如何分析 1986 版电视剧西游记的 cult 气质？
猴王归来，仙境奇谈：一窥1986版《西游记》的“邪典”魅力
1986年版的《西游记》，这就像是我们童年里埋藏的一颗种子，伴随无数人长大，至今仍时不时在网络上掀起一阵又一阵的文化浪潮。然而，除了那份家喻户晓的经典情怀，你有没有想过，这部剧其实骨子里透着一股子“邪典”的劲儿？那种不合时宜、难以复制，甚至带点“怪异”的吸引力，让它在后来的影视作品中显得格外与众不同。今天，咱们就掰扯掰扯，这《西游记》的“邪典”气质究竟是怎么来的，又为什么这么让人着迷。
1. 前无古人，也后无来者的“粗粝”美学
咱们先从“看脸”说起。别的不说，1986版《西游记》那演员造型和服装，在今天看来，那就是一股浓浓的“土味”和“古早”。但正是这份“土”，却成了它最致命的吸引力。
妖魔鬼怪的“奇装异服”： 那些神通广大的妖精们，他们的造型设计简直就是一场视觉盛宴，而且是那种脑洞大开、不按常理出牌的盛宴。白骨精的“三变”，那妖娆风情，一下子从村姑到少女再到老妇，每一种形态都带着一种刻意的、略显夸张的魅惑。金角大王银角大王的葫芦，那造型简直就是从某个手工制作的民间艺术品里抠出来的，透着一股子原始的、原始到有点吓人的力量感。还有那牛魔王，顶着一对硕大的牛角，浑身毛茸茸的，怎么看怎么像个从山林里跑出来的野兽，带着一股子原始的野性。
具体例子： 你想想那蜘蛛精，一身轻纱，再配上那七位女子相同的服饰，虽然算不上精致，但那种集体的、略显阴森的美感，配合她们吐丝的场景，简直就是一部东方版的“视觉系”MV。再比如那杏树精，长着一副人形，但那身上的树皮纹路和头上的枝叶，透着一股子山野灵气，也带着一点诡异的、非人的气息。
神仙佛陀的“人间烟火”： 再看看那些神仙佛陀，他们不像现在影视剧里那样光鲜亮丽、不食人间烟火。比如那如来佛祖，虽然法力无边，但坐在那宝座上，带着一股子庄重，但眼神里却又透露出一种历经沧桑的智慧，甚至带着点疲惫。还有观音菩萨，虽然慈眉善目，但她的服装和头饰，在当时的制作条件下，显得朴素而写实，更像是一位行走在凡间的、拥有大智慧的母亲，而不是高高在上、遥不可及的神明。
具体例子： 玉皇大帝的服装虽然华丽，但那份“帝王范儿”更多是通过演员的表演和整体的氛围营造出来的，而非堆砌昂贵的道具。那种略显“土气”的宫廷服饰，反而让这个天界最高统治者显得更接地气，更能引起观众的共鸣，甚至让人觉得，天庭也不过是个复杂的官僚机构罢了。
这种粗粝的、不加修饰的美学，在如今这个追求极致视觉效果的时代，反而显得弥足珍贵。它没有刻意追求的“高级感”，但却自有其独特的魅力，一种带着时代烙印的、无法复制的艺术表达。
2. 叙事手法：碎裂的单元剧，随性的拼接
1986版的《西游记》，其叙事结构也透着一股子“不羁”的劲儿。它不像现代电视剧那样有着严谨的线性逻辑，而是更像是一系列独立又相互关联的“小故事”的串联。
单元剧的魅力： 每一集，都是一个相对独立的故事，围绕着一个妖怪或者一个劫难展开。这种“打怪升级”的模式，让观众很容易进入情境，也给了每个妖怪出彩的机会。即使你对整个“取经”的主线不太在意，也能津津有味地看下去，因为下一集又有新奇的妖怪和新的挑战等着你。
