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问题

摄影术的出现对近代绘画有什么影响？

回答
摄影术的诞生，堪称近代艺术史上的一场革命，它如同一个不速之客，却又以其锐利的目光，直直地刺破了传统绘画的许多固有藩篱，迫使绘画在惊愕与适应中，开启了全新的篇章。

一、 颠覆性的挑战：绘画的“真实性”危机

在摄影术问世之前，绘画长期以来承担着记录现实、描绘客观世界的重任。画家们苦心孤诣地钻研透视、解剖、明暗等技法，力求将眼中所见、心中所感一丝不苟地呈现在画布上。然而，摄影术的出现，以一种前所未有的精确度和客观性，瞬间将绘画的这种“写真”能力推向了尴尬的境地。

“复制”的终结与“再创造”的开端： 相机能够瞬间捕捉到肉眼难以企及的细节和光影变化，其逼真程度远超任何一个画家穷尽一生所能达到的境界。这对于那些以写实为首要追求的画家而言，无疑是一记重拳。他们突然发现，自己赖以生存的“模仿”能力，竟然被机器轻易超越了。这迫使一部分画家不得不重新审视绘画的价值所在——如果仅仅是模仿，那还有什么意义？于是，绘画开始向“再创造”的方向转型，更注重表达画家的主观情感、思想和对世界的独特理解，而非简单的复制。

对透视和比例的重新审视： 摄影机的镜头带来了新的观察视角，有时甚至是扭曲的视角。这让画家们开始反思传统绘画中僵化的透视和比例法则。某些印象派画家就着迷于摄影机捕捉到的瞬间光影，他们的作品中出现了不同寻常的剪裁方式和视角，这在一定程度上受到了摄影技术的影响。

二、 新的灵感源泉与题材拓展

虽然摄影术带来了挑战，但它也为绘画打开了新的大门，提供了前所未有的灵感和可能性。

捕捉瞬间与“运动”的表达： 摄影术能够凝固一个瞬间，例如爱德华·迈布里奇对马匹奔跑的研究，通过连续的照片揭示了此前人们对动物运动的认知误区。这种对运动瞬间的捕捉能力，启发了后来的艺术家去探索如何在静态的绘画中表现动态感和时间流逝感。立体主义画家们对事物多角度的解析和组合，在某种程度上也与摄影技术对时空的多重呈现方式产生了共鸣。

全新的视角与构图： 摄影机独特的取景方式，如低角度、高角度、近景、远景的自由切换，以及“失焦”或“模糊”的效果，都为绘画提供了全新的构图思路。许多现代绘画作品中的非传统构图和裁剪方式，都能看到摄影语言的影子。

题材的拓展与“现实”的深化： 摄影术记录了大量普通人的生活、社会现实的各个层面，包括那些在传统绘画中鲜少出现的场景和人物。这使得绘画在题材的选择上更加多元化，也促使画家们更深入地关注社会现实，挖掘平凡生活中的美和意义。例如，社会现实主义绘画就受益于摄影对底层生活和不公现象的记录。

三、 对色彩和光影的革新探索

摄影术对光影的敏感捕捉，也直接或间接地影响了绘画对色彩和光影的运用。

印象派的光影实验： 印象派画家对光影变幻的痴迷，与他们观看摄影作品时体会到的瞬间光影效果密不可分。他们试图在画布上捕捉光线在不同时间、不同天气下的微妙变化，用色彩的并置来模拟光学混合的效果，这是一种对摄影“捕捉光”能力的绘画回应。德加的画作中人物的构图，尤其是对运动人物姿态的捕捉，也被认为受到了早期摄影的影响。

色彩的纯粹与表现力： 摄影早期受限于黑白，但随着彩色摄影的发展，其对色彩的忠实记录也让艺术家们开始反思色彩本身的表现力。 postimpressionist（后印象派）画家们开始有意识地运用色彩来表达情感，而非仅仅是模仿现实的色彩。他们运用纯粹的、分离的色彩，来增强画面的视觉冲击力和情感张力。

四、 绘画媒介的自我反思与主体性凸显

摄影术的出现，不仅是外部的挑战，更是促使绘画界进行了一场深刻的自我反思。

从“眼睛”到“心灵”： 既然摄影能够比绘画更客观、更准确地记录“我们所见”，那么绘画的价值就必须超越单纯的“所见”，而转向“所感”、“所思”、“所想”。艺术家们开始强调“我看到什么”不如“我如何看待”重要。这促使了表现主义、抽象主义等强调艺术家内心世界和情感表达的艺术流派的兴起。

