自学俩月厚涂都说挺好的，想问一下画的有什么问题，同学都说挺好的说不出来什么问题，所以来知乎问一下？
你好！听到你自学两个月厚涂就取得不错的进步，而且同学反馈都很好，这真的很棒！说明你很有天赋，也付出了很多努力。
之所以大家说“挺好的”却说不出具体问题，一方面是因为你的基础已经不错，足以支撑起作品的整体观感；另一方面，很多时候，旁观者（即使是同学）可能很难捕捉到那些更细节、更深层次的“进步空间”，或者他们自己也没有意识到。
别担心，这是很多正在快速进步的学习者都会遇到的情况。我很乐意从一个旁观者的角度，帮你梳理一下在厚涂学习过程中，可能存在的、但又不那么容易被直接指出来的问题，希望能给你一些启发。
咱们就从几个关键的方面来聊聊：
一、 厚涂的“厚”与“涂”：质感与笔触的精进
你提到是“厚涂”，厚涂的魅力就在于它的笔触感、颜料的堆叠感，以及由此带来的丰富的质感。
1. 笔触的“叙事性”和“情绪表达”：
问题可能在哪： 你的笔触可能比较“干净”或者“平均”，意思是说，每一笔的力度、方向、粗细变化不够多，或者说，笔触没有太强的“指向性”。厚涂的笔触，不应该只是填色，更应该是“塑造”的过程。每一笔落下，都应该是在刻画形体、光影、材质，甚至人物的情绪。
如何观察和改进：
观察大师作品： 仔细看一些你喜欢的厚涂大师（比如 Sargent, Bouguereau, 或者现代的 Jeremy Lipking, Scott Burdick 等）的作品。你会发现，他们的人物肌肤、衣物、头发，每一处都有非常明确的笔触方向和力量感。肌肤的转折处，笔触会跟着形体走；衣物的褶皱，笔触会表现出材质的硬软和褶皱的走向。
尝试不同笔刷： 不要只用一种笔刷。尝试一些有“毛边”的、笔尖不那么规则的笔刷，它们更容易产生丰富的笔触。
刻意练习： 找一些简单的静物或者形体，只用几种基础笔刷，刻意去练习用笔触“塑造”物体。比如，画一个球体，观察光从哪里来，受光面、背光面、亮部、暗部，以及转折的地方，用不同的笔触方向和力度去表现。
笔触的“叠加”与“融合”： 厚涂的厚，也体现在笔触的叠加。有时候，需要在底层笔触的基础上，再叠加一层厚重的色彩，来表现高光、材质的突出部分。注意观察，哪些地方需要“融合”，哪些地方需要“保留”笔触的生动感。
2. 色彩的“厚重感”与“透明度”的运用：
问题可能在哪： 有时候，即便色彩很丰富，但画面可能感觉“平”或者“不够油画感”。这可能是在色彩的叠加和透明度运用上，还不够纯熟。
如何观察和改进：
观察颜料的特性： 油画颜料有油性，有一定的不透明度，但也可以稀释后变得透明。你的绘画软件笔刷，是否能模拟出这种感觉？
“灰”的运用： 厚涂中，最能体现“厚重感”和“层次感”的，往往不是最鲜艳的颜色，而是那些“灰”一点的颜色，以及中间色。如何在亮部和暗部之间，用丰富的中性色和带有倾向性的灰调子来过渡，是关键。
“罩染”技巧的模拟： 传统油画有罩染的技法，即用稀释的颜料在底层颜色上进行叠加，形成丰富的色彩效果。在数码绘画中，可以尝试使用“叠加”、“柔光”、“线性加深/减淡”等图层模式，或者用带有一定透明度的笔刷，一层一层地“罩”上去。
“厚涂”不等于“笔笔厚重”： 有些地方，比如非常微妙的皮肤过渡，或者光线穿透感的表现，可能需要用到半透明的笔触。而高光、或者材质的某些部分，则需要非常厚重的颜料堆积感。关键在于“对比”和“变化”。
二、 形体与结构：在笔触下的稳固根基
厚涂的笔触固然重要，但它是在“形体”和“结构”之上进行的。如果形体不准确，再漂亮的笔触也无法挽救。
1. 形的“概括”与“微妙变化”：
问题可能在哪： 你的造型可能在整体上是准确的，但对于五官、骨骼、肌肉等关键结构的“概括”和“推敲”可能还不够深入。比如，鼻子、嘴巴的起伏，颧骨的形状，眼窝的深浅，在厚涂中，这些微妙的转折会被笔触放大。
