为什么香港电影金像奖越来越水了？
一、 电影质量的“供给侧”问题：人才断层与题材单一
这是最核心也最直接的原因。香港电影在辉煌时期，是出了名的“东方好莱坞”，人才济济，创意无限。从导演、编剧到演员，涌现出一批又一批极具才华和风格的电影人。但现在，我们明显能感觉到一种断层感。
老一辈的淡出与新人的接力不畅： 像杜琪峰、王家卫、徐克这些黄金时代的导演，虽然仍有作品，但产量明显减少，或者风格趋于稳定，少了当年那种锐意进取的探索感。而一批新的、能扛起大旗的年轻导演，要么还在摸索阶段，要么就面临资金、题材的限制，难以形成气候。很多时候，金像奖依然是在依靠那几个熟悉的名字和他们的作品来支撑场面。
题材的“舒适区”与创新乏力： 回顾近年来的获奖影片和提名作品，会发现一些题材类型反复出现，比如警匪片、功夫片、一些温情脉脉的现实主义小品。这本身没错，但关键在于这些类型片在叙事、视听语言上是否能带来新的火花。很多时候，我们看到的是对经典模式的复制，缺乏了当年那种“玩得转”的创意和突破。所谓的“警匪片”，可能剧情上套路化；所谓的“现实主义”，可能深度挖掘不够，流于表面。观众看多了类似的套路，自然会觉得“没劲”。
合拍片的影响与香港本土电影的生存困境： 这是一个比较微妙但也非常现实的问题。随着内地市场的崛起，香港电影人也纷纷北上寻求机会，合拍片成为主流。这虽然为香港电影提供了更广阔的资金和市场支持，但也带来了内容上的妥协和风格上的同质化。为了迎合内地观众的口味和审查要求，很多影片在叙事、价值观上会进行调整，导致香港电影原有的那种本土特色、敢于挑战的锐气有所消退。另一方面，纯粹的香港本土电影，尤其是中小成本的艺术片和类型片，生存空间被压缩，能够进入金像奖视野的作品数量和质量都受到了影响。
二、 奖项评选的“游戏规则”与“审美疲劳”
即使电影质量有起伏，但一个公正、有公信力的奖项应该能够选出其中的佼佼者，并引导观众发现优秀的电影。然而，金像奖在评选机制和观众认知上，也存在一些值得商榷的地方。
“票仓”与“平衡”的考量： 任何奖项都可能受到“票仓”效应的影响，即得票多的影片或演员更容易胜出。在香港金像奖上，一些明星效应强的影片，即使艺术性上不那么突出，也可能因为演员的票房号召力而获得更多关注和票数。此外，有时为了平衡不同类型、不同资历的电影人，奖项的颁发可能存在一定的“照顾”成分，这会让一些真正出类拔萃的作品或个人被“稀释”了光芒。
影评与大众声音的脱节： 电影的评价是一个复杂的过程，既有专业影评人的深度解读，也有普通观众的直观感受。如果金像奖的评选结果，与大部分观众的期待和普遍认知存在较大差距，那么奖项的权威性和吸引力就会受到质疑。当观众觉得“这都能拿奖？”的时候，奖项的“含金量”自然就打了折扣。
“老朋友”情结与新人“破局”的难度： 金像奖毕竟是在香港电影的语境下运作，在评选一些奖项时，难免会带有一些对香港电影历史贡献的“致敬”或者对老一辈电影人的“情怀”。这本意是好的，但如果过度，就会让新一代的优秀人才难以突围，导致奖项的“新陈代谢”不够活跃，观众也会觉得奖项评选缺乏“惊喜”和“活力”。
三、 观众认知的“期望值”与“文化隔阂”
观众的期望值和对香港电影文化的理解程度，也在很大程度上影响着他们对金像奖的看法。
期望过高与现实的落差： 香港电影有过太辉煌的过去，很多观众对它有着极高的期望。当现实中的香港电影未能达到他们心中那个“神坛”的高度时，失望感就会转化为批评。
内地观众与香港观众的视角差异： 随着合拍片的增多，金像奖的观众群体也越来越多元化，其中也包括大量的内地观众。香港电影很多时候承载着独特的香港文化、社会议题和表达方式，这些可能在不同文化背景的观众那里会产生理解上的差异。如果一部影片的优秀之处在于其香港本土的文化内涵或精巧的社会隐喻，而观众对此不甚了解，自然难以体会其价值，进而觉得奖项“水”。
“怀旧滤镜”的模糊与事实的呈现： 有时候，我们对黄金时代的香港电影抱有一种“怀旧滤镜”，将那个时期的一切都理想化了。而实际上，即使在辉煌时期，也存在大量平庸之作，只是观众的记忆更倾向于记住那些经典。当把这种理想化的记忆与当下的现实对比时，落差会显得尤为明显。