绘画作为一种独立的语言： 摄影术让绘画摆脱了“复制现实”的枷锁，反而让它能够更自由地探索自身作为一种独立视觉语言的可能性。色彩、线条、笔触、构图等绘画自身的元素，其表现力和意义被重新发现和放大。从野兽派大胆的色彩运用，到抽象表现主义的纯粹形式，都是绘画在“找回自我”的探索。

总而言之，摄影术并非是绘画的终结者，恰恰相反，它是一个催化剂，一个解构者，也是一个引领者。它以一种决绝的方式，迫使绘画从对客观世界的忠实模仿中解放出来，拥抱主观性、探索精神性和形式实验，最终孕育出了现代绘画的百花齐放。这场由摄影术引发的变革，不仅改变了绘画的面貌，也深刻地重塑了我们对艺术本质和功能的认知。

网友意见

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摄影术，它伴随着工业的发展而成长。

个人认为摄影观念的形成过程与工业设计史的发展极其类似，它们都是由最初的简单复制造型艺术的理念，到逐渐脱离，最后发展出其独特的审美意识与理论，并与造型艺术持续地相互影响着。


1、绘画对摄影的影响：

摄影术在西方诞生后，在早期模仿绘画的襁褓时期，摄影人拍照风景和画家的观看是一样的。因为冗繁的操作程序和绘画差不了多少。

这张，就是世界上的第一张摄影作品《窗外风景》，1826年由J.N.Niepce拍摄，内容为其工作室外的风景。

看起来是不是很模糊？很诡异？

因为它的曝光时间长达8小时！太阳东升西落，光线变化太大，通过在针孔照相机内的一块沥青金属板上曝光而形成的影像早已模糊不堪。

1839年，"达盖尔摄影术—银版摄影术（Daguerreotype）"的发明使曝光时间缩短到不到三十分钟。

但，这曝光时间还是太长了，都够画一张较深入的速写了。不仅仅是曝光时间之长与绘画有得一拼，制作湿版的程序之复杂、成本之高也与绘画有得一拼。

摄影者会像任何一个传统形象艺术家一样，精心地准备创作的实质性开始，他们要在临时搭建的暗室（帐篷）内自己亲自制作用于曝光的湿法感光片，等待和寻找最适宜拍摄的光线（那时人造光源还未诞生）。在这个漫长的准备过程中，各种历史的、艺术的视觉经验都会不期地干扰和影响摄影者的观看准备。
所以，早期的摄影绘画性倾向，不但是因摄影家在美学意识上对绘画的主动靠拢，而且创作的方式过程也从另一方面保证和逼迫他们的创作与绘画保持渊源上的关系。

于是，出现了以下摄影作品：

1857 Oscar Gustave Rejlander <Two Ways of Life>↑

1858 Henry Peach Robinson <Fading Away>↑

1860 Henry Peach Robinson <Early Spring>↑

1904 Edward Steichen <The Pond Moonlight>↑

1957 郎静山 《小鸟》↑

1962 颜震东 《竹》↑
可以很明显地从以上摄影作品中看出它们模仿绘画的痕迹，几乎是在绘制一张张平面的油画、国画～


2、摄影逐渐找到其应有的道路：

1889年，美国依斯曼柯达公司以硝化纤维素软片作为基材，大规模生产照相胶卷，推动了照相机的小型化。

随着拍摄条件的逐步改善，摄影观念也在跟着急速的变化。
摄影家已不必像早期为每一次的创作做漫长而繁杂的劳动准备，高速度的感光胶卷和轻巧便捷的照相机，可以让流动的自然时光和变幻即逝的社会生活，在快门开启的瞬间曝光中凝固。
而如何能在变化中把握住最能符合自己意愿的瞬间，和让这个瞬间具有自己认定的"美学意义"则成了摄影家自我挑战的最大目的。

尝试过"画意摄影"的室内肖像、自然风景后，摄影家们开始将目光投向社会生活。

约翰·汤姆逊 John Thomson 最早站在普罗大众立场上进行摄影观看的摄影家之一，他手中的相机已经完全变成一个随意游荡的人眼睛，与周遭的一切亲密交融，无间离感。其于1876至1877年拍摄的《伦敦街头生活》系列照片，在今天看来仍然是亲切感人。

