怎样欣赏印象派的画作？
1. 跳脱“拍写实”的思维定势，拥抱“眼中的真实”
我们习惯了看到画作就期待它能像照片一样精准复刻眼前的一切。但印象派艺术家们，他们关注的不是事物本身的“形”，而是“光”是如何作用于事物，以及光在不同时刻、不同角度下，会如何改变事物的色彩和轮廓。
试着模糊细节，感受整体。 不要一开始就纠结于画中某个特定物体是不是画得“像不像”。相反，站远一点，让你的眼睛去捕捉画面的整体色调、光影流动和笔触的韵律。你会发现，虽然细节可能模糊，但整个场景的氛围、光线的变化却呼之欲出。
相信“印象”的传递。 印象派的名字本身就说明了一切。艺术家们试图捕捉的是他们“看到”的第一个、最直接的视觉感受，也就是“印象”。这种印象可能包含着主观的情绪和瞬间的感知。当你欣赏莫奈的《日出·印象》时，它传达的不是一个精确的海港景象，而是清晨那种朦胧、温暖、充满希望的色彩和光感。
2. 品味光影的魔术师：色彩的运用与笔触的语言
印象派之所以革命，很大程度上在于他们对色彩和笔触的全新运用。
观察色彩的并置。 印象派艺术家们发现，将互补色（例如蓝色和橙色、红色和绿色）并置在画面上，能够产生更强的视觉冲击力和更鲜活的色彩效果，而不是像传统那样通过混合颜色来达到。看看雷诺阿笔下的人物，她们的肤色往往不是单一的肉色，而是巧妙地运用了粉红、淡黄、甚至一点点蓝色的笔触来表现肌肤的光泽和层次。
感受笔触的生命力。 印象派的笔触通常是短促、跳跃、可见的，它们不像传统绘画那样被精心隐藏起来。这些独立的色点或短线，在你的眼中会进行“视觉混合”，产生新的色彩和形体。仔细看看德加的芭蕾舞演员，她们裙摆的蓬松感和舞动的轻盈感，很大程度上是通过那些充满动感的、充满生命力的短笔触传递出来的。这些笔触本身就像音乐的音符，有着自己的节奏和力量。
追随光线的轨迹。 印象派画家热衷于描绘户外景象，他们对不同时间、不同天气下的光线变化有着敏锐的捕捉。试着去感受画面中的光源在哪里，光线是如何投射在物体上的，以及阴影部分是如何被周围环境的反射光所“染色”的。德加的《舞女》中，舞台上方投下的暖色灯光，以及背景中人物的冷色调阴影，都营造出一种真实而又梦幻的舞台氛围。
3. 理解时代背景与艺术家的生活方式
了解印象派诞生的那个时代背景，以及艺术家们的生活方式，有助于我们更好地理解他们的创作动机和艺术风格。
时代的变迁：摄影术的兴起。 摄影术的发明，在某种程度上解放了绘画，不再需要承担“记录真实”的全部责任。这让艺术家们可以将更多的精力放在探索绘画本身的表现力上，比如色彩、光线和个人感受。
户外的召唤：自由的创作方式。 印象派画家们喜欢走出画室，来到户外写生，捕捉大自然瞬息万变的景象。这种户外创作的习惯，让他们更加直接地面对光线和色彩的变化，也使得他们的作品充满了自然生机。
艺术家的社交与理念。 印象派并非一个铁板一块的团体，艺术家们之间互相影响，但也各有侧重。了解莫奈对光色的执着追求，雷诺阿对人像和幸福感的描绘，德加对运动和日常生活的观察，西斯莱对风景的宁静描绘，以及卡萨特对女性和儿童生活的温情记录，都能帮助你更全面地欣赏他们的作品。
4. 你的主观感受同样重要
艺术的欣赏最终回到个人的体验上。印象派的画作，尤其鼓励你投入自己的情感和联想。
问问自己，这幅画让你有什么感觉？ 是温暖、宁静、喜悦，还是某种难以言喻的触动？印象派的色彩和笔触本身就蕴含着强烈的情感信息。
让你的思绪自由飞扬。 看到一幅印象派的风景画，你可能会回想起自己在大自然中某个美好的时刻；看到一幅描绘日常生活的画作，你可能会感受到某种熟悉的亲切感。不要压抑这些联想，它们是你与作品之间建立连接的桥梁。
总结一下，欣赏印象派画作，可以尝试：
放下对“像不像”的执念，感受画面传递的“印象”和氛围。
仔细观察色彩的并置和笔触的跳跃，感受它们如何构建画面和传递能量。
追随光线的轨迹，理解艺术家如何捕捉和表现光影的微妙变化。
了解当时的时代背景和艺术家的创作习惯，会让你有更深入的理解。
最重要的是，敞开心扉，让你的情感和想象力与作品自由对话。
当你这样做的时候，你会发现，印象派的画作不再是冰冷的图像，而是流淌着生命力的、充满情感的艺术表达，它们邀请你去感受、去体验，去重新发现这个世界的光彩照人的另一面。
网友意见
谢邀。
若您懒得看长的，我可以教您一个最简单的、绝对正确的、经过权威推荐的、欣赏印象派画作的法子：
靠后一点，眯起眼看。
别笑，这是《艺术的故事》作者贡布里希半开玩笑的一个方法。
比如，下面莫奈1873年传奇的《印象·日出》，一年后在印象派第一次展览展出，也是印象派得名的原因。
您眯起眼看，是不是觉得看到诺曼底的勒阿弗尔日出光线啦？
如果您乐意看长一点，那我也可以说个长一点的版本。
一个基本要旨：
别把印象派的画当做3D的雕塑，而当做一个2D的绘画。