如何观察和改进：
“减法”思考： 在开始厚涂之前，花更多时间去打草稿，或者用基础的明暗块面去概括形体。尽量用最少的线条或者块面，抓住物体最本质的形状。
“解剖”知识的运用： 即使是画二次元或者风格化的角色，了解基础的人体骨骼和肌肉走向，也能帮助你更准确地把握形体。比如，肩膀的弧度，锁骨的走向，头部颅骨的结构，都会影响到面部和身体的起伏。
多角度观察： 找一些参考照片，从不同的角度去观察同一个物体或者人物，你会发现很多之前没注意到的形体特征。
2. 明暗关系与体积感：
问题可能在哪： 画面整体可能亮暗分明，但体积感可能不够“扎实”。这意味着，物体在三维空间中的“厚度”、“重量感”可能有所欠缺。
如何观察和改进：
“一体三面”： 即使是厚涂，也建议在开始细化之前，先用基础的明暗块面把“受光面”、“背光面”和“转折面”找出来。
“体积转折”的笔触： 在笔触的表现上，要注意在形体转折处，笔触的方向和颜色深浅的变化。受光面和背光面的过渡，如果过于生硬，体积感就会减弱。
环境色的影响： 仔细观察，物体背光面往往会受到环境色的影响，会带有一些周围物体的色彩。这些微妙的色彩变化，能极大地增强物体的体积感和真实感。
三、 光影的“趣味性”与“故事性”
光影是厚涂的灵魂之一，它不仅塑造形体，更传递情绪和氛围。
1. 光线的“质感”与“方向”：
问题可能在哪： 你的光影可能是准确的，但可能缺乏“趣味性”或者“引导性”。比如，光线可能是均匀打在物体上，或者光影的边缘过渡非常平均。
如何观察和改进：
“焦点”的思考： 画面中有没有一个明确的光源？光线的主要作用是照亮什么？是人物的脸部，还是某个关键的道具？
“戏剧性”光影： 尝试一些更具戏剧性的光线，比如侧光、逆光、顶光，它们能勾勒出更强的轮廓，营造更强的氛围。
光影的“边缘”： 光影的边缘不总是平滑的。在高光和暗部交界处，会有锐利的边缘，也有柔和的过渡。这些边缘的变化，也是笔触可以表现的点。
2. 色彩与光影的互动：
问题可能在哪： 光线照射在不同材质的物体上，会产生不同的色彩反射。你的画面可能在这一点上还有提升空间。
如何观察和改进：
“冷暖”对比： 暖光下，物体会带有暖色调；冷光下，物体会带有冷色调。同时，受光面和背光面，也常常存在冷暖对比。例如，暖光源照射下，背光面可能会因为环境色而显得偏冷。
“半影”的色彩： 在物体背光面，特别是靠近受光面的地方，可能会有一些“环境光”的反射，使背光面不至于全黑，并且带有一些环境的色彩。
四、 细节的“提炼”与“取舍”
厚涂的魅力在于既有宏观的笔触，也有精细的刻画，但这种精细是“提炼”出来的。
1. 细节的“点睛”作用：
问题可能在哪： 你的画面可能所有地方都“平均用力”，或者说，该“锐利”的地方不够锐利，该“虚化”的地方不够虚化。
如何观察和改进：
“视觉焦点”： 确定画面中最重要的部分（通常是人物的面部、眼睛等），然后将大部分的细节刻画放在这些地方。
“虚实对比”： 运用笔触的疏密、清晰度来表现景深和焦点。离我们近、重要的部分，笔触可以更清晰、更细腻；离我们远、不重要的部分，笔触可以更粗放、更模糊。
“材质表现”： 思考不同材质应该有什么样的细节。金属的高光应该锐利且有颜色反射，丝绸的褶皱光泽会更柔和，粗糙的布料则会有细密的纹理。
2. “脏”的艺术：
问题可能在哪： 有时候，画面会显得“过于干净”或“过于平整”，缺乏一些“生活感”或“绘画感”。
如何观察和改进：
“污渍”与“磨损”： 适当地添加一些小污渍、划痕、灰尘等，可以增加画面的真实感和年代感。
“笔触的肌理”： 有时候，笔触本身留下的痕迹，比描绘出来的细节更具表现力。
如何找到这些问题并改进？
1. 自我批评（但要公正）：