具体例子： 你还记得那盘丝洞的七个蜘蛛精吗？这一集的故事充满了香艳和惊悚，观众的注意力完全被这些妖精吸引住了。而下一集，可能又是关于火焰山的故事，与之前的单元完全不同。这种“一集一个梗”的模式，非常符合大众娱乐的需求，也让剧集拥有了极高的重播价值。
随性的剪辑和转场： 很多时候，你会发现一些转场处理得相当“跳跃”，甚至有些突兀。但正是这种不那么流畅的剪辑，反而带来了一种“拼贴感”，仿佛导演是在用一种更加原始、直接的方式来讲述故事。它没有过多的修饰和铺垫，直接将观众带入下一个场景。
具体例子： 有时候，孙悟空一个筋斗云，画面就直接切换到了另一个地点，中间的“过程”被省略了，但这种省略反而形成了一种特殊的节奏感。它不像现在的CG特效那样追求“丝滑”，而是更像是老电影里那种简单粗暴但直观的镜头转换。
这种“碎裂化”的叙事，虽然在严谨的叙事学看来可能存在瑕疵，但在“邪典”的语境下，却是一种自由精神的体现。它不受传统束缚，用一种更本能、更直观的方式来讲述故事，反而更容易触动观众内心深处最原始的感受。
3. 演员的“用力过猛”与“浑然天成”的混合体
提起1986版《西游记》，就不得不提那些深入人心的演员们。他们的表演，可以说是一种独特的“邪典”表演风格。
六小龄童的“猴性”： 六小龄童老师对孙悟空的演绎，是这部剧的灵魂所在。他不仅仅是扮演了一个角色，而是将自己完全融入了孙悟空这个形象。那种眼神里的狡黠、那种动作里的灵活、那种面对强权时的桀骜不驯，都是他“玩”出来的，是真真正正的“猴性”。他的表演带有强烈的个人风格，甚至到了后来的模仿者都难以企及的地步。
具体例子： 你还记得孙悟空对着妖怪翻白眼的时候吗？那种翻白眼的方式，不是简单的动作，而是带着一种嘲讽、一种不屑，是演员对角色内心世界的极致表达。还有他在战斗时那股子“狠劲儿”，让你觉得他就是那只浑身是胆的猴子。
配角的“千人千面”： 除了孙悟空，剧中的其他角色，尤其是那些妖怪，都充满了戏剧性。他们或狡猾、或凶残、或可怜，每一个妖怪都仿佛被注入了生命力，即使戏份不多，也能让人留下深刻印象。这些配角演员，并没有刻意去模仿所谓的“高级演技”，而是用一种近乎“本能”的方式去诠释角色，反而呈现出一种“用力过猛”又“浑然天成”的奇妙效果。
具体例子： 你想想那黄袍怪，虽然造型不算特别出彩，但他的那种凶残和对唐僧的仇恨，却是通过演员的每一个眼神、每一个动作传达出来的。再比如那白毛老鼠精，那种妩媚又带着一丝丝恶毒的表演，让人又爱又恨。
师徒四人的“化学反应”： 师徒四人之间的互动，也充满了“邪典”的味道。孙悟空的叛逆与唐僧的固执，猪八戒的懒惰与沙僧的忠厚，这种性格上的冲突和羁绊，使得师徒四人的关系显得真实而有趣。即使在最危急的时刻，他们之间的“拌嘴”和“吐槽”，也为这部剧增添了许多戏剧性。
具体例子： 孙悟空经常因为猪八戒的偷懒和惹祸而对他大打出手，但过后又会一起面对危险。这种亦敌亦友、亦嗔亦喜的关系，是他们之间“化学反应”的体现，也是这部剧魅力的一部分。
这种演员表演方式的混合体，一方面是时代限制下演员们凭借自身天赋和努力挖掘角色的结果，另一方面也是他们对传统戏曲表演精髓的继承和创新。这种不刻意追求“自然主义”的表演方式，反而让角色显得更加鲜明和有记忆点，符合“邪典”作品中角色性格极度突出的特点。