总结来说，说香港电影金像奖“越来越水”，并不是说它完全没有了价值，也不是说它一年不如一年。而是说，在复杂的时代背景下，香港电影的整体创作环境发生了变化，人才、题材、市场都面临新的挑战。而金像奖作为一个奖项，它的评选机制、奖项结果，以及它与观众之间的互动，也随之受到这些变化的影响，导致在许多观众看来，它未能像过去那样有效地捕捉到最优秀的香港电影，或者其颁发的奖项未能引起广泛的共鸣和认可，因此才会产生“水”的感觉。
这就像一位曾经叱咤风云的运动员，虽然依旧在赛场上，但岁月不饶人，新人又未完全崛起，他不再是绝对的统治者，但依然是备受瞩目的焦点。观众期待他重现巅峰，一旦达不到，就会觉得“不如当年”。香港电影金像奖，恰恰面临着这样的“瓶颈期”和“转型期”。
网友意见
2016年、2017年、2018年……香港金像奖的关注度和影响力，在华语娱乐圈每况愈下、逐年式微，是所有人都知道的不争事实。
到了2019年春，第38届香港金像奖，公布提名和得奖结果时，大约已经到了整日追逐热门的媒体和自媒体作者们，连关心都懒得再关心的地步了。内地科幻大片《流浪地球》早已尽占了同一时间全部的话题度和流量。
随着年复一年的唱衰，这个曾经辉煌，被认为是“华语奥斯卡”的奖项，在整个华语影坛的含金量，当然也随着香港电影的曾经辉煌一起，一去再不复返了。
80年代初举办的香港金像奖，前四届只是个影响力不大的小奖项，一直到香港电影人协会、导演协会、编剧协会这些组织陆续成立，港产电影进入繁荣期，金像奖才真正在整个华语影坛有了权威性。
遥记得二三十年前，也就是上世纪90年代，既是香港商业电影的黄金时代，同时也是内地文艺电影的黄金时代，
张艺谋、陈凯歌等内地导演的“乡土片”文艺电影，在欧洲三大电影节也曾斩获国际奖无数，被国际影坛充分认可，远非当时港产片在国际影坛的成就可比。
每届金鸡奖、百花奖、华表奖的最佳演员，同样大都是演技精湛的内地老艺术家，单从演技和业务能力，又哪里会逊色于同年的台湾金马奖、香港金像奖得主了？
然而，只因在那个时代，香港商业片才是华语影坛的绝对霸主，人人挤录像厅争看盗版的香港录像，从这里熟悉了成龙、周星驰、周润发这些香港巨星的笑貌音容；也懒得去电影院买票支持获得国际大奖的内地电影，令这些文艺电影，票房寥寥，影响力甚微。
因此即使是香港的二三线演员，到内地时待遇也明显高人一等，广受追捧；香港巨星们的星光和影响力，更远非当时哪怕内地最顶尖的演员可比。
这公平么？既不公平，其实也很公平，因为这就是电影业的本质，商业为王，票房为王，谁把握了市场，谁就是真正的王者。
香港影业也被视为名符其实的“东方好莱坞”，香港金像奖更成为业内最受看重的奖项，虽然每届金像奖从提名名单起，就有明显的地域限制，「香港演职员必须在主创人员中人数过半」的电影，才可参评，却依旧比从1995年起就放开地域限制的台湾金马奖更受热捧和推崇。
像成龙和郭富城，都相继蝉联了两届金马影帝，黎明和吴镇宇同样也曾获得金马影帝，然而他们身为香港明星，却每每在本地的金像奖失意，因此仍然被公认为演艺生涯的极大缺憾和不圆满。
郭富城直到2016年，才终于获得金像奖影帝：
几年后，当好莱坞电影工业不断进步，在各个海外市场攻城略地，将香港影片打得奄奄一息时，也正是内地电影市场的逐渐开放和蓬勃发展之时。
内地也被香港影界当做了港片延续辉煌的续命良药，从前台的明星艺人，到幕后团队纷纷北上，要竭力争抢这块未知的巨大蛋糕。
因此，为了符合「合拍片男女主演之一必须是内地演员」的规定，他们便不惜牺牲香港女星的利益，启用“四旦双冰”为代表的内地女星做女主角，以此交换，力保合拍片的男主角是香港艺人。
因此才有从内地女星，如老一辈的巩俐、斯琴高娃，中生代的章子怡、周迅、赵薇，在最近十几年里多次捧得金像奖影后的盛况。
章子怡与梁朝伟同获影帝、影后
然而，对于分量最重的金像奖影帝，哪怕内地男星参与主演了多部入围金像奖的港片和合拍片，演技发挥又如何惊艳，却依然被香港金像奖直接排除，更绝无获奖可能。
《投名状》李连杰是唯一的例外，前提是他在香港影坛发展近二十年，早就被视为是香港影坛的代表巨星。
李连杰与斯琴高娃同获金像影帝、影后
甚至连最佳男配奖，也只发给过两次内地男星，一次是1997年，香港回归那年的姜文（《宋家皇朝》），另一次是张晋（《一代宗师》），这位长年在香港发展、说得一口流利粤语，又娶了香港女星的“香港女婿”。
香港金像奖，至今仍坚持关于入围电影「香港籍演职员在主创人员中人数过半」的条件，究其本意，自然是以经历过往辉煌，在华语影坛仍有一定分量和影响力的香港金像奖为诱饵，保障香港团队在这些希望入围和竞争金像奖的合拍影片中，占据主导地位。
