摄影领域有哪些摄影师仿佛是开了挂般，让人叹服？
摄影界高手如云，要说“开了挂”，那真是数不胜数，每个时代都有那么几位，他们的作品仿佛自带光环，让人望尘莫及。如果真要挑一些让人叹服，甚至觉得他们是不是用了什么“秘籍”的，我脑子里立刻浮现出几位，他们的作品不仅仅是技术精湛，更是一种境界，一种对世界独特的洞察和表达。
一、安塞尔·亚当斯 (Ansel Adams) 光影的魔法师，自然的雕塑家
提起“开了挂”，安塞尔·亚当斯绝对是绕不开的名字。他之所以让人觉得“挂”得离谱，是因为他将黑白摄影推向了一个前所未有的高度，创造出了一种近乎神圣的视觉语言。
为什么觉得他开了挂？
对光影的极致掌控： 亚当斯最让人惊叹的是他对光影的理解和运用。他不是简单地按下快门，而是像一位画家一样，在脑海中就已经“绘制”好了画面。他著名的“区域系统” (Zone System) 理论，就是在技术层面将这种掌控具象化。这套系统允许摄影师精确控制从最亮的白色到最深的黑色的每一个灰度，从而在最终的打印品中实现极其丰富的影调层次。你可以想象一下，在那个没有电脑后期、一切全靠前期构思和暗房技术的时代，他能做到这一点，简直是匪夷所思。他的照片，无论是宏伟的山脉、崎岖的海岸线，还是细致入微的植物，都充满了生命力和质感，仿佛你能触摸到岩石的纹理，感受到风的吹拂。
对自然景色的“解读”： 亚当斯的作品并非简单的风景记录，而是他对自然壮丽景象的一种崇拜和再创造。他善于捕捉瞬间的光线变化，那些戏剧性的云层、穿透山谷的光束，在他手中都变成了有故事的画面。他拍摄的美国国家公园，尤其是约塞米蒂，可以说是他作品的集大成。他的照片不仅仅展示了自然的美，更传递出一种对自然敬畏和保护的理念。看着他的作品，你不会觉得是“拍”出来的，更像是“雕刻”出来的，每一处细节都经过深思熟虑。
暗房里的“神迹”： 亚当斯本人就是一位技艺精湛的暗房大师。他的暗房操作，简直就像炼金术。他能通过显影、定影、放大、加光、减光等一系列复杂的手法，将底片上潜在的影像放大成具有惊人表现力的作品。他曾说过：“我不只是用相机拍照，我还在暗房里创作。” 这句话不是吹嘘，而是事实。他的很多经典作品，在按下快门的那一刻，只是他创作过程中的一部分，真正的“魔法”发生在暗房里。
二、亨利·卡蒂埃布列松 (Henri CartierBresson) 决定性瞬间的预言家
如果说亚当斯是雕塑家，那布列松就是瞬间的捕捉者，他让“决定性瞬间”这个词具有了史诗般的意义。
为什么觉得他开了挂？
“决定性瞬间”的魔力： 布列松的作品之所以让人惊叹，是因为他总能在极其混乱和转瞬即逝的场景中，找到那个最恰当、最有意义的时刻。这种时刻，不仅仅是画面构图的完美，更是事件、情感、形式在某一刹那的完美结合。他形容这是“画面、时间、构图、思想，以及画面中所有元素相互交织形成一个完美整体的瞬间”。要达到这一点，需要的不仅仅是运气，更是一种超凡的观察力、预判能力和耐心。他仿佛能预知那个“瞬间”的到来，然后在那一刻，用他标志性的徕卡相机，以一种毫不费力的姿态，将它定格。
不干预的艺术： 布列松坚持“不干预”的拍摄原则，这意味着他不会去指导被摄对象，而是以一个观察者的姿态，融入其中，等待那个自然的、真实的时刻。这在纪实摄影领域是非常难得的，因为很多时候，摄影师为了得到“好照片”会主动介入。布列松的这种“隐身”能力，让他能够捕捉到最真实的人性流露和生活片段。