别把印象派的画当做一张摆拍的照片，而当做一个动态的、光影流风的瞬间。
欧洲古典艺术自文艺复兴开始，分两派师承，好似华山的剑宗气宗，互相攀比。
一条是文艺复兴→古典主义→新古典主义（学院派）。重视线条、素描、构图、光影。我姑且把这称作雕塑式审美。
一条是手法主义→巴洛克→浪漫主义。重视色彩、情感与速度。我姑且把这叫做2D色彩审美。
学院派嘛，就画得精美又和谐，希望你看着画觉得以假乱真，明明是2D，却有一种看3D雕塑的感觉，还应该是和谐美：比如安格尔的《大宫女》，明明脊椎那里比例长得不对劲，但依靠素描和光影，让你觉得既美又真实呢。
浪漫主义嘛，那就是澎湃挥洒色彩热情动态紧张。学院派如果是静若处子，那浪漫主义就是动若脱兔。比如浪漫主义雄狮德拉克洛瓦这一幅，是跟安格尔打擂台用的：
哼！感受一下这种杂乱动态暴力扭曲血腥华丽的审美吧！
但一直到19世纪中期，新古典主义学院派，也就是静若处子的雕塑式审美，是为主流。
既然是主流，当然有许多家要来反。
德拉克洛瓦的浪漫主义先打了古典派的擂台，如上述。
然后是现实主义的库尔贝要来打擂台：干嘛老画那些静若处子岁月静好的？我就要画现实的不那么美的：
然后是巴比松画派诸位爱画风景的：干嘛老是在画室里画那些石膏成品？我们要去户外画活的风景！比如柯罗这幅典型的风景画。这是1860年代左右了。
好了，到印象派了。
1862年，22岁的莫奈和20岁的雷诺阿，以及23岁的西斯莱，外加21岁的巴齐耶，在巴黎相聚了。
这就是最初的四人组。长话短说，他们四个人离经叛道，讨厌学院派。
学习德拉克洛瓦的浪漫主义、库尔贝的现实主义，跟巴比松画派老几位一起玩。
所以他们讨厌官方绘画沙龙，讨厌人体素描，喜欢色彩，喜欢还愿真实，喜欢现实生活，喜欢户外，喜欢浮世绘。
1863年官方沙龙落选作品里有马奈著名的《草地上的午餐》，这种色块对比强烈、笔触迅速的感觉，让莫奈们着迷。
后来他们慢慢摸索风格，又吸引了毕沙罗们的加入。到十年后，基本上风格成型了。
他们讲究现场高速绘画，用细碎的笔触描绘光影，把握瞬间气氛。画得不精致不细也不太逼真，但很有感染力。他们在意的是色彩和光。
1874年这群人组了一个画展，被外界嘲讽说是“印象派”。但这标志着他们的风格成型。
当时莫奈和雷诺阿的风格如下：
别管这些画逼真不逼真细不细致，如果觉得太粗，可以用贡布里希的法子眯眼看——您有没有感受到阳光与风呢？有没有感受到那时的声音与乐舞呢？
通过细碎笔触与色块，制造速度、光影、风、瞬间氛围的捕捉。
这就是早期印象派最典型的风格。
如果只是鉴赏印象派绘画，其实到这里您已经把握住了。
后面的就更复杂，因为涉及到派系斗争和绘画史了。
您确认要往下听？
1874年印象派那群小伙子第一次组团聚会时，还是一群松散的年轻人。但五六年后，内部变了。
印象派的风格也分裂了。
印象派的一大贡献，是完全终结了古典学院派的3D审美，并且解放了思想。
所以印象派的成功，也意味着现当代艺术的开始。
但这个盒子打开后，大家解放了思想，发现自己可以有许多玩法。
所以印象派后来分出了许多。比如后印象派三杰塞尚、高更、梵高。
严格来说，他们三位其实可以不算印象派，而自立门户为宗师——和莫奈与雷诺阿的早期印象派，大不相同了。
塞尚回到南法，研究色块去了。所以塞尚后期的画更在意色彩的体积感。这个间接催生了毕加索的立体主义。所以老毕一直说“塞尚是我们所有人的爸爸”。
高更嘛，就是大家都熟悉的《月亮与六便士》的主角原型了。
他决心放弃一切已有画法，跑去塔希提，找当地艺术的感觉，所以他对色彩和平面艺术的感觉更到位：
梵高则是在1886年之前画风幽暗，1886年到巴黎接触了浮世绘，开始按照浮世绘那种玩法，画斑斓明丽、充满感情的色彩。
下面左边是日本浮世绘大师歌川广重的作品，右边是梵高。感受一下梵高卷曲华丽的笔触。
莫奈的细碎笔触招来个崇拜者，就是点彩派的修拉。他大概想：莫奈的细碎笔触可以构成画，那么用彩点能不能构成画呢？嗯：
当然，莫奈与雷诺阿也不是一成不变的。
雷诺阿经历了巨大变化，见此：
莫奈则是到了晚年，越来越痴迷于他的睡莲了。他不再画天空与风，而在意流水光影。比如这是橘园博物馆里他著名的睡莲壁画。我贴近了拍，您能感受到颜料的厚涂和立体感吧？
如果您还有耐心看得下长东西的话，可以看这个答案：
如果还对印象派老几位有兴趣的话，我写的《莫奈和他的眼睛》，以及翻译的法语漫画《莫奈：逐光者》，估计都有帮助——虽然后两本书除了鉴赏，还涉及八卦就是了。
当然了，上面说的已经属于艺术史的事了。就像我们吃个火烧不用考虑火烧在面食发展史的作用似的。
如果只是想欣赏印象派绘画，那就还是这段话：
放弃静态的仿3D审美，把握瞬间的光影、色彩、动态、氛围。
如果真不行，退后几步眯眼看看。
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