问题

如何证明我们现在听到的钢琴曲,是以作曲家所期望的方式演奏的呢?

回答
这个问题非常有趣,也触及到了音乐表演中最核心的几个问题:意图、还原与诠释。 要“证明”我们现在听到的钢琴曲是以作曲家所期望的方式演奏的,这在绝对意义上是极难甚至不可能的。 但我们可以从多个角度去探讨,并尽可能地接近这个目标,或者说,去理解我们听到的演奏与作曲家意图之间的关联。

首先,我们需要明确一点:作曲家所期望的方式,其本身就不是一个单一、僵化的标准。 即使是同一首作品,在不同的时代背景、不同的技术条件下、甚至作曲家自己的心境变化下,其“期望”也会有所不同。

但我们可以从以下几个方面来“证明”或说“佐证”一种演奏是否接近作曲家的期望:

一、 史料与文献的追溯:作曲家的“蛛丝马迹”

这是最直接也是最重要的一环。我们要做的,就像一个侦探,从历史的线索中拼凑作曲家的意图。

乐谱本身(The Score): 这是作曲家留下的最直接的“蓝图”。我们不仅要看音符本身,更要仔细研究乐谱上的表情记号 (Embellishments)、力度记号 (Dynamics)、速度记号 (Tempo)、演奏技巧指示 (Articulations and Performance Instructions),以及任何可能出现的手稿注释 (Manuscript Notes)。

表情记号: 例如,什么是“pianissimo”?作曲家心中那个“极弱”是什么样的?是几乎听不见,还是只是非常轻柔?这需要结合作曲家所处的时代对这些术语的理解来判断。
力度和速度: 虽然现在有具体的数值标记,但在早期,很多标记是相对的。“Allegro”是快,但快到什么程度?“Crescendo”是渐强,但强到什么程度后转为“Forte”?
演奏技巧: 例如,断奏(staccato)的“短”有多少?连奏(legato)的“连接”是多么紧密?踏板的使用(pedaling)的指示,是标有“Ped.”就踩,还是需要理解其音乐效果来灵活运用?
手稿注释: 有些作曲家会在手稿中留下非常个人化的批注,比如“slowly and with great feeling”(缓慢而充满感情),或者对某个乐句的特殊处理提出建议。这些都是非常宝贵的线索。

作曲家自己的演奏录音(如果存在): 如果作曲家自己是一位杰出的钢琴家,并且留下了他演奏自己作品的录音,那将是无价之宝。这就像亲眼看到大师亲手指导。虽然录音技术可能不完美,但其演奏风格、速度处理、音乐的呼吸感等,都能够提供最直观的参考。

同时代演奏家或学生的演奏风格: 作曲家身处的时代,音乐风格、演奏技巧和审美标准是共同的。研究当时其他著名钢琴家的演奏习惯,以及作曲家亲授过的学生的演奏方式,也能帮助我们理解作曲家所倡导的演奏理念。例如,如果一位作曲家经常与某位钢琴家合作,那么这位钢琴家的演奏风格很可能受到作曲家的影响。

作曲家在信件、日记、评论中的论述: 作曲家可能在给朋友、家人、学生或者音乐评论家的信件中,谈论他对音乐的理解、对演奏的要求,甚至对当时流行演奏风格的批评。这些文字虽然不是直接的演奏指示,但能透露出作曲家在音乐处理上的哲学和偏好。

当时音乐教育和乐器发展: 理解作曲家所处的时代,钢琴乐器本身的构造、触键方式、音色特点等,也对理解他的音乐有帮助。例如,在没有延音踏板的时期,音乐的连接和音色处理方式肯定与现在有所不同。

二、 音学分析:解读乐谱背后的逻辑

除了追溯文献,我们还需要通过严谨的音学分析来理解乐谱。

音乐的结构和形式: 乐曲的整体结构是怎样的?乐句之间的逻辑关系是什么?理解了这些,才能知道乐句的起承转合应该如何表现,强弱和速度的起伏是否符合音乐的内在逻辑。

和声与旋律的走向: 和声的进行往往预示着音乐的情感张力,旋律的线条则体现着音乐的呼吸。分析和声的解决和不解决,旋律的起伏和延续,可以帮助我们找到最自然的演奏处理方式。