4. 主题的“混搭”：宗教寓言下的世俗百态
《西游记》本身就是一部包含宗教、神话、民间传说等多种元素的复杂文本。1986版的电视剧在改编时，虽然遵循了原著的主线，但在呈现上，却将这些元素进行了巧妙的“混搭”，赋予了它更强的“邪典”气质。
宗教的严肃与世俗的调侃： 一方面，剧集在表现取经的艰辛、降妖除魔的宏大叙事时，是严肃认真的。但另一方面，它又毫不避讳地展现了人间百态，甚至对一些宗教观念进行了或多或少的调侃。
具体例子： 猪八戒好吃懒做，贪恋女色，这些世俗的欲望在剧中被放大，也让观众觉得他更像一个普通人。孙悟空对神仙的戏谑，比如对太上老君的炼丹炉的戏弄，都带着一种对权威的挑战意味。而唐僧的迂腐和固执，也常常成为笑料，让这位圣僧显得更加“人性化”。
妖的“人性化”与“异化”： 剧中的许多妖怪，虽然凶残，但往往也带着一些人性的弱点或故事。比如那白骨精的“三变”，每一次变化都试图通过不同的身份来欺骗唐僧，这背后其实也隐藏着一种对生存的渴望。而有些妖怪的出现，也仅仅是为了满足故事的戏剧性，他们的动机和背景并没有被深入挖掘，反而更像是某种“异化”的符号。
具体例子： 你还记得那狮驼岭的三大王吗？他们的出现与其说是为了阻碍取经，不如说是为了展示一种极致的“恶”，一种脱离了正常社会秩序的、纯粹的邪恶。而像女儿国国王这样的女性角色，则又展现了一种纯粹的女性魅力和对爱情的向往，与妖魔鬼怪形成了鲜明的对比。
善恶边界的模糊： 在某些情节中，善恶的界限似乎并不那么清晰。有些妖怪可能只是因为误会或被陷害，而有些神仙也并非完美无瑕。这种对善恶的模糊处理，使得整个故事更加耐人寻味，也更符合“邪典”作品中对传统价值观念的挑战。
具体例子： 例如，有些妖怪其实是某个神仙的坐骑或宠物，它们因为逃跑或被主人放纵才作恶。这就在某种程度上暗示，即使是高高在上的神仙，也可能对“恶”的产生负有责任。
这种主题上的“混搭”，使得《西游记》不仅仅是一部简单的神魔小说改编，更像是一个反映人性复杂性、世俗百态的寓言。它将宏大的宗教叙事与接地气的市井生活巧妙融合，让观众在感受神话魅力的同时，也能体味到人间的喜怒哀乐。
结语：无法复制的“怪味”经典
1986版的《西游记》，它的“邪典”气质，不是刻意为之，而是那个时代背景下，一群充满才华和热情的电影人，用最朴素的手段，最真诚的态度，去创作一个属于他们时代的东方魔幻史诗的结果。
它粗粝的画面、天马行空的想象、深入人心的表演、以及那种在严肃中带着调侃的叙事方式，共同构成了这部作品独特的“怪味”。这种“怪味”，非但没有让它被时代遗忘，反而让它在无数追逐潮流的影视作品中，散发出一种历久弥新的、不可替代的魅力。
它是一次关于“想象力”的胜利，一次关于“执着”的颂歌。所以，当我们再次回顾这部剧时，不妨放下对当下影视工业标准的苛求，去感受它骨子里那股子劲儿，那股子属于那个时代，也属于我们童年的、纯粹的“邪典”魅力。毕竟，不是每一部作品都能让你在几十年后，依然能在脑海中清晰地勾勒出孙悟空的第一个筋斗云，以及猪八戒那标志性的憨厚笑容。
