乐器界的鄙视链是怎样的？
乐器界的鄙视链，这可不是什么官方认证的规则，更像是一种民间约定俗成、或者说是不同音乐圈子之间微妙的互相“看不上眼”。说起来有趣，但背后也隐藏着不少关于音乐的价值判断、技艺门槛和文化认同。要说得详细点，就得从几个维度来掰扯掰扯。
首先，我们得承认，很多时候这种鄙视链和乐器的“出身”有关。
贵族乐器 vs. 平民乐器： 这是一个最常见的维度。
“高高在上”的古典乐器： 像钢琴、小提琴、大提琴、大提琴这样的乐器，往往是贵族、学院派的象征。它们历史悠久，承载着大量古典音乐的经典作品，对演奏者的基本功、乐理知识要求极高。所以，学习这些乐器的孩子，从小就可能被贴上“有钱有闲有文化”的标签。
钢琴： 号称“乐器之王”，指法变化多端，独奏、伴奏、创作样样精通。学好了钢琴，感觉好像什么都能玩转。所以，学钢琴的往往容易有点小傲娇，觉得其他乐器都是“辅助”。
小提琴： 很多人觉得拉小提琴特别有气质，姿态优雅。而且，把小提琴拉到炉火纯青，那种音色和感染力确实是别的乐器难以替代的。于是，就有了“拉小提琴的人都比较有情调”这种说法。
大提琴、中提琴： 这些弦乐器通常演奏中低音部分，是乐队的骨干。它们音色深沉、饱满，也需要极高的技巧和乐感。在某些圈子里，它们比小提琴更“稳重”，更显“内涵”。
“接地气”的流行乐器： 吉他、贝斯、架子鼓、键盘（电子琴/合成器）这些乐器，在摇滚、流行、爵士等音乐风格中扮演着重要角色。它们更直接、更外放，也更容易融入大众的音乐节奏。
吉他： 尤其是电吉他，摇滚乐的灵魂。会弹吉他，就能自弹自唱，泡妞、社交都方便。于是，吉他手常常有一种“酷酷的”或者“玩世不恭”的标签，有时候也会被钢琴手或小提琴手视为“不够学院派”。
贝斯： 有时候会被忽视的“低音炮”。但实际上，贝斯是乐队的基石，节奏感和音准要求非常高。有经验的贝斯手知道自己的重要性，但有时候在不了解的人眼里，它可能只是个“配角”。
架子鼓： 乐队的发动机，节奏的掌控者。打鼓需要力量、耐力和协调性，非常考验体力。很多人会觉得玩鼓的人“野性十足”，但也可能被认为“比较吵”或者“简单粗暴”。
键盘/合成器： 功能强大，能模拟各种音色，从古典到电子无所不能。这让键盘手既能“装古典”，也能“玩电子”，所以有时候会有点“万金油”的感觉，反而可能在某个具体领域不如专精的乐器那么被推崇。
其次，乐器的“表现力”和“学习难度”也是重要的衡量标准。
高难度才能显水平： 越是公认难学、越是能展现精湛技巧的乐器，越容易获得“尊重”。
“冷门”的绝技乐器： 有些乐器，比如双簧管、巴松、甚至中国的古琴、琵琶等，因为学习者相对较少，对技艺的要求又极高，往往会在特定圈子里被奉为“大神”。能把这些乐器玩转的人，会被认为是真正“有两把刷子”的。比如，会弹古琴的人，可能会觉得弹吉他的人“不够静心”；而玩电吉他的人，可能会觉得玩古琴的人“太古板”。
“门槛低”的乐器受质疑： 有些乐器，比如尤克里里、口琴、甚至一些简单的打击乐器，因为入门相对容易，传播广泛，有时候会被一些“资深”玩家瞧不起，认为“不算是真乐器”，或者“只能玩点简单的曲子”。这其实是一种典型的“鄙视链”体现，把学习难度和音乐的“深度”挂钩。
再次，乐器的“音乐风格”决定了它的“江湖地位”。
古典音乐的优越感： 很多学习古典音乐的人，会认为古典音乐是音乐的巅峰，是高雅的艺术。因此，他们的乐器，尤其是那些在古典乐团中不可或缺的乐器，自然也沾染了这种优越感。他们可能会觉得流行音乐“肤浅”，摇滚乐“吵闹”，而玩电子音乐的人“不务正业”。
