相声水平到一定高度后是否可以不按词说？

这个问题很有意思，也触及到相声艺术的核心。简单来说，相声水平到一定高度，完全可以“不按词说”，而且这恰恰是高水平相声的重要标志之一。但这“不按词说”并非随心所欲，而是建立在扎实功底之上的“心中有词”，是一种“说道技”。

咱们得把这个“不按词说”拆解开来看，它包含了好几个层面：

1. 熟读成诵，融会贯通，达到“心中有词”的境界。

相声的段子，特别是传统的经典段子，都是经过前人无数次打磨、检验的艺术品。每一句台词都有其精妙之处，有它的包袱点，有它的节奏感，更有它的逻辑线。一个成熟的相声演员，首先要做到的就是把剧本“吃透”，烂熟于心，就像自己的话一样。

这时候的“不按词说”，是演员已经把剧本的文字转化为自己内在的理解和表达方式。他不是在念稿子，而是通过自己的语言习惯、语气、神态，将段子的内容自然地流淌出来。就好比一个老道的厨师，知道这道菜需要哪些调料，每种调料放多少分量最合适，不需要看菜谱，闭着眼睛都能做出来，而且还能根据食材的新鲜程度和当季的风味微调。

2. 现场的“火候”和观众的“反馈”决定了“说道的艺术”。

相声最迷人的地方之一就是它的现场感，是演员与观众之间实时互动产生的化学反应。即使是最完美的剧本，在不同的时间、不同的场地、面对不同的观众，其效果也会千差万别。

高水平的相声演员，会时刻捕捉观众的反应：是笑声热烈，还是有些冷场？观众的注意力是不是集中，还是被什么东西分走了？是喜欢听快板的节奏，还是偏爱一些文雅的词句？

在这些即时反馈的指引下，演员会根据现场的“火候”进行调整。这调整就体现在“说道”上：

节奏的调整： 觉得观众有点疲惫，可以加快语速，用一些更生动、更具冲击力的词语；如果观众情绪高涨，就可以适当放慢节奏，拉长某个包袱的铺垫，让期待感更强。
词语的替换和润色： 剧本里的词可能在一个特定的语境下效果最好，但对于眼前的这群观众，某个词可能不够接地气，或者不够形象。高明的演员会临时替换成更贴切、更生动、更能引起共鸣的词。比如剧本写“他这个人特别吝啬”，现场可能会改成“他那钱跟自己的命根子似的，掏出来还得吸口气再放回去”。这种替换不是改变原意，而是让意思更鲜明，包袱更响。
眼神和肢体的配合： 有时候一个眼神，一个夸张的表情，或者一个巧妙的肢体动作，就能代替很多文字。这些都是剧本里写不出来的，是演员通过多年的舞台经验，将文字转化为视觉和情感的载体。
现场的临场发挥： 偶尔还会遇到一些突发情况，比如观众不经意的打断、某个道具的意外出现，甚至是观众之间的对话。高水平的演员能够迅速反应，将这些“意外”巧妙地融入到表演中，变成新的包袱，甚至比原有的包袱效果更好，这就叫做“包袱的‘活儿’”。

3. “说道”是对剧本的二次创作。

我们常说相声是“说学逗唱”。这里的“说”，不仅仅是把台词念出来，更是用自己的嗓音、语调、表情、动作去诠释这段词。每个相声演员都有自己独特的“嗓子”和“味道”。

一个顶尖的相声演员，他已经不是在“演”一个角色，他就是那个角色。他能把一个普普通通的故事，讲得活灵活现，让你仿佛身临其境。他能把一些陈芝麻烂谷子的事，讲出新意和趣味。他能把一些生活中的细节，放大并提炼出来，变成包袱。

这种“说道”，就像是在给一段文字注入灵魂。剧本是骨架，而演员的“说道”就是血肉、筋骨、神情。当演员对剧本的理解达到一定深度，并且掌握了观众心理和舞台节奏的规律时，他就能在“骨架”的基础上，根据现场的土壤，自由地生长出最动人的“枝叶”。

