就去收集各种神话传说、历史服饰、动物、植物的资料。
解构分析： 不仅仅是看，还要去分析优秀作品的亮点在哪里，例如它的造型、色彩、构图、光影是如何处理的。
2. 主题性练习：
角色设计练习：
人体结构： 学习人体比例、骨骼、肌肉，这是画好角色的基础。可以从临摹人体结构图开始。
服装设计： 学习不同材质的服装如何表现，以及不同文化、时代背景下的服装特点。
表情与情绪： 练习画各种人物表情，以及如何通过肢体语言表达情绪。
“命题作文”： 比如设定一个角色，要求它来自某个特定的星球，有着某种职业，需要什么样的服装和装备。
场景设计练习：
透视的运用： 练习在各种复杂的场景中应用透视原理。
建筑结构与风格： 学习不同建筑风格的特点，以及它们的构成元素。
环境氛围的营造： 运用色彩、光影、细节来营造不同的场景氛围，例如宁静的森林、阴森的古堡、繁华的都市等。
“脑洞大开”的场景： 尝试设计一些不存在的、充满想象力的场景。
3. 学习理论知识：
造型与构成： 阅读相关的艺术理论书籍，例如《构图的力量》、《艺术解剖》等。
设计思维： 学习如何将想法转化为视觉语言，如何进行设计的逻辑思考。
五、 学习途径：
线上教程： 很多绘画平台（如B站、YouTube、ArtStation Learning等）都有大量的免费或付费教程。选择那些系统性强、讲解清晰的教程。
专业培训班/线上课程： 如果你的经济条件允许，并且想要更系统、更专业的指导，可以考虑参加一些口碑好的培训班或线上课程。但要注意辨别，选择那些教学内容扎实、老师经验丰富的机构。
书籍阅读： 购买一些经典的原画设计书籍，例如关于角色设计、场景设计、色彩理论的书籍。
社群交流： 加入一些原画学习社群，与其他学习者交流心得、互相鼓励，分享作品并接受反馈。
最后，给你的几点叮嘱：
坚持！坚持！再坚持！ 这是最重要的一点。你可能会遇到瓶颈，会感到沮丧，但请相信，只要你坚持下去，你一定能看到自己的进步。
不要怕犯错： 绘画本身就是一个不断尝试和修正的过程。每一次的“画坏了”都是一次学习的机会。
保持好奇心和求知欲： 对世界充满好奇，多观察、多思考，这些都会成为你创作的灵感来源。
不要过度沉迷于“抄近路”： 比如只去临摹大佬的作品，而不去理解背后的原理。基础不牢，地动山摇。
保护好自己的眼睛和颈椎： 长期对着电脑屏幕绘画，这些是需要特别注意的。
好了，说了这么多，希望这些经验能帮助你踏上原画之路。记住，每位大师都是从零开始的，关键在于你的行动和坚持。祝你在这个充满创造力的领域里，找到属于自己的乐趣和成就！
网友意见
首先要先明白，何为基础，何为原画行业需要的基础。
好多人都有个误区，觉得基础就是素描色彩速写三大件，这太片面了，事实上美术相关行业里每一个行业所需要的基础都是不同的，三大件只能说是美术考学的基础，或者说——基础中的基础。
而这其实是远远不够的。
那么来说说原画的基础是什么。在讨论原画行业需要怎么的基础前，要先明白这个行业的工作性质是什么。游戏原画大部分情况下，是给游戏内建模提供设计图的一个设计类行业。所以原画师所设计出来的东西必须能够满足立体空间内的合理性和美感，所以原画所需要的基础，应该是空间想象能力——我喜欢管它叫脑内建模能力。
什么叫空间想象能力，就是“能在脑海内给一个物体360°转角度，并且可以计算出各个角度打光”的能力。有了这个能力你才能在一个空间中而不是在一个平面上做设计，你才能真正脱离参照物进行创作。
有人可能会说，这不就是考学三大件里的素描吗？其实完全不是。
考学所学的素描基本都是写生，都是有参照物的，最多也就是默写（提前写生一遍背下来）。而我所说的是创作，是没有一样角度一样姿势一样打光的参照物的创作，全靠想象的创作。
而这种能力是靠传统美术的写生锻炼不出来的。
很多传统美术出来的人，包括以前的我自己，都是有参照物画的好、没参照物不知道如何下笔。因为写生和创作是完全两个不同的方向。
绝大多数高考美术出来的人，都只是在“抄光”而已，最多是带一点体积理解的抄光。而抄光最有效率的方式，是把对象“图形化”，只考虑每一个色块的形状、每一条线的角度和长短，也就是俗称的“不把人当人画”。这样的思路可以像作弊一样把参照对象画的非常像，但对原画创作毫无作用，甚至是反作用。
还是拿我自己举例。
这是我这几年来屈指可数的几次临摹照片练习，而这张图有一个非常致命的“错误”，就是我把绘画角度改变了，画面中的车更俯视了。
但这其实是无意识的，因为我当时已经具备空间想象力了，我画这辆车的时候满脑子想的是它的“结构”，而不是它的“图形”，于是画完才发现，角度画错了。
这对传统素描写生来说是个反例，但对空间想象能力来说却是一个正面例子。
当你长期进行传统美术的写生练习时，你很容易过度在意对象的轮廓，而不是结构与体积关系，但这对进入原画行业来说没什么意义。只有当你学会用结构的眼光审视物体时，你才踏入了原画的门槛。
关于空间想象的理论，我写过几篇教程，链接发这里可以看看
教程汇总（立体感与白模篇） - 画画的花噎菜的文章 - 知乎 https://zhuanlan.zhihu.com/p/109769331
总之，不要再把原画领域的基础等同于美术考学三大件了，不要再提素描了，也没必要回炉了，好好看看行业内的东西，去把透视、体积光影和结构搞明白吧，这才是空间想象和原画的基础。
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