听国外老摇滚建立起的音乐审美，对现在的新兴乐队完全不入耳，是我的问题吗？
这背后有几个层面的原因：
1. 声音的“质感”和“情感表达”的差异：
器乐的厚重与粗粝： 那些你熟悉的老摇滚乐队，比如 Led Zeppelin, Black Sabbath, Deep Purple，他们的音乐往往建立在强劲的吉他riff上，鼓点的律动扎实有力，贝斯线沉稳而富有张力。吉他音色常常带有过载、失真，甚至一些模拟信号的“粗糙感”，这种声音非常有“重量”，能直接触碰到你的感官。你可能习惯了那种吉他手手指在琴弦上跳跃时产生的真实摩擦声，以及鼓手敲击鼓皮时传出的深沉回响。
人声的嘶吼与沧桑： 老摇滚的唱腔往往充满了力量、爆发力，甚至是那种带点撕裂感的嘶吼。歌词内容也常常探讨社会议题、个人情感的挣扎、自由的呐喊，这些都通过歌手充满感情的演唱传递出来，形成一种具有辨识度和感染力的“声场”。你可能被那种充满力量和故事感的声音所打动，甚至在潜移默化中将这种声音视为“好听”的标准。
编曲的层次与即兴： 当时的摇滚乐队，很多成员都是非常出色的乐手，他们在录音室里也会有大量的即兴发挥，编曲上充满了惊喜和变化。你可以听到吉他 solo 的精湛技艺，鼓手在节奏上的巧妙运用，以及乐队成员之间那种火花四溅的互动。这种“现场感”和“即时性”在很多现代音乐中可能被精密的后期制作所取代，失去了那种原始的生命力。
2. 音乐产业和技术发展的变迁：
录音技术的进步： 如今的录音技术更加先进，声音可以被处理得更加干净、平滑，甚至完美无瑕。这在一定程度上抹去了早期摇滚乐那种“不完美”的美感。比如，你可能觉得现代乐队的声音太“电”，太“数字化”，缺乏那种通过真空管放大器发出的温暖和失真。
音乐风格的细分与融合： 音乐发展的今天，风格是越来越细分，也越来越融合。很多新兴乐队会在摇滚的基础上融合电子、嘻哈、流行等元素。这使得他们的音乐可能听起来更“现代”，更“时髦”，但对于你来说，这种融合可能稀释了你所钟爱的摇滚的“纯粹性”，或者让声音变得过于复杂，难以抓住核心。
商业化和市场导向： 音乐产业的商业化程度越来越高，很多乐队的创作会更倾向于迎合市场和大众的喜好，以求获得更大的商业成功。这可能导致音乐创作趋于模式化，或者更加注重旋律的易传播性，而牺牲了音乐的深度和实验性。你可能从中感受不到那种为艺术本身而创作的纯粹热情。
3. 个人成长经历和情感共鸣：
青春的印记： 很多时候，我们对音乐的喜爱与我们的人生经历紧密相连。那些在你年轻时代陪伴你度过迷茫、叛逆、或者青春期激情的摇滚乐，早已不仅仅是音乐，更是你青春岁月的一种象征。它们的旋律和歌词可能承载着你当时的喜怒哀乐，每一次听到都会唤起那些珍贵的回忆。
情感的锚点： 你的音乐品味是你情感世界的一部分。老摇滚乐中的力量、自由、反叛精神，可能与你年轻时渴望表达的自我、或者在你人生某个阶段起到的精神支撑作用产生了强烈的共鸣。你可能从中找到了情感的寄托，或者看到了自己理想中的某种状态。
“口味”的形成是一个漫长过程： 你的音乐审美不是一天形成的，而是经过了长时间的聆听、消化和思考。你对某些乐器编排、旋律走向、歌词主题的偏好，都是在这个过程中逐渐建立起来的。当一种新的音乐风格与你建立起来的品味体系格格不入时，你自然会感到不适应。
那么，这“是我的问题吗”？
我想说，这不是“问题”，而是你独特音乐个性的体现。拥有明确的音乐偏好，并且能够识别出自己真正喜欢什么，这本身就是一件非常棒的事情。音乐的魅力在于它的多样性，在于它能触动不同的人，以不同的方式。
如果你觉得现在的音乐“完全不入耳”，也完全可以接受。你不需要强迫自己去喜欢你不喜欢的东西。你可以继续享受那些你一直以来热爱的老摇滚乐，它们依然有生命力，依然能给你带来快乐。
如果你想尝试去理解和欣赏一些新兴的乐队，可以试试这样做：
理解他们想要表达什么： 尝试去了解这些新兴乐队的背景，他们想通过音乐表达什么样的信息或情感。也许他们是用现代的语言和方式在诉说一些和你过去听过的相似的主题，只是表达的形式不同。