对比参考： 每次画完，都找一些你喜欢的、风格相似的厚涂作品，放在一起对比。不比“整体好不好”，而是比“局部细节”。比如，人物的眼睛是如何刻画的？皮肤的光泽是如何表现的？衣物的褶皱是如何处理的？
“放大镜”观察： 把自己的画放大来看，看看笔触的走向、色彩的叠加、边缘的处理，是否还有更精细的空间。
“黑白”对比： 把画面转成黑白，看看明暗关系是否清晰，体积感是否仍然存在。有时候，色彩的丰富会掩盖掉明暗上的问题。
2. 寻求更专业（或更有经验）的反馈：
找老师（如果可能）： 如果预算允许，找一位你认可的厚涂老师进行一次点评，会非常有针对性。
绘画社区： 在一些有经验的画师聚集的社区（如一些专业绘画论坛、QQ群、Discord服务器等），虚心求教，并说明你希望得到哪方面的建议。但要注意，要学会辨别反馈的质量。
3. 持续学习与实践：
临摹： 依然是学习的最佳途径之一。选择你喜欢的大师作品，不仅仅是复制像素，更是理解其笔触、色彩、形体处理的逻辑。
阅读相关教程和书籍： 深入学习色彩理论、素描原理、人体结构、光影的科学等，都会对你的厚涂有很大帮助。
大量练习： 绘画的进步，最终还是靠日积月累的练习。每一次练习，都带着一点点“想要改进某个细节”的想法去画。
最后，请记住：
进步是循序渐进的： 你已经做得非常好了！两个月的时间能达到这个程度，非常了不起。现在的“问题”，更多的是“进步的空间”。
享受过程： 绘画本身就是一个充满乐趣的过程，不要因为追求完美而丧失了这份快乐。
风格探索： 随着你技法的提升，你也会逐渐形成自己的风格，找到最适合你的表现方式。
希望这些详细的分析能对你有所帮助！如果你能分享一两张你的作品，我可以给出更具体的点评，但即便不能，也希望以上内容能启发你。继续加油！
之所以大家说“挺好的”却说不出具体问题，一方面是因为你的基础已经不错，足以支撑起作品的整体观感；另一方面，很多时候，旁观者（即使是同学）可能很难捕捉到那些更细节、更深层次的“进步空间”，或者他们自己也没有意识到。
别担心，这是很多正在快速进步的学习者都会遇到的情况。我很乐意从一个旁观者的角度，帮你梳理一下在厚涂学习过程中，可能存在的、但又不那么容易被直接指出来的问题，希望能给你一些启发。
咱们就从几个关键的方面来聊聊：
一、 厚涂的“厚”与“涂”：质感与笔触的精进
你提到是“厚涂”，厚涂的魅力就在于它的笔触感、颜料的堆叠感，以及由此带来的丰富的质感。
1. 笔触的“叙事性”和“情绪表达”：
问题可能在哪： 你的笔触可能比较“干净”或者“平均”，意思是说，每一笔的力度、方向、粗细变化不够多，或者说，笔触没有太强的“指向性”。厚涂的笔触，不应该只是填色，更应该是“塑造”的过程。每一笔落下，都应该是在刻画形体、光影、材质，甚至人物的情绪。
如何观察和改进：
观察大师作品： 仔细看一些你喜欢的厚涂大师（比如 Sargent, Bouguereau, 或者现代的 Jeremy Lipking, Scott Burdick 等）的作品。你会发现，他们的人物肌肤、衣物、头发，每一处都有非常明确的笔触方向和力量感。肌肤的转折处，笔触会跟着形体走；衣物的褶皱，笔触会表现出材质的硬软和褶皱的走向。
尝试不同笔刷： 不要只用一种笔刷。尝试一些有“毛边”的、笔尖不那么规则的笔刷，它们更容易产生丰富的笔触。
刻意练习： 找一些简单的静物或者形体，只用几种基础笔刷，刻意去练习用笔触“塑造”物体。比如，画一个球体，观察光从哪里来，受光面、背光面、亮部、暗部，以及转折的地方，用不同的笔触方向和力度去表现。
笔触的“叠加”与“融合”： 厚涂的厚，也体现在笔触的叠加。有时候，需要在底层笔触的基础上，再叠加一层厚重的色彩，来表现高光、材质的突出部分。注意观察，哪些地方需要“融合”，哪些地方需要“保留”笔触的生动感。