1986年版的《西游记》，这就像是我们童年里埋藏的一颗种子，伴随无数人长大，至今仍时不时在网络上掀起一阵又一阵的文化浪潮。然而，除了那份家喻户晓的经典情怀，你有没有想过，这部剧其实骨子里透着一股子“邪典”的劲儿？那种不合时宜、难以复制，甚至带点“怪异”的吸引力，让它在后来的影视作品中显得格外与众不同。今天，咱们就掰扯掰扯，这《西游记》的“邪典”气质究竟是怎么来的，又为什么这么让人着迷。
1. 前无古人，也后无来者的“粗粝”美学
咱们先从“看脸”说起。别的不说，1986版《西游记》那演员造型和服装，在今天看来，那就是一股浓浓的“土味”和“古早”。但正是这份“土”，却成了它最致命的吸引力。
妖魔鬼怪的“奇装异服”： 那些神通广大的妖精们，他们的造型设计简直就是一场视觉盛宴，而且是那种脑洞大开、不按常理出牌的盛宴。白骨精的“三变”，那妖娆风情，一下子从村姑到少女再到老妇，每一种形态都带着一种刻意的、略显夸张的魅惑。金角大王银角大王的葫芦，那造型简直就是从某个手工制作的民间艺术品里抠出来的，透着一股子原始的、原始到有点吓人的力量感。还有那牛魔王，顶着一对硕大的牛角，浑身毛茸茸的，怎么看怎么像个从山林里跑出来的野兽，带着一股子原始的野性。
具体例子： 你想想那蜘蛛精，一身轻纱，再配上那七位女子相同的服饰，虽然算不上精致，但那种集体的、略显阴森的美感，配合她们吐丝的场景，简直就是一部东方版的“视觉系”MV。再比如那杏树精，长着一副人形，但那身上的树皮纹路和头上的枝叶，透着一股子山野灵气，也带着一点诡异的、非人的气息。
神仙佛陀的“人间烟火”： 再看看那些神仙佛陀，他们不像现在影视剧里那样光鲜亮丽、不食人间烟火。比如那如来佛祖，虽然法力无边，但坐在那宝座上，带着一股子庄重，但眼神里却又透露出一种历经沧桑的智慧，甚至带着点疲惫。还有观音菩萨，虽然慈眉善目，但她的服装和头饰，在当时的制作条件下，显得朴素而写实，更像是一位行走在凡间的、拥有大智慧的母亲，而不是高高在上、遥不可及的神明。
具体例子： 玉皇大帝的服装虽然华丽，但那份“帝王范儿”更多是通过演员的表演和整体的氛围营造出来的，而非堆砌昂贵的道具。那种略显“土气”的宫廷服饰，反而让这个天界最高统治者显得更接地气，更能引起观众的共鸣，甚至让人觉得，天庭也不过是个复杂的官僚机构罢了。
这种粗粝的、不加修饰的美学，在如今这个追求极致视觉效果的时代，反而显得弥足珍贵。它没有刻意追求的“高级感”，但却自有其独特的魅力，一种带着时代烙印的、无法复制的艺术表达。
2. 叙事手法：碎裂的单元剧，随性的拼接
1986版的《西游记》，其叙事结构也透着一股子“不羁”的劲儿。它不像现代电视剧那样有着严谨的线性逻辑，而是更像是一系列独立又相互关联的“小故事”的串联。
单元剧的魅力： 每一集，都是一个相对独立的故事，围绕着一个妖怪或者一个劫难展开。这种“打怪升级”的模式，让观众很容易进入情境，也给了每个妖怪出彩的机会。即使你对整个“取经”的主线不太在意，也能津津有味地看下去，因为下一集又有新奇的妖怪和新的挑战等着你。
具体例子： 你还记得那盘丝洞的七个蜘蛛精吗？这一集的故事充满了香艳和惊悚，观众的注意力完全被这些妖精吸引住了。而下一集，可能又是关于火焰山的故事，与之前的单元完全不同。这种“一集一个梗”的模式，非常符合大众娱乐的需求，也让剧集拥有了极高的重播价值。