关注具体的音乐元素： 不要一次性否定整个乐队。试着去关注他们的吉他手有没有什么独特的riff，鼓手节奏感如何，或者主唱的声音有没有特别之处。有时候，你可能会在一些小的音乐细节中找到让你感兴趣的点。
换个角度去听： 也许你可以试着把新兴的音乐当作一种全新的听觉体验，而不是去和那些你钟爱的老摇滚乐直接比较。就像你去一个陌生的城市旅行，你会尝试当地的美食，而不是要求它们和你家乡的味道一模一样。
寻找那些有“根基”的新生代： 很多新兴乐队依然受到老摇滚的影响，只是在原有基础上进行了创新。你可以多听一些乐评，或者关注一些在摇滚乐界口碑比较好的新生代乐队，他们可能更容易让你找到熟悉的感觉。
拓宽你的听音渠道： 不要只局限于一种风格的推荐。可以尝试一些音乐平台的“相似歌曲”推荐，或者听听你喜欢的乐队成员现在在玩什么新项目。
总而言之，你对音乐的审美是你的个人财富，它反映了你的经历、你的感受和你对世界的理解。你不需要因为“听不懂”新兴乐队而感到困扰。享受你所爱的音乐，同时保持一份开放的心态去探索新的可能性，这才是最理想的状态。
网友意见
你可以去听后摇
根据你的问题描述，你列出的乐队有：
- 枪花，典型的布鲁斯硬摇滚乐队；
- Metallica，鞭挞金属乐队；
- Pink Floyd，首专迷幻摇滚，70s前卫摇滚乐队；
- David Bowie，60-70s华丽摇滚/太空摇滚代表音乐人；
- Queen，70s前卫摇滚，80s流行摇滚乐队；
很明显，你的音乐审美光谱里，80s后的朋克/后朋克/新浪潮/独立另类的含量是很淡薄的。而国摇恰恰是在这些音乐风格的滋养下成长起来的。
60-70年代诞生的一系列摇滚乐流派（及其后世的衍生流派），比如硬摇滚，前卫摇滚，华丽摇滚，重金属（指的是三巨二双四激流、90s前卫金属&极端金属这一群体，而不是80s流行金属、90-00s新金属这一批），都有一个明显的特点：追求音乐表达形式的多元化与复杂化，追求音乐内容与形式的艺术性与进步性。与此同时，积极地在根源布鲁斯、古典乐、爵士乐以及世界音乐中汲取营养，同时借助现代乐器与录音技术的开发进步，探索现代音乐的更多可能。
但朋克音乐以及其后的后朋克、新浪潮等风格在音乐形式的表达上有着明显的不同：注重情绪表达，不论是愤怒批判的前朋克还是忧郁内敛的后朋克，音乐在情感的抒发上都更加饱满立体，但在音乐形式的探索上明显相较玩前卫重金的前辈们更加收敛克制。
如果你是一个听歌的时候更注重音乐性的人的话，就很好解释你的问题。当你喜欢Pink Floyd音乐里长篇大量的吉他段落的时候，你会发现国摇里少有长长的solo；当你喜欢David Bowie惊世骇俗的专辑概念与Brian Eno对电子乐神乎其神的运用的时候，你会发现国摇里也没有；当你喜欢Queen充满古典交响色彩的音轨叠录、绚烂多彩的和声时，你会发现国摇里也没有；布鲁斯摇滚玩得好的，据我所知有不速之客；高旗/超载的鞭挞金属听着也很棒，推荐题主去听一听。
题主可以去尝试一下朋克和后朋克音乐，听一听The Clash、Joy Division、Public Image Ltd、The Cure、The Smiths这样的乐队，感受一下这些乐队在音乐上对情绪上充满张力而又克制的处理方式。然后再听一听国内评价比较高的一些新老乐队，或许会有新的收获。
当然，音乐审美是非常主观的事情，或许题主就是不喜欢国摇，可能是母语羞涩之类的原因，这也无可厚非。但题主目前所欣赏的音乐和大多数的国摇确实在流派上的差距比较大，这是客观事实。
2022-1-19更新
简单讲一下我自己对“母语羞涩”的看法。这里先不上升到“文化自信”的高度，就单纯从语言本身的特征讲一下中文与其他语言在音乐运用中的区别。
从内容上讲，中文歌词对内容的文学化、书面化要求更高（在诗歌中亦是如此），倾向于使用更加含蓄的遣词造句方法（当然这么说也不绝对，具体还要看歌词的表达内容）。一些比较露骨、直截的表达方式就不适合中文。最好的例子就是AC/DC和Rammstein两只乐队。这两支乐队的现场都非常震撼，但如果把歌词直接译成中文，不知道还能不能躁得起来。