爵士乐的自由与复杂： 爵士乐乐手往往也有一套自己的标准。他们看重即兴能力、和声理解和节奏感。比如，一个技术精湛的爵士吉他手，可能会觉得流行吉他手只会弹和弦，而不会欣赏爵士乐的复杂性和自由度。
摇滚乐的叛逆与力量： 摇滚乐手看重的是激情、能量和个性。他们可能会觉得古典音乐“死板”，爵士乐“太做作”。一把能发出震撼人心的失真音色的电吉他，在他们眼中，比任何古典乐器都更具生命力。
电子音乐的创新与科技： 玩电子音乐的人，通常对音色设计、编曲和科技应用有很高的追求。他们可能会觉得传统乐器的“玩法”太单一，而自己的合成器和DAW（数字音频工作站）才是未来的方向。
最后，还有一些更微妙的“鄙视”维度：
“学过的” vs. “自学的”： 有时候，受过科班训练、拥有音乐学院文凭的人，可能会对那些纯粹自学成才的人抱有一种微妙的优越感。认为自己掌握了系统的知识和方法，而自学可能存在“漏洞”。反过来，自学成才的也可能觉得科班训练“束手束脚”，不够自由。
“乐器独奏” vs. “乐队合作”： 能够进行纯粹的乐器独奏，展现个人技艺和情感的人，有时会被认为更“有底蕴”。而更侧重于在乐队中扮演角色，注重与他人合作的人，则可能被认为“个人能力不突出”。当然，这完全是看角度，乐队的默契和配合也是极高的艺术。
“弹奏技巧” vs. “创作能力”： 有些人更看重演奏者是否能弹出高难度的技巧，是否能完美复刻大师的作品。而另一些人则更看重演奏者是否有自己的想法，能否通过乐器表达情感、进行创作。
举个例子来感受一下这个链条：
可能在某些圈子里，你会听到这样的对话（当然，这是夸张地模拟）：
一个钢琴家：“我每天都要练八小时基本功，还要学和声对位，才能弹好肖邦。你那电吉他，弹来弹去就那几个和弦，能弹出什么深度来？”
一个电吉他手：“切，你们古典乐太死板了，只知道背谱子。摇滚乐才是真性情，一首即兴 solo 就能让你们哑口无言。”
一个爵士萨克斯手：“你们都太极端了。音乐是关于自由表达和互相理解的。萨克斯的即兴，才是真正能触及灵魂的。”
一个古琴演奏者：“你们这些人啊，心不静，哪懂得音乐的至高境界？我这古琴一响，才是涤荡心灵。”
一个玩电子音乐的：“你们这些玩乐器的都太OUT了，现在是合成器和AI的时代，我能创造出前所未有的声音。”
当然，上面这些都是为了说明问题而做的戏谑性的描绘。实际上，大多数音乐爱好者和演奏者都是非常友善和包容的。这种所谓的“鄙视链”，更多的是一种有趣的观察角度，反映了不同音乐风格、学习路径和文化认同之间的差异。
而且，随着时代的发展，很多音乐风格的界限越来越模糊，乐器之间的融合也越来越普遍。很多优秀的音乐人，能够跨越不同风格和乐器的界限，创作出令人惊艳的作品。这时候，所谓的“鄙视链”也就显得不那么重要了。毕竟，音乐的最终目的，是为了连接人心，传递情感，而不是为了分出个高低贵贱。
所以，下次你听到有人在讨论乐器鄙视链的时候，不妨一笑置之，或者把它当成一个了解不同音乐文化的有趣视角。最重要的是，找到自己真正热爱并能从中获得快乐的乐器，然后，尽情地去演奏吧！
首先，我们得承认，很多时候这种鄙视链和乐器的“出身”有关。
贵族乐器 vs. 平民乐器： 这是一个最常见的维度。