1876 John Thomson <Street Advertising>↑

雅各布·A·里斯 Jacob A. Riis 在1887—1892年之间所拍摄的纽约贫民窟真相，将资本主义黑暗现实展现到了大众面前。期间的两本摄影集《被社会抛弃人民的生活》《贫民窟的孩子们》将表面繁荣奢靡的纽约大墙后面那些生活在社会边缘的穷苦人们，暴露到墙的前面，引起了整个纽约的震动，以至于当时的州长不得不亲自出面解决这一问题，改造了贫民区，为赤贫的孩子们开办学校，并相应修改了童工法。

1888 Bandit's Roost↑

1889 Five Cents Lodging↑

1890 Street Arabs↑

20世纪，诞生了一批这样优秀的摄影家，罗伯特·卡帕 Robert Capa、尤金·史密斯 W.Eugene Smith、多罗茜娅·兰格 Dorothea Lange等。他们将手中的相机变成了对这个充满血腥暴力、权利迫害、资本物欲横流的现实世界的批判武器。

1936 Robert Capa <Death of a Loyalist Soldier>↑

1975 W.Eugene Smith <Minamata>↑

1936 Dorothea Lange <Migrant Mother>↑

还有不得不提的解海龙于1991年拍摄的《希望工程》

摄影的诞生，是艺术的需求催生的。但由于摄影的特性，使其在历史进程中发挥了它完全不同于传统艺术思维的作用。它将定格的影像大规模地复制传播，或依托印刷传媒流传，开始参与社会历史的进程。它脱离开艺术的膜拜价值，成为与社会运动过程互动的力量。摄影的伦理价值历史地凸显出来，摄影家也开始承担道义的责任。



3、摄影对绘画的影响：

人类通过物理光学和化学的手段，终于将转瞬即逝的时光固定并留了下来，从而告别了人类以手工方式描绘自然的时代，开始了人类通过机械和药物快速将自然转化影像的新历史。对此，Paul Delaroche在达盖尔摄影术出现的1839年做出评价: "From today, painting is dead"。

现在看来，其实只是古典绘画死亡了，或者，可以说绘画真正诞生了。

画家不必再承担着以模仿和描绘客观对象为主的职责，不需要重视比例透视、解剖结构，无需考虑形体、空间和质感的逼真模仿，它甚至可以脱离"再现艺术"这一桎梏，任由画家描绘主观意愿。然后，印象派、后印象、野兽派、立体主义、超现实主义、未来主义、达达主义、表现主义、抽象派、行动绘画、波普、照相写实、光效应艺术一一应运而生。

让记录现实这一任务交给摄影就好了。

1872 Claude Monet <Impression> Impressionism↑

1892 Henri Rousseau <The Centennial of Independence> Post-Impressionism↑

1908 Henri Matisse <Harmony in Red> Fauvism↑

1937 Pablo Picasso <Guernica> Cubism↑

1931 Salvador Dalí <The Persistence of Memory> Surrealism↑

1972 Andy Warhol <Mao Tse-Tung> Pop Art↑

1970 V.Vasarely OP Art↑

稍举几例，不难发现，这些作品、风格，就出现在我们现存在的这个世界的方方面面。

摄影术刺激着绘画自救找到了新的方向，艺术家们逐渐找到了二者的区别，摄影不再是绘画的模仿者，绘画也得到了重生。


4、现今的绘画与摄影：

现今，绘画与摄影的关系一方面更近，一方面也各自走得更远。分别举例。

a、由于表现手法、题材的多元化，很多时候甚至难以辨别是摄影作品还是绘画作品：

由Sarachmet拍摄的油画风格人像摄影作品《复古之美》↑

2007年由John Baeder绘制的<John's Diner>↑

b、绘画与摄影也在愈行愈远：

1950年由Jackson Pollock创作的<One: Number 31>，行动绘画↑

2012年普利策突发新闻奖获得者Massoud Hossaini的关于喀布尔自杀性爆炸袭击的摄影报道，纪实摄影。


来点轻松的。以下，是摄影对经典绘画作品的再演绎：

<Self-Portrait,c.1889> the original: Van Gogh, imitation: Seth Johnson↑

<La Liberté guidant le peuple> the original:Eugène Delacroix, imitation:Fanchon Bonnefois↑

<Last Supper> the original:Leonardo da Vinci, imitation:Michael Hunter↑

更多请见此：midui.com/106

回到主题，其实我认为摄影术与绘画之间的关系就类似于机器与手工的关系、物质与精神的关系、面包与爱情的关系，互为基础、互相滋润、互助成长。


PS：引文均来自《观看再观看》——鲍昆book.douban.com/subject

感谢@Martin提问并邀答～

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