从听觉效果上讲，中文在音乐运用上的自由度比较低，有很多非创作者不易察觉的限制。中文本身具备四个音调（普通话），写歌的对此要有考量。一方面，歌曲的旋律本身会消解掉音调，因此如果vocal line的上下行与歌词本身的音调、节奏韵律差距较大的话会影响听众对歌词的理解；但音调与节奏过于一致，又容易搞成数来宝，听起来比较土气，不耐听。我个人感觉在这方面把控地最好的摇滚乐队是草东没有派对，他们的歌词一方面非常平实，另一方面又在格律与节奏上与歌曲旋律本身贴合，对歌曲的情绪爆发起到重要的作用。
（当然，英语在音乐运用中也有限制，比如英语句子中的轻重音、长短音要与旋律和节奏相符。具体可以听一听一些日本人写的英文歌，即使日式口音不是很重，听上去也会感觉怪怪的，就是在长短音和轻重音上没有处理好造成的。）
另外，中文的咬字方式和英文也不太一样，中文的发音似乎在口型上比英文要小。这个不做赘述。
为了对抗母语羞涩，除了在词上下功夫，音乐人其实作出了很多的尝试。有的音乐人开始尝试用中英混杂的方式唱歌，或者像重塑乐队一样干脆直接全英文作词；很多说唱歌手会尝试用方言增加陌生度；或者像周杰伦一样将汉语模糊化、节拍化，几乎变成了另一种语言（也是周杰伦一开始被批评“周结巴”、唱歌让人听不懂的原因）；或者像王力宏一样采用英语的发音方式来唱中文（也可能和王力宏本身是美籍华人有关）；甚至戏腔也可以看作是一种尝试。毕竟母语羞涩的本质还是“因熟则俗”，增加陌生度与新鲜感，是摆脱俗气的听感的重要方式。
2022-1-21 千赞更新
感谢大家的点赞与关注，答主只是个平时喜欢听歌的00后学生，诚惶诚恐。
大家在评论底下分享自己听歌时的体验与喜好，氛围非常友好，也让我收获很多。
同时我也看到很多朋友也会和题主一样，喜欢60-70s的摇滚乐，对朋克和后朋克风格欣赏不来。这也很正常，朋克运动在英国一开始是由一群没有接受过专业音乐培养的底层青少年（Sex Pistols，buzzcock等，或者“伪底层”，比如the clash）发起的反社会文化运动，与政治、帮派等元素有关；而在美国则更像是由先锋艺术家（Iggy pop，Patti Smith等）发起的一场艺术审美新潮流。但不管怎么说，朋克运动是反主流、反传统的，是对七十年代之前由专业音乐人、商业化的音乐模式与唱片工业所确定下来的音乐框架的突破。也就是说，像yes、king crimson、Led Zeppelin、deep purple、Pink Floyd这样具有高技术力与高艺术性的70s乐队，本质上是朋克运动的批判与颠覆对象，更何况前卫摇滚发展到1976年已经疲态尽显，越来越佶屈聱牙、脱离实际。
而后朋克在一开始的反主流姿态其实与朋克相比有过之无不及。以joy division的《unknown pleasure》和public image ltd《Metal box》两张典型的英国后朋克专辑为例，它们不再具有前朋克式的攻击性，显得更加内敛，但在情感的表达上依然十分强烈，比如在《swan lake》长达七分钟越来越扭曲的天鹅湖、主唱嘶声力竭的哭嚎，都能给听者以极大的心灵震撼。
我觉得00s的一些pop punk和emo punk乐队很好地继承了前朋克的一部分灵魂，比如green day、blink 182、my chemical romance、the used等等。一些更具有攻击性的硬核乐队，比如system of down，以及一系列说唱金属、新金属，都具有朋克的底色，更不用说90s风靡全球的grunge了。而后朋克、新浪潮中所体现的个人主义与情绪化的色彩，在80s英国的独立浪潮、90s的brit-pop中都有很好的继承。现在网上的一些doomer remix也很像是原教旨主义英式后朋克的复兴。
总而言之，朋克和后朋克是对后世的音乐风格有及其深远影响的音乐风格，但这两种音乐本身对于60-70s摇滚乐的爱好者来说难以接受也很正常，因为两种音乐语言的诞生与发展脉络有着根本的区别。
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