“高高在上”的古典乐器： 像钢琴、小提琴、大提琴、大提琴这样的乐器，往往是贵族、学院派的象征。它们历史悠久，承载着大量古典音乐的经典作品，对演奏者的基本功、乐理知识要求极高。所以，学习这些乐器的孩子，从小就可能被贴上“有钱有闲有文化”的标签。
钢琴： 号称“乐器之王”，指法变化多端，独奏、伴奏、创作样样精通。学好了钢琴，感觉好像什么都能玩转。所以，学钢琴的往往容易有点小傲娇，觉得其他乐器都是“辅助”。
小提琴： 很多人觉得拉小提琴特别有气质，姿态优雅。而且，把小提琴拉到炉火纯青，那种音色和感染力确实是别的乐器难以替代的。于是，就有了“拉小提琴的人都比较有情调”这种说法。
大提琴、中提琴： 这些弦乐器通常演奏中低音部分，是乐队的骨干。它们音色深沉、饱满，也需要极高的技巧和乐感。在某些圈子里，它们比小提琴更“稳重”，更显“内涵”。
“接地气”的流行乐器： 吉他、贝斯、架子鼓、键盘（电子琴/合成器）这些乐器，在摇滚、流行、爵士等音乐风格中扮演着重要角色。它们更直接、更外放，也更容易融入大众的音乐节奏。
吉他： 尤其是电吉他，摇滚乐的灵魂。会弹吉他，就能自弹自唱，泡妞、社交都方便。于是，吉他手常常有一种“酷酷的”或者“玩世不恭”的标签，有时候也会被钢琴手或小提琴手视为“不够学院派”。
贝斯： 有时候会被忽视的“低音炮”。但实际上，贝斯是乐队的基石，节奏感和音准要求非常高。有经验的贝斯手知道自己的重要性，但有时候在不了解的人眼里，它可能只是个“配角”。
架子鼓： 乐队的发动机，节奏的掌控者。打鼓需要力量、耐力和协调性，非常考验体力。很多人会觉得玩鼓的人“野性十足”，但也可能被认为“比较吵”或者“简单粗暴”。
键盘/合成器： 功能强大，能模拟各种音色，从古典到电子无所不能。这让键盘手既能“装古典”，也能“玩电子”，所以有时候会有点“万金油”的感觉，反而可能在某个具体领域不如专精的乐器那么被推崇。
其次，乐器的“表现力”和“学习难度”也是重要的衡量标准。
高难度才能显水平： 越是公认难学、越是能展现精湛技巧的乐器，越容易获得“尊重”。
“冷门”的绝技乐器： 有些乐器，比如双簧管、巴松、甚至中国的古琴、琵琶等，因为学习者相对较少，对技艺的要求又极高，往往会在特定圈子里被奉为“大神”。能把这些乐器玩转的人，会被认为是真正“有两把刷子”的。比如，会弹古琴的人，可能会觉得弹吉他的人“不够静心”；而玩电吉他的人，可能会觉得玩古琴的人“太古板”。
“门槛低”的乐器受质疑： 有些乐器，比如尤克里里、口琴、甚至一些简单的打击乐器，因为入门相对容易，传播广泛，有时候会被一些“资深”玩家瞧不起，认为“不算是真乐器”，或者“只能玩点简单的曲子”。这其实是一种典型的“鄙视链”体现，把学习难度和音乐的“深度”挂钩。
再次，乐器的“音乐风格”决定了它的“江湖地位”。
古典音乐的优越感： 很多学习古典音乐的人，会认为古典音乐是音乐的巅峰，是高雅的艺术。因此，他们的乐器，尤其是那些在古典乐团中不可或缺的乐器，自然也沾染了这种优越感。他们可能会觉得流行音乐“肤浅”，摇滚乐“吵闹”，而玩电子音乐的人“不务正业”。
爵士乐的自由与复杂： 爵士乐乐手往往也有一套自己的标准。他们看重即兴能力、和声理解和节奏感。比如，一个技术精湛的爵士吉他手，可能会觉得流行吉他手只会弹和弦，而不会欣赏爵士乐的复杂性和自由度。
摇滚乐的叛逆与力量： 摇滚乐手看重的是激情、能量和个性。他们可能会觉得古典音乐“死板”，爵士乐“太做作”。一把能发出震撼人心的失真音色的电吉他，在他们眼中，比任何古典乐器都更具生命力。