2. 色彩的“厚重感”与“透明度”的运用：
问题可能在哪： 有时候，即便色彩很丰富，但画面可能感觉“平”或者“不够油画感”。这可能是在色彩的叠加和透明度运用上，还不够纯熟。
如何观察和改进：
观察颜料的特性： 油画颜料有油性，有一定的不透明度，但也可以稀释后变得透明。你的绘画软件笔刷，是否能模拟出这种感觉？
“灰”的运用： 厚涂中，最能体现“厚重感”和“层次感”的，往往不是最鲜艳的颜色，而是那些“灰”一点的颜色，以及中间色。如何在亮部和暗部之间，用丰富的中性色和带有倾向性的灰调子来过渡，是关键。
“罩染”技巧的模拟： 传统油画有罩染的技法，即用稀释的颜料在底层颜色上进行叠加，形成丰富的色彩效果。在数码绘画中，可以尝试使用“叠加”、“柔光”、“线性加深/减淡”等图层模式，或者用带有一定透明度的笔刷，一层一层地“罩”上去。
“厚涂”不等于“笔笔厚重”： 有些地方，比如非常微妙的皮肤过渡，或者光线穿透感的表现，可能需要用到半透明的笔触。而高光、或者材质的某些部分，则需要非常厚重的颜料堆积感。关键在于“对比”和“变化”。
二、 形体与结构：在笔触下的稳固根基
厚涂的笔触固然重要，但它是在“形体”和“结构”之上进行的。如果形体不准确，再漂亮的笔触也无法挽救。
1. 形的“概括”与“微妙变化”：
问题可能在哪： 你的造型可能在整体上是准确的，但对于五官、骨骼、肌肉等关键结构的“概括”和“推敲”可能还不够深入。比如，鼻子、嘴巴的起伏，颧骨的形状，眼窝的深浅，在厚涂中，这些微妙的转折会被笔触放大。
如何观察和改进：
“减法”思考： 在开始厚涂之前，花更多时间去打草稿，或者用基础的明暗块面去概括形体。尽量用最少的线条或者块面，抓住物体最本质的形状。
“解剖”知识的运用： 即使是画二次元或者风格化的角色，了解基础的人体骨骼和肌肉走向，也能帮助你更准确地把握形体。比如，肩膀的弧度，锁骨的走向，头部颅骨的结构，都会影响到面部和身体的起伏。
多角度观察： 找一些参考照片，从不同的角度去观察同一个物体或者人物，你会发现很多之前没注意到的形体特征。
2. 明暗关系与体积感：
问题可能在哪： 画面整体可能亮暗分明，但体积感可能不够“扎实”。这意味着，物体在三维空间中的“厚度”、“重量感”可能有所欠缺。
如何观察和改进：
“一体三面”： 即使是厚涂，也建议在开始细化之前，先用基础的明暗块面把“受光面”、“背光面”和“转折面”找出来。
“体积转折”的笔触： 在笔触的表现上，要注意在形体转折处，笔触的方向和颜色深浅的变化。受光面和背光面的过渡，如果过于生硬，体积感就会减弱。
环境色的影响： 仔细观察，物体背光面往往会受到环境色的影响，会带有一些周围物体的色彩。这些微妙的色彩变化，能极大地增强物体的体积感和真实感。
三、 光影的“趣味性”与“故事性”
光影是厚涂的灵魂之一，它不仅塑造形体，更传递情绪和氛围。
1. 光线的“质感”与“方向”：
问题可能在哪： 你的光影可能是准确的，但可能缺乏“趣味性”或者“引导性”。比如，光线可能是均匀打在物体上，或者光影的边缘过渡非常平均。
如何观察和改进：
“焦点”的思考： 画面中有没有一个明确的光源？光线的主要作用是照亮什么？是人物的脸部，还是某个关键的道具？
“戏剧性”光影： 尝试一些更具戏剧性的光线，比如侧光、逆光、顶光，它们能勾勒出更强的轮廓，营造更强的氛围。
光影的“边缘”： 光影的边缘不总是平滑的。在高光和暗部交界处，会有锐利的边缘，也有柔和的过渡。这些边缘的变化，也是笔触可以表现的点。
2. 色彩与光影的互动：
问题可能在哪： 光线照射在不同材质的物体上，会产生不同的色彩反射。你的画面可能在这一点上还有提升空间。
如何观察和改进：