超越时代的构图： 即使在今天看来，布列松的照片也依然是构图的典范。他对线条、形状、透视的运用，以及对画面平衡感的把握，都达到了极高的水平。他的照片往往简洁而有力，即使画面中包含很多元素，也绝不显得杂乱。很多后来的摄影师，都是从学习布列松的构图开始的。
三、黛安·阿勃丝 (Diane Arbus) 窥探边缘的先知
阿勃丝的作品，可能不是传统意义上的“美”，但绝对是让人震撼和难以忘怀的。她以一种近乎残忍的诚实，将社会边缘人物的内心世界呈现在我们面前。
为什么觉得她开了挂？
直面真相的勇气： 阿勃丝最大的“挂”在于她无所畏惧的勇气。她选择去拍摄那些不被主流社会所关注、甚至是被排斥的群体：残疾人、畸形人、变装皇后、裸体主义者等等。她不是带着猎奇的心态去拍摄，而是用一种平等、尊重甚至可以说是亲密的态度去接近他们。她深入到他们的生活，让他们自在地展现自己。这种直面人性黑暗、畸形和脆弱面的勇气，在当时是极其罕见的。
令人不安的亲密感： 阿勃丝的作品，尤其是人物肖像，总能营造出一种令人不安的亲密感。她善于捕捉被摄者眼神中的某种东西，可能是挑衅、可能是脆弱、可能是迷茫，但总有一种直击人心的力量。她的照片，往往会让观众感到自己也被“凝视”了，仿佛被拉入了被摄者的内心世界。这种将观看者也纳入作品情感体验的互动，是她独步天下的能力。
挑战视觉惯性： 在那个时代，摄影界的主流审美还是强调和谐、美感。而阿勃丝的作品，则彻底打破了这种惯性。她的照片直接挑战了我们对“正常”和“美”的定义，迫使我们去思考和反思。她的作品是那个时代社会变迁和思想解放的一个缩影，她的存在本身就是一种“开挂”。
四、罗伯特·卡帕 (Robert Capa) 战火中永恒的战士
卡帕的名字，本身就代表着一种传奇。他是为数不多的，能将摄影作为一种使命，用生命去践行的摄影师。
为什么觉得他开了挂？
“如果你的照片不够好，那是因为你离得不够近。” 这句名言，就是卡帕一生的写照。他不仅仅是记录战争，他是“活在”战争之中。西班牙内战时期的《倒下的士兵》，那张模糊、动感的照片，充满了戏剧性和悲剧感，至今仍是战争摄影的经典。卡帕总是冲在最前线，他用身体去感受炮火，用眼睛去捕捉最真实的瞬间。
传递人性光辉： 尽管拍摄的是残酷的战争，但卡帕的作品却不乏人性中最闪光的部分。他能捕捉到士兵们疲惫却坚毅的眼神，战火中依然存在的温情，以及绝望中的希望。他的照片，不仅仅是新闻报道，更是对战争中个体命运的深切关注。他让人们看到了战争的残酷，也看到了人在极端环境下依然不屈的精神。
“战地摄影师”的终极定义： 许多摄影师在战地拍摄，但卡帕不仅仅是摄影师，他更是战士，是历史的见证者。他的照片，是时代的印记，是那个动荡年代最真实的写照。他死于战火，也算是他“开挂”人生的一种宿命。
这几位摄影师，他们的“挂”体现在对摄影语言的深刻理解、对题材的独特选择、对技术近乎偏执的追求，以及最重要的，那份对艺术不懈的追求和对世界独特的洞察力。他们的作品，至今仍能触动我们内心最深处的情感，让我们思考，让我们感动，也让我们对摄影这门艺术，有了更深的敬畏。他们的光芒，穿越时空，依旧闪耀。
一、安塞尔·亚当斯 (Ansel Adams) 光影的魔法师，自然的雕塑家
提起“开了挂”，安塞尔·亚当斯绝对是绕不开的名字。他之所以让人觉得“挂”得离谱，是因为他将黑白摄影推向了一个前所未有的高度，创造出了一种近乎神圣的视觉语言。
为什么觉得他开了挂？