电子音乐的创新与科技： 玩电子音乐的人，通常对音色设计、编曲和科技应用有很高的追求。他们可能会觉得传统乐器的“玩法”太单一，而自己的合成器和DAW（数字音频工作站）才是未来的方向。
最后，还有一些更微妙的“鄙视”维度：
“学过的” vs. “自学的”： 有时候，受过科班训练、拥有音乐学院文凭的人，可能会对那些纯粹自学成才的人抱有一种微妙的优越感。认为自己掌握了系统的知识和方法，而自学可能存在“漏洞”。反过来，自学成才的也可能觉得科班训练“束手束脚”，不够自由。
“乐器独奏” vs. “乐队合作”： 能够进行纯粹的乐器独奏，展现个人技艺和情感的人，有时会被认为更“有底蕴”。而更侧重于在乐队中扮演角色，注重与他人合作的人，则可能被认为“个人能力不突出”。当然，这完全是看角度，乐队的默契和配合也是极高的艺术。
“弹奏技巧” vs. “创作能力”： 有些人更看重演奏者是否能弹出高难度的技巧，是否能完美复刻大师的作品。而另一些人则更看重演奏者是否有自己的想法，能否通过乐器表达情感、进行创作。
举个例子来感受一下这个链条：
可能在某些圈子里，你会听到这样的对话（当然，这是夸张地模拟）：
一个钢琴家：“我每天都要练八小时基本功，还要学和声对位，才能弹好肖邦。你那电吉他，弹来弹去就那几个和弦，能弹出什么深度来？”
一个电吉他手：“切，你们古典乐太死板了，只知道背谱子。摇滚乐才是真性情，一首即兴 solo 就能让你们哑口无言。”
一个爵士萨克斯手：“你们都太极端了。音乐是关于自由表达和互相理解的。萨克斯的即兴，才是真正能触及灵魂的。”
一个古琴演奏者：“你们这些人啊，心不静，哪懂得音乐的至高境界？我这古琴一响，才是涤荡心灵。”
一个玩电子音乐的：“你们这些玩乐器的都太OUT了，现在是合成器和AI的时代，我能创造出前所未有的声音。”
当然，上面这些都是为了说明问题而做的戏谑性的描绘。实际上，大多数音乐爱好者和演奏者都是非常友善和包容的。这种所谓的“鄙视链”，更多的是一种有趣的观察角度，反映了不同音乐风格、学习路径和文化认同之间的差异。
而且，随着时代的发展，很多音乐风格的界限越来越模糊，乐器之间的融合也越来越普遍。很多优秀的音乐人，能够跨越不同风格和乐器的界限，创作出令人惊艳的作品。这时候，所谓的“鄙视链”也就显得不那么重要了。毕竟，音乐的最终目的，是为了连接人心，传递情感，而不是为了分出个高低贵贱。
所以，下次你听到有人在讨论乐器鄙视链的时候，不妨一笑置之，或者把它当成一个了解不同音乐文化的有趣视角。最重要的是，找到自己真正热爱并能从中获得快乐的乐器，然后，尽情地去演奏吧！
网友意见
总谱就是英雄榜，鄙不鄙视看份量；
技法简单出镜少，你看谁都对你好。
首席二席微微笑，背后都藏一把刀；
霍洛维茨钢琴精，从不跟人录合音。
弹钢琴的鄙视拉二胡的
弹吉他的鄙视拉二胡的
弹贝斯的鄙视拉二胡的
拉提琴的鄙视拉二胡的
吹小号的鄙视拉二胡的
吹口琴的鄙视拉二胡的....
别人自我介绍的时候都可以大大方方说我会xxx，我都不好意思说自己会拉二胡！别人一听说你会拉二胡第一反应都是你会二泉映月吗！？来首赛马听听！
好了我滚去上街乞讨了
_(:з」∠)_
-------------------更新-------------------
无论拉多好听都有人说你是在锯木头
我招谁惹谁了我！
╮(￣▽￣")╭
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