音色与织体的设计: 作曲家如何安排不同的声部?是追求清晰的复调,还是模糊的混响?不同的音区和音色组合,也会影响到演奏时的触键和踏板处理。

音乐的“语言”: 音乐就像一种语言,有自己的语法和表达方式。理解这种“语言”的规则,才能准确地“说”出作曲家想表达的含义。

三、 演奏者的修养与实践:将理解转化为声音

即使拥有了丰富的史料和深刻的分析,最终的“证明”还得落在演奏者的身上。

演奏者对音乐的理解深度: 一位真正理解作曲家意图的演奏者,不是机械地执行乐谱,而是能够通过自己的情感和智慧,将乐谱上的信息转化为生动的音乐。他会思考为什么作曲家要这样写,这段音乐的情感核心是什么。

演奏者的技巧和音乐表现力: 即使理解再到位,如果演奏者的技巧无法支撑其音乐构思,也无法准确地传达作曲家的意图。例如,一个需要极细腻触键的段落,如果演奏者只能弹奏得生硬,那自然就达不到作曲家的期望。

对“风格”的把握: 不同的作曲家,甚至同一作曲家的不同时期,都有其独特的音乐风格。演奏者需要深入研究并掌握这些风格特点,包括音色、节奏、装饰音的处理等等。

与其他音乐家的合作(合奏、协奏): 如果是室内乐或协奏曲,演奏者还需要与其他音乐家进行充分的沟通和合作,共同营造符合作品风格的整体氛围。

如何去“证明”呢?这是一个持续探索的过程,而不是一个简单的二元判断题。

我们不能断定“这绝对就是作曲家想要的”,但我们可以说:“基于现有的乐谱、历史文献、音乐分析以及顶尖演奏者的实践,这种演奏方式极大地接近了我们所能理解的作曲家意图。”

换句话说,我们是通过层层递进的证据链,来佐证和支持一种演奏的合理性,并使其尽可能地贴近作曲家可能拥有的期望。这更像是在考古学上,通过发掘到的碎片,去尽可能还原古人的生活场景,而非直接找到古人留下的“生活指南”。

所以,当我们听到一首优秀的钢琴演奏时,我们感受到的,是演奏者将作曲家遗留在纸上的灵魂,通过严谨的研究、深刻的理解和精湛的技艺,一次又一次地复活,并以一种最能引起我们共鸣的方式呈现出来。这种“证明”并非是对过去的一成不变的复制,而是在尊重历史的前提下,对音乐生命力的最大程度的呈现与再创造。

网友意见

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恰恰相反,有充分的证据证明,现在听到的演奏,基本都不是以作曲家所期望的方式演奏的。

至少,巴赫时期的乐器、贝多芬时期的乐器、现代钢琴,三者是完全不同的,作曲家是想象不到未来的乐器和演奏方式的。

当然,由于乐谱的存在,今天和古代的演奏相比,并不可能面目全非。

但也要知道,一部作品,越是伟大,那么当它被创作出来以后,就越不属于作者本人,而属于全人类,每一次被演奏,都是一次再创作,无数后来的演奏大师的“再创作”,以及乐器的发展和审美趣味的变化,都给作品本身刷上一层层时代的“包浆”。而你拿到一件古董,会去掉上面的包浆吗?即便你去掉了,就能彻底“还原”吗?

在演奏上搞“原教旨主义”是幼稚的,也是行不通的。

当你听到的那一刻,就已经不是作曲家所期望的,因为在作曲家生活的年代,我们是没有资格听这种音乐的。

古代意大利的宫廷画家不曾想到自己的作品会被运到法国,在警卫的监视下,放在防弹玻璃后边被一群平民观看。如果他知道了,他会接受这样的展览方式吗?

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