对光影的极致掌控： 亚当斯最让人惊叹的是他对光影的理解和运用。他不是简单地按下快门，而是像一位画家一样，在脑海中就已经“绘制”好了画面。他著名的“区域系统” (Zone System) 理论，就是在技术层面将这种掌控具象化。这套系统允许摄影师精确控制从最亮的白色到最深的黑色的每一个灰度，从而在最终的打印品中实现极其丰富的影调层次。你可以想象一下，在那个没有电脑后期、一切全靠前期构思和暗房技术的时代，他能做到这一点，简直是匪夷所思。他的照片，无论是宏伟的山脉、崎岖的海岸线，还是细致入微的植物，都充满了生命力和质感，仿佛你能触摸到岩石的纹理，感受到风的吹拂。
对自然景色的“解读”： 亚当斯的作品并非简单的风景记录，而是他对自然壮丽景象的一种崇拜和再创造。他善于捕捉瞬间的光线变化，那些戏剧性的云层、穿透山谷的光束，在他手中都变成了有故事的画面。他拍摄的美国国家公园，尤其是约塞米蒂，可以说是他作品的集大成。他的照片不仅仅展示了自然的美，更传递出一种对自然敬畏和保护的理念。看着他的作品，你不会觉得是“拍”出来的，更像是“雕刻”出来的，每一处细节都经过深思熟虑。
暗房里的“神迹”： 亚当斯本人就是一位技艺精湛的暗房大师。他的暗房操作，简直就像炼金术。他能通过显影、定影、放大、加光、减光等一系列复杂的手法，将底片上潜在的影像放大成具有惊人表现力的作品。他曾说过：“我不只是用相机拍照，我还在暗房里创作。” 这句话不是吹嘘，而是事实。他的很多经典作品，在按下快门的那一刻，只是他创作过程中的一部分，真正的“魔法”发生在暗房里。
二、亨利·卡蒂埃布列松 (Henri CartierBresson) 决定性瞬间的预言家
如果说亚当斯是雕塑家，那布列松就是瞬间的捕捉者，他让“决定性瞬间”这个词具有了史诗般的意义。
为什么觉得他开了挂？
“决定性瞬间”的魔力： 布列松的作品之所以让人惊叹，是因为他总能在极其混乱和转瞬即逝的场景中，找到那个最恰当、最有意义的时刻。这种时刻，不仅仅是画面构图的完美，更是事件、情感、形式在某一刹那的完美结合。他形容这是“画面、时间、构图、思想，以及画面中所有元素相互交织形成一个完美整体的瞬间”。要达到这一点，需要的不仅仅是运气，更是一种超凡的观察力、预判能力和耐心。他仿佛能预知那个“瞬间”的到来，然后在那一刻，用他标志性的徕卡相机，以一种毫不费力的姿态，将它定格。
不干预的艺术： 布列松坚持“不干预”的拍摄原则，这意味着他不会去指导被摄对象，而是以一个观察者的姿态，融入其中，等待那个自然的、真实的时刻。这在纪实摄影领域是非常难得的，因为很多时候，摄影师为了得到“好照片”会主动介入。布列松的这种“隐身”能力，让他能够捕捉到最真实的人性流露和生活片段。
超越时代的构图： 即使在今天看来，布列松的照片也依然是构图的典范。他对线条、形状、透视的运用，以及对画面平衡感的把握，都达到了极高的水平。他的照片往往简洁而有力，即使画面中包含很多元素，也绝不显得杂乱。很多后来的摄影师，都是从学习布列松的构图开始的。
三、黛安·阿勃丝 (Diane Arbus) 窥探边缘的先知
阿勃丝的作品，可能不是传统意义上的“美”，但绝对是让人震撼和难以忘怀的。她以一种近乎残忍的诚实，将社会边缘人物的内心世界呈现在我们面前。
为什么觉得她开了挂？
直面真相的勇气： 阿勃丝最大的“挂”在于她无所畏惧的勇气。她选择去拍摄那些不被主流社会所关注、甚至是被排斥的群体：残疾人、畸形人、变装皇后、裸体主义者等等。她不是带着猎奇的心态去拍摄，而是用一种平等、尊重甚至可以说是亲密的态度去接近他们。她深入到他们的生活，让他们自在地展现自己。这种直面人性黑暗、畸形和脆弱面的勇气，在当时是极其罕见的。