举个例子：

拿郭德纲老师的相声来说，他的很多段子都是从传统老段子里改编和发展来的，比如《西征梦》。原版的《西征梦》可能就是简单地描述一个做梦的过程。但经过郭老师的演绎，他会加入很多时下流行的梗、他自己的生活经历、以及对历史人物的戏谑解读。他在说的时候，语速时快时慢，偶尔还会故意停顿一下，观察观众的反应，然后加上一句即兴的“哎呀妈呀”或者“您瞧好吧您”。他还会用不同的声调模仿人物，比如模仿一些名人说话的腔调。这些细节都是为了让包袱更响，让观众笑得更开心，而这些细节很多都不是写在剧本里的，是他在表演过程中根据经验和感觉加进去的。

总结一下：

相声水平到一定高度后，完全可以不按词说，但这不代表随意发挥。恰恰相反，这是一种在极度熟练和深刻理解基础上的“自由”。它要求演员：

“心中有词”： 对剧本了如指掌，融会贯通。
“眼中有活”： 能捕捉观众的反应，洞察舞台的微妙变化。
“嘴上有章”： 知道如何用语言来引导观众的情绪，制造包袱。
“脑中有图”： 能将文字转化为生动的画面和情节。

这种“不按词说”，是对艺术的尊重，是对观众的负责，更是对自身能力的极致运用。它是在忠于剧本精神的前提下，通过演员的智慧和技巧，将艺术的生命力发挥到极致的一种表现。所以，是的，到了那个高度，演员们确实可以说“不按词说”，但那说出来的每一个字，都经过了千锤百炼，都充满了对艺术的敬畏和对观众的诚意。

网友意见

说相声，讲究的是“死纲死口”，死到什么程度？死到每一个语气高低，每一个停顿的长短。马三立在电台直播说《买猴儿》可以一心二用，白全福失聪后仍能照常捧哏，这都说明他们的艺术是死纲死口的。那为什么又说相声是剧场艺术，现场表演跟看电视听广播不一样呢？因为演员要根据现场情况变化节奏，”马前“或”马后“。至于换词儿，此为大忌！能不换就不换。咱们常说的“现挂”，其实常听到的现挂也都是提前有准备的，比如田立禾表演《托妻献子》，卖报纸吆喝新闻，每次的新闻都不一样，结合了时事，这也都是提前”上挂“的。还有一些应对现场突发情况的现挂，如有人上花篮，台下有人争吵，有人上厕所，等等情况都有预备稿。遇到两次摔茶杯，你就能发现演员必问：“逮着（老鼠）了吗？”。演员上台之初，往往要先使“垫话儿”，“垫话儿”是灵活的，演员可以跟观众谈谈心，然后瞅准机会，一句“瓢把”转入正活。垫话是纯即兴吗？也不算是，使垫话儿是有目的性的，为了拉近感情，聚拢耳音，最终引入正活，不能天马行空口若悬河。有经验的演员肚里有货，垫话自然能侃侃而谈，年轻演员多少要打一个腹稿。

至于纯粹的脱稿的即兴表演，相声不可能。我看脱口秀表演也有稿子，估计他们也不行。可能只有动物园的狗熊可以，它们不管怎样都能引人发笑。

中央电视台在某次电视相声大赛的颁奖晚会上，硬逼着师胜杰和侯跃文”台上撞“了一次，这种违反艺术规律的事，自然效果不佳。侯跃文新剃了秃头，一劲儿暗示师胜杰以此抓哏，师胜杰一直没领会，最后生硬地转入”学评戏“草草收场。

相声之所以好笑，因为相声有精巧的结构，三翻四抖，层层铺垫。而在台上信口开河，没准没谱的表演，全都是背离相声的艺术规律的，是应当唾弃的。

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有人说读到最后一句“应当唾弃”，终于明白我是一个顽固的守旧派。好吧，说唾弃是有些过了。我本来想写“是不值得提倡的”，想了想，也没人提倡信口开河啊，但是很多演员也不追求死纲死口了。要是艺术追求背离正轨么，我不唾弃，我拿眼角夹他行不行？

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