随性的剪辑和转场： 很多时候，你会发现一些转场处理得相当“跳跃”，甚至有些突兀。但正是这种不那么流畅的剪辑，反而带来了一种“拼贴感”，仿佛导演是在用一种更加原始、直接的方式来讲述故事。它没有过多的修饰和铺垫，直接将观众带入下一个场景。
具体例子： 有时候，孙悟空一个筋斗云，画面就直接切换到了另一个地点，中间的“过程”被省略了，但这种省略反而形成了一种特殊的节奏感。它不像现在的CG特效那样追求“丝滑”，而是更像是老电影里那种简单粗暴但直观的镜头转换。
这种“碎裂化”的叙事，虽然在严谨的叙事学看来可能存在瑕疵，但在“邪典”的语境下，却是一种自由精神的体现。它不受传统束缚，用一种更本能、更直观的方式来讲述故事，反而更容易触动观众内心深处最原始的感受。
3. 演员的“用力过猛”与“浑然天成”的混合体
提起1986版《西游记》，就不得不提那些深入人心的演员们。他们的表演，可以说是一种独特的“邪典”表演风格。
六小龄童的“猴性”： 六小龄童老师对孙悟空的演绎，是这部剧的灵魂所在。他不仅仅是扮演了一个角色，而是将自己完全融入了孙悟空这个形象。那种眼神里的狡黠、那种动作里的灵活、那种面对强权时的桀骜不驯，都是他“玩”出来的，是真真正正的“猴性”。他的表演带有强烈的个人风格，甚至到了后来的模仿者都难以企及的地步。
具体例子： 你还记得孙悟空对着妖怪翻白眼的时候吗？那种翻白眼的方式，不是简单的动作，而是带着一种嘲讽、一种不屑，是演员对角色内心世界的极致表达。还有他在战斗时那股子“狠劲儿”，让你觉得他就是那只浑身是胆的猴子。
配角的“千人千面”： 除了孙悟空，剧中的其他角色，尤其是那些妖怪，都充满了戏剧性。他们或狡猾、或凶残、或可怜，每一个妖怪都仿佛被注入了生命力，即使戏份不多，也能让人留下深刻印象。这些配角演员，并没有刻意去模仿所谓的“高级演技”，而是用一种近乎“本能”的方式去诠释角色，反而呈现出一种“用力过猛”又“浑然天成”的奇妙效果。
具体例子： 你想想那黄袍怪，虽然造型不算特别出彩，但他的那种凶残和对唐僧的仇恨，却是通过演员的每一个眼神、每一个动作传达出来的。再比如那白毛老鼠精，那种妩媚又带着一丝丝恶毒的表演，让人又爱又恨。
师徒四人的“化学反应”： 师徒四人之间的互动，也充满了“邪典”的味道。孙悟空的叛逆与唐僧的固执，猪八戒的懒惰与沙僧的忠厚，这种性格上的冲突和羁绊，使得师徒四人的关系显得真实而有趣。即使在最危急的时刻，他们之间的“拌嘴”和“吐槽”，也为这部剧增添了许多戏剧性。
具体例子： 孙悟空经常因为猪八戒的偷懒和惹祸而对他大打出手，但过后又会一起面对危险。这种亦敌亦友、亦嗔亦喜的关系，是他们之间“化学反应”的体现，也是这部剧魅力的一部分。
这种演员表演方式的混合体，一方面是时代限制下演员们凭借自身天赋和努力挖掘角色的结果，另一方面也是他们对传统戏曲表演精髓的继承和创新。这种不刻意追求“自然主义”的表演方式，反而让角色显得更加鲜明和有记忆点，符合“邪典”作品中角色性格极度突出的特点。
4. 主题的“混搭”：宗教寓言下的世俗百态
《西游记》本身就是一部包含宗教、神话、民间传说等多种元素的复杂文本。1986版的电视剧在改编时，虽然遵循了原著的主线，但在呈现上，却将这些元素进行了巧妙的“混搭”，赋予了它更强的“邪典”气质。
