2004年，华语乐坛迎来了巅峰，七里香，江南，欧若拉，我们的爱等，那么我们为什么现在没有这种好歌了?
但是，当我们问“为什么现在没有这种好歌了？”这个问题时，答案其实并非简单的“没有”，而是更加复杂和多层面的。这背后涉及到音乐产业的变迁、创作环境的演化，以及听众口味的多元化。
一、 音乐产业的“风口”变了：从CD到数字流媒体
2004年，华语乐坛的“巅峰”很大程度上得益于当时的主流载体——CD。唱片公司愿意投入巨资进行专辑的企划、制作、宣传和发行。一张专辑的推出，往往意味着一个完整的音乐概念、一套精美的歌词本、甚至是一张附带MV的DVD。这种“实体”的价值感，让音乐的呈现更加饱满，也让歌手和歌曲有了更深厚的文化沉淀。
然而，随着互联网的飞速发展，尤其是数字流媒体的兴起，音乐的传播方式发生了翻天覆地的变化。CD销量锐减，唱片公司的盈利模式被迫转型。音乐变得越来越“快餐化”，一首首单曲的发布成为了主流。这种模式下，虽然音乐的获取更加便捷，但一张能承载一个完整音乐故事的专辑，其生命力自然受到影响。
二、 创作环境的变化：成本、风险与“安全牌”
在CD时代，制作一张高品质的专辑需要大量资金投入。为了保证回报，唱片公司会更加谨慎地选择歌手和歌曲，倾向于打磨出“安全”、“经典”的作品，力求“一炮而红”。这种机制在一定程度上保证了音乐的质量和成熟度。
而在数字时代，单曲的制作成本相对较低，风险也分散了。唱片公司可能会更倾向于尝试更多样化的音乐风格，但同时也可能因为追求“流量”和“病毒式传播”，而选择一些更具话题性、更容易引起共鸣（但不一定耐听）的歌曲。而且，当一首歌火了，可能会被快速复制和模仿，形成一种“跟风”现象，反而导致音乐的同质化。
三、 听众口味的“碎片化”与“个性化”
2004年，华语乐坛的听众群体相对集中。周杰伦、王力宏、林俊杰、蔡依林等少数几位巨星，用他们的音乐风格吸引了大部分的年轻听众。他们的歌曲往往具备独特的旋律、朗朗上口的歌词，以及深入人心的情感表达，很容易在不同地区、不同背景的听众中引起共鸣。
如今，随着信息爆炸和文化多元化，听众的口味变得更加“碎片化”和“个性化”。每个人都在通过各种渠道接触到来自世界各地的音乐，对音乐的期待也更加多元。有的人喜欢小众的独立音乐，有的人追逐嘻哈的节奏，有的人钟情于电子的舞曲。在这种情况下，想要创作出一首能够“通杀”所有人的“国民歌曲”，难度大大增加。
四、 “经典”的定义与时代滤镜
我们之所以觉得2004年的歌曲是“好歌”，很大程度上也是因为它们已经经过了时间的沉淀。那些在当时陪伴我们成长的旋律，承载了我们的青春记忆、情感经历，成为了我们生命中的一部分。这种“经典”的定义，本身就带有一层“时代滤镜”。
现在听到的新歌，或许也同样优秀，但它们还没有经过时间的考验，还没有在我们心中种下那么深的根。当我们十年、二十年后再次回味现在的歌曲时，也许会有新的感受，它们也可能成为新的“经典”。
五、 创作团队与模式的改变
2004年的音乐制作，往往是一个成熟团队协作的结果。有优秀的词曲作者、编曲师、制作人，他们共同打磨出一张专辑。这种“工匠精神”在音乐制作中至关重要。
现在，一些年轻的音乐人更习惯于自己一个人包办词、曲、编曲、混音，甚至独立发布。这种“独立制作”带来了音乐创作的自由度，但也可能在某些方面存在局限，比如缺乏专业的打磨和优化。
但，这并不意味着现在没有好歌。
事实上，华语乐坛从未停止过创造。只是“好歌”的定义、表现形式以及被大众接受的方式，都发生了变化。
新生代音乐人的崛起： 像告五人、落日飞车、万能青年旅店等独立乐队，以及许多在网络上崭露头角的音乐人，都带来了许多非常有创意和个性的作品，受到了年轻一代的喜爱。
音乐风格的多元化： 如今的华语乐坛，Hiphop、R&B、电子、民谣、摇滚等各种音乐风格都有其拥趸，并且常常相互融合，诞生出许多新鲜的听觉体验。