多年来，内地女星在金像奖屡有提名，不时获奖的现实，也确实给过许多内地影人以获奖希冀，而愿意迁就这种“不公平”待遇。
当香港本地市场和港产片在本埠市场全线溃败时，他们原本可以籍着广阔的内地市场和资金续命，甚至未必没有以这种“香港色彩浓厚的合拍片”，来为香港电影焕发“第二春”的可能。
可是另一方面，一些心胸不够宽广的香港影人，对内地女星的连连获奖，却依旧显得极为不甘，觉得是“到他们饭碗里来抢食”，时常鼓噪和抨击。
而时至今日，现在的香港电影，在内地市场早都日渐式微。在曾经的海外市场，更已经被好莱坞大片打得落花流水，全线溃败。过往称霸日韩和东南亚地区的编导班底，纷纷北上打工。
香港影圈除了那几位六十岁上下的老牌巨星，如成龙、周润发、甄子丹、刘德华、梁朝伟、郭富城等，以及中生代硕果仅存的古天乐，还可说尚具备一定的票房号召力；
剩下那些哪怕有影帝头衔的演员，如梁家辉、黎明、刘青云、张家辉、任达华、吴镇宇、林家栋等人，纵然演技精湛，可无论是票房号召力还是商业价值，甚至比不上新出道几年的内地当红新人。
因此，这些年来，港片或者合拍片担纲男主演的，永远是这些老牌影帝……他们三三两两的排列组合，脸熟得让最忠实的港片观众也不免厌烦。
而且，随着内地影视圈的日益崛起壮大，话语权与日俱增，普通话已经成为华语影视圈绝对的第一语言，老牌港星习惯用了几十年的粤语，语速一快就和普通话难以直接沟通，如果改说口音浓重的港普，同样让人严重出戏，让他们主演合拍片时，还不得不有专门配音。因此，语言劣势也令他们在华语影坛的影响力，年复一年地衰退。
吴京、徐峥、邓超、黄渤、沈腾、王宝强……这些如日中天的内地中生代巨星，早已取而代之，华语影坛占据了绝对主导地位。
这就是冷酷的市场法则，谁不遵守，就要被市场淘汰。影帝奖项、精湛演技、过往声名都抵不过真金白银的票房，制片方首先考虑的是挣钱，挣更多钱......
港产片在华语影坛的票房比和影响力，当然也就年复一年地日渐下滑了，只剩下永远的警匪片题材，还能通过流水线套路化运作，获得一定的票房价值。
可是时至今日，香港金像奖仍然始终卡死影帝奖，绝不肯发给内地演员。甚至连能获得影帝提名的内地演员，都可说是凤毛麟角。
2016年的金像奖，梁家辉因《智取威虎山》大反派“座山雕”被提名影帝、而真正主演“杨子荣”的张涵予却没有获得提名，实在匪夷所思。
2017年金像奖，评选周期的《美人鱼》（邓超）《湄公河行动》（张涵予），都是有巨大影响力的的商业大爆的陆港合拍影片，如果换了是任何港星演第一男主角的话，按香港金像奖过去几十年来，一贯偏重商业片的口味，同样极可能被提名，然而邓超和张涵予的内地演员身份，就注定和提名无缘了。
到2019年，幕后班底有许多香港工作人员的《红海行动》，也作为陆港合拍影片入围金像奖，但张译这个第一男主角同样与影帝提名无缘，已经是见怪不怪了。
时至今日，当金像奖组委会主席仍然公开放言：「金像奖是为港产电影而生，绝不可能放宽地域限制」，也就是放弃了融入蓬勃发展的华语影坛，而宁可选择退居一隅，固步自封，孤芳自赏。
那么，当真为了保护“香港电影”，就干脆今后金像奖的所有分项，都别再提名内地演员，关起门自己玩，安心当一个地区奖项，那谁也没话说。
偏偏他们又根本舍不得华语影坛这块比20年前利润丰盛了百倍千倍的超级大蛋糕，不甘心当真做一个名副其实的“港像奖”，所以一边死守影帝奖，一边又在影后奖、女配奖、新人奖里，每每给给内地演员不少提名名额，装出一副“其实还是客观公正”的模样。
于是乎，产生了《美人鱼》里张雨绮和林允都能获得金像提名，第一男主邓超反而没有提名的怪事。
风水轮流转，再厚的老本总会有吃完的一天，等过不了五年十年，那几位年事已高的老牌巨星彻底拍不动戏了，那时的香港金像奖如果还继续不肯改变，扩大颁奖范围，那时的香港金像奖的分量，充其量大概也就是个和现在的“tvb视帝奖”类似吧？在整个华语影视圈，已彻底无足轻重了。
唯一值得可惜的，大约也就是那几位实至名归的内地金像奖影后了，她们的个人荣誉和精湛演技，也有可能随着香港金像奖的衰落，而“一荣俱荣，一损俱损”，被未来时代的影迷所轻视。
2016年，春夏获得金像奖影后：
当然，这也可说是无可奈何，毕竟个人奋斗固然重要，但终究起决定作用的，还是历史的进程浩浩荡荡……
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