宗教的严肃与世俗的调侃： 一方面，剧集在表现取经的艰辛、降妖除魔的宏大叙事时，是严肃认真的。但另一方面，它又毫不避讳地展现了人间百态，甚至对一些宗教观念进行了或多或少的调侃。
具体例子： 猪八戒好吃懒做，贪恋女色，这些世俗的欲望在剧中被放大，也让观众觉得他更像一个普通人。孙悟空对神仙的戏谑，比如对太上老君的炼丹炉的戏弄，都带着一种对权威的挑战意味。而唐僧的迂腐和固执，也常常成为笑料，让这位圣僧显得更加“人性化”。
妖的“人性化”与“异化”： 剧中的许多妖怪，虽然凶残，但往往也带着一些人性的弱点或故事。比如那白骨精的“三变”，每一次变化都试图通过不同的身份来欺骗唐僧，这背后其实也隐藏着一种对生存的渴望。而有些妖怪的出现，也仅仅是为了满足故事的戏剧性，他们的动机和背景并没有被深入挖掘，反而更像是某种“异化”的符号。
具体例子： 你还记得那狮驼岭的三大王吗？他们的出现与其说是为了阻碍取经，不如说是为了展示一种极致的“恶”，一种脱离了正常社会秩序的、纯粹的邪恶。而像女儿国国王这样的女性角色，则又展现了一种纯粹的女性魅力和对爱情的向往，与妖魔鬼怪形成了鲜明的对比。
善恶边界的模糊： 在某些情节中，善恶的界限似乎并不那么清晰。有些妖怪可能只是因为误会或被陷害，而有些神仙也并非完美无瑕。这种对善恶的模糊处理，使得整个故事更加耐人寻味，也更符合“邪典”作品中对传统价值观念的挑战。
具体例子： 例如，有些妖怪其实是某个神仙的坐骑或宠物，它们因为逃跑或被主人放纵才作恶。这就在某种程度上暗示，即使是高高在上的神仙，也可能对“恶”的产生负有责任。
这种主题上的“混搭”，使得《西游记》不仅仅是一部简单的神魔小说改编，更像是一个反映人性复杂性、世俗百态的寓言。它将宏大的宗教叙事与接地气的市井生活巧妙融合，让观众在感受神话魅力的同时，也能体味到人间的喜怒哀乐。
结语：无法复制的“怪味”经典
1986版的《西游记》，它的“邪典”气质，不是刻意为之，而是那个时代背景下，一群充满才华和热情的电影人，用最朴素的手段，最真诚的态度，去创作一个属于他们时代的东方魔幻史诗的结果。
它粗粝的画面、天马行空的想象、深入人心的表演、以及那种在严肃中带着调侃的叙事方式，共同构成了这部作品独特的“怪味”。这种“怪味”，非但没有让它被时代遗忘，反而让它在无数追逐潮流的影视作品中，散发出一种历久弥新的、不可替代的魅力。
它是一次关于“想象力”的胜利，一次关于“执着”的颂歌。所以，当我们再次回顾这部剧时，不妨放下对当下影视工业标准的苛求，去感受它骨子里那股子劲儿，那股子属于那个时代，也属于我们童年的、纯粹的“邪典”魅力。毕竟，不是每一部作品都能让你在几十年后，依然能在脑海中清晰地勾勒出孙悟空的第一个筋斗云，以及猪八戒那标志性的憨厚笑容。
网友意见
看你怎么定义了。
一般来说cult是穷造成的，采用很多省钱的土办法。
但也有故意追求逗逼效果的。
我说一件事。
高老庄一集
高老爷高老太太商量招猪八戒当女婿的时候。
高玉倩老师有一句台词
“模样？我瞅比你强。”
背景音乐是猪八戒背媳妇。
说“我瞅比你强”时,正好到这个乐句，五个音符。一个字踩在一个音上。
这TM绝对是混音的时候故意的。
我觉得这种闲的难受的劲头很cult。
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