网络平台的助推： 抖音、B站等平台，虽然有时候被诟病“短平快”，但也成为了许多小众音乐和新晋音乐人走向大众的跳板，让更多有才华的音乐得以被发现。
那么，我们应该如何重新审视“好歌”？
或许，我们不应该用过去的眼光去苛求现在的音乐。与其感叹“没有好歌了”，不如多去发掘和欣赏当下音乐的丰富与多元。尝试去理解不同音乐风格的魅力，关注那些默默耕耘的音乐人。
2004年的“巅峰”，是那个时代音乐发展的必然结果，是无数音乐人、唱片公司和听众共同创造的辉煌。而现在的华语乐坛，也正在经历一场深刻的变革，它可能会以一种我们尚未完全适应的方式，继续孕育着属于这个时代的“好歌”。我们需要的，可能只是更多的好奇心和开放的心态去倾听。
网友意见
一言以蔽之：看音乐时代的悲哀
我高中读书的时候，有校园十大歌手比赛。有一个参赛选手叫什么，唱什么我忘记了，我称他为张三。只见张三唱到动情的时候，把吉他扔在地上，那一刻仿佛世界聚焦于他。一瞬间爆发出雷鸣般的掌声和尖叫，大家都在猜测仍吉他的目的，是对社会不公的控诉，还是内心压抑的释放。我却在心疼，这吉他不便宜啊。
现在的歌手唱歌也是这样的操作。
死都要加入一段意义不明的高音part,，45°仰望星空，侧着身子飙高音；一段写的不怎样的rap；完事ending的时候快哭的表情仿佛死了全家；躺在地上突然跳大神.....
歌本身好不好听，还重要吗？
反正，粉丝会跟着尖叫欢呼，营销人设。这玩意赚钱。
音乐是用耳朵听，不是用眼睛看的。但是，互联网+智能手机的普及，YouTube为首的视频网站横空出世改变了这一切，观众不仅会听歌，更会看MV/表演。直接后果就是主次颠倒了，越来越多歌手在制作音乐时以看为重，听为次，将注意力都集中在视觉冲击上。
常见的操作：1.开头低声陶醉，2.突然中邪，上串下跳，念念有词，加入一段rap，3.突然打了鸡血，如公鸡打鸣般，伸长脖子，飙高音，4.药劲过去，低声喃喃几句，对着镜头wink/卖萌/傻笑/跳舞，结束。
这么做的好处是什么？
视觉冲击。
你歌不好听，甚至很多人觉得难听，但是没关系，你的高音、rap、上蹿下跳、wink/卖萌/傻笑会在观众心中留下深刻的印象。配合人设宣传，那就是下一个顶流。
缺点是什么？
只感动了耳朵，感动不了心。听一次还好，多听几次，就想吐了。
七里香，江南，欧若拉，我们的爱
这些歌，你真的在听歌，你不会把注意力集中在周杰伦、林俊杰、张韶涵、FIR长得好不好看，高音飙得高不高......有人会说：“周杰伦、林俊杰、陈奕迅唱功不好（一堆专业名词论证他们唱功一般）。“但是，你很少听到有人会说：“周杰伦、陈奕迅、林俊杰等唱歌没有感情。”
你知道为什么？
因为老一辈的音乐人唱歌真的是在唱歌，通过音乐讲一个故事，娓娓道来，而看音乐时代的新音乐人唱歌只是在宣泄情绪，俗称的炫技。
举一个简单的例子。
窗外的麻雀 在电线杆上多嘴
你说这一句 很有夏天的感觉
手中的铅笔 在纸上来来回回
我用几行字形容你是我的谁
秋刀鱼的滋味 猫跟你都想了解
初恋的香味就这样被我们寻回
你很自然而然，一千个观众眼中有一千个哈姆雷特，每次听七里香，我们都会在自己的脑子里面想象麻雀、铅笔、秋刀鱼、猫长什么样子？。随着年龄的增长，你会得到不同的感受。那个旋律，很自然而言就唱出来了。
但是，现在流量的歌是怎么样的？
我们一起学猫叫，喵喵喵。
在你面前撒个娇
哎呦喵喵喵喵喵
高音part
rap
ending wink/卖萌/死妈的标签
配合舞蹈动作，直接把想象空间扼杀了。
你听完《七里香》，你会在脑子里面想象和初恋一起，秋刀鱼，猫，麻雀这些东西。
你听完《一起学猫叫》，你只会记住喵喵喵，歌手的颜值，舞蹈动作，造型。
你听完《我是歌手》的歌，你只会觉得woc，xxx唱功好屌，xxx高音好棒。压根记不住音乐本身。
......
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