“冷暖”对比： 暖光下，物体会带有暖色调；冷光下，物体会带有冷色调。同时，受光面和背光面，也常常存在冷暖对比。例如，暖光源照射下，背光面可能会因为环境色而显得偏冷。
“半影”的色彩： 在物体背光面，特别是靠近受光面的地方，可能会有一些“环境光”的反射，使背光面不至于全黑，并且带有一些环境的色彩。
四、 细节的“提炼”与“取舍”
厚涂的魅力在于既有宏观的笔触，也有精细的刻画，但这种精细是“提炼”出来的。
1. 细节的“点睛”作用：
问题可能在哪： 你的画面可能所有地方都“平均用力”，或者说，该“锐利”的地方不够锐利，该“虚化”的地方不够虚化。
如何观察和改进：
“视觉焦点”： 确定画面中最重要的部分（通常是人物的面部、眼睛等），然后将大部分的细节刻画放在这些地方。
“虚实对比”： 运用笔触的疏密、清晰度来表现景深和焦点。离我们近、重要的部分，笔触可以更清晰、更细腻；离我们远、不重要的部分，笔触可以更粗放、更模糊。
“材质表现”： 思考不同材质应该有什么样的细节。金属的高光应该锐利且有颜色反射，丝绸的褶皱光泽会更柔和，粗糙的布料则会有细密的纹理。
2. “脏”的艺术：
问题可能在哪： 有时候，画面会显得“过于干净”或“过于平整”，缺乏一些“生活感”或“绘画感”。
如何观察和改进：
“污渍”与“磨损”： 适当地添加一些小污渍、划痕、灰尘等，可以增加画面的真实感和年代感。
“笔触的肌理”： 有时候，笔触本身留下的痕迹，比描绘出来的细节更具表现力。
如何找到这些问题并改进？
1. 自我批评（但要公正）：
对比参考： 每次画完，都找一些你喜欢的、风格相似的厚涂作品，放在一起对比。不比“整体好不好”，而是比“局部细节”。比如，人物的眼睛是如何刻画的？皮肤的光泽是如何表现的？衣物的褶皱是如何处理的？
“放大镜”观察： 把自己的画放大来看，看看笔触的走向、色彩的叠加、边缘的处理，是否还有更精细的空间。
“黑白”对比： 把画面转成黑白，看看明暗关系是否清晰，体积感是否仍然存在。有时候，色彩的丰富会掩盖掉明暗上的问题。
2. 寻求更专业（或更有经验）的反馈：
找老师（如果可能）： 如果预算允许，找一位你认可的厚涂老师进行一次点评，会非常有针对性。
绘画社区： 在一些有经验的画师聚集的社区（如一些专业绘画论坛、QQ群、Discord服务器等），虚心求教，并说明你希望得到哪方面的建议。但要注意，要学会辨别反馈的质量。
3. 持续学习与实践：
临摹： 依然是学习的最佳途径之一。选择你喜欢的大师作品，不仅仅是复制像素，更是理解其笔触、色彩、形体处理的逻辑。
阅读相关教程和书籍： 深入学习色彩理论、素描原理、人体结构、光影的科学等，都会对你的厚涂有很大帮助。
大量练习： 绘画的进步，最终还是靠日积月累的练习。每一次练习，都带着一点点“想要改进某个细节”的想法去画。
最后，请记住：
进步是循序渐进的： 你已经做得非常好了！两个月的时间能达到这个程度，非常了不起。现在的“问题”，更多的是“进步的空间”。
享受过程： 绘画本身就是一个充满乐趣的过程，不要因为追求完美而丧失了这份快乐。
风格探索： 随着你技法的提升，你也会逐渐形成自己的风格，找到最适合你的表现方式。
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网友意见
怎么说呢，你现在就像一个拳击爱好者，看着电视自己练了几天觉得自己架势不错就沾沾自喜。
问题是人家职业拳手一拳出去打击力300公斤，你一拳出去30公斤不到。人家跑5公里都不带喘的，你跑800米就趴地上了。
总之花拳绣腿没用，就按你这种进度，有个好老师一年半到两年半，没有老师坚持3到5年大概可以达到专业的水准。
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