令人不安的亲密感： 阿勃丝的作品，尤其是人物肖像，总能营造出一种令人不安的亲密感。她善于捕捉被摄者眼神中的某种东西，可能是挑衅、可能是脆弱、可能是迷茫，但总有一种直击人心的力量。她的照片，往往会让观众感到自己也被“凝视”了，仿佛被拉入了被摄者的内心世界。这种将观看者也纳入作品情感体验的互动，是她独步天下的能力。
挑战视觉惯性： 在那个时代，摄影界的主流审美还是强调和谐、美感。而阿勃丝的作品，则彻底打破了这种惯性。她的照片直接挑战了我们对“正常”和“美”的定义，迫使我们去思考和反思。她的作品是那个时代社会变迁和思想解放的一个缩影，她的存在本身就是一种“开挂”。
四、罗伯特·卡帕 (Robert Capa) 战火中永恒的战士
卡帕的名字，本身就代表着一种传奇。他是为数不多的，能将摄影作为一种使命，用生命去践行的摄影师。
为什么觉得他开了挂？
“如果你的照片不够好，那是因为你离得不够近。” 这句名言，就是卡帕一生的写照。他不仅仅是记录战争，他是“活在”战争之中。西班牙内战时期的《倒下的士兵》，那张模糊、动感的照片，充满了戏剧性和悲剧感，至今仍是战争摄影的经典。卡帕总是冲在最前线，他用身体去感受炮火，用眼睛去捕捉最真实的瞬间。
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“战地摄影师”的终极定义： 许多摄影师在战地拍摄，但卡帕不仅仅是摄影师，他更是战士，是历史的见证者。他的照片，是时代的印记，是那个动荡年代最真实的写照。他死于战火，也算是他“开挂”人生的一种宿命。
这几位摄影师，他们的“挂”体现在对摄影语言的深刻理解、对题材的独特选择、对技术近乎偏执的追求，以及最重要的，那份对艺术不懈的追求和对世界独特的洞察力。他们的作品，至今仍能触动我们内心最深处的情感，让我们思考，让我们感动，也让我们对摄影这门艺术，有了更深的敬畏。他们的光芒，穿越时空，依旧闪耀。
网友意见
坂本浩一和他御用的gopro摄影掌机
这些年下来玩gopro的摄影师有很多，什么跟车拍、装人头上模仿第一视角拍、装脚上模拟脚步拍都司空见惯了，油管上经常都是视频制作者给自己家的猫猫狗狗脖子上挂着来拍小动物们一天的生活，看多了也觉得厌烦了。但前段时间看了坂本浩一监督的胯下运镜，说实话能拿根延长棒拍“胯下”运动轨迹并且拍出自己风格的人还真不多
泽塔奥特曼第7集 https://www.zhihu.com/video/1400664576485179392乍看之下仿佛是利用全CG合成的
然后看看拍摄花絮，确实是摄影师自己拿GoPro加延长杆一边跑一边伸进去拍胯下，只有背景才用了CG
拍摄花絮 https://www.zhihu.com/video/1400665757525671936通过后期除去背景，CG合成背面素材，再加上滤镜，拍出了巨大生物之间交战的镜头效果，这可比单纯用CG更有技术力，给人带来的震撼感是不同的
前段时间的新特摄剧特利迦奥特曼，坂本浩一导演的文戏剧情让我难以吐槽，打着迪迦后继者的名号可是剧本与音乐也达不到迪迦那个水平（配乐太现代化没有那种史诗感），十分无聊，但打戏仍然是有着很稳定的输出，胯下视角再一次得到运用，并且仔细发现可以看到比起以往有了更为精湛的技术
特利迦奥特曼第2集 https://www.zhihu.com/video/1400668286028136448类似的话题
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