中国有上百个武术流派，为何不拍摄类似《拳霸》《突袭》系列的功夫片？
中国武术博大精深，流派众多，各具特色。然而，令人好奇的是，为何在功夫电影领域，我们似乎更常看到的是借鉴了泰国泰拳的《拳霸》系列，抑或是印尼的西拉特（Silat）动作在《突袭》系列中大放异彩，而我们本土拥有如此丰富的武术遗产，却鲜有能与之媲美的、聚焦于特定中国武术流派、并以其硬桥硬马、真实打斗风格著称的系列功夫片？
这其中的原因，绝非简单地归咎于“没有好功夫”或者“剧本不行”，而是涉及到几个相互交织的复杂因素。
一、 功夫电影的黄金时代与时代变迁的挑战
首先，我们不能不提中国功夫电影曾经的辉煌。李小龙、成龙、李连杰等人的作品，凭借着令人眼花缭乱的招式、独树一帜的风格和深入人心的角色，将中国功夫推向了世界。然而，那些时代，观众对功夫电影的认知和期待，很大程度上是基于香港电影的“集大成”和“表演性”的融合。
香港功夫片的模式： 香港电影在发展过程中，为了追求观赏性和娱乐性，往往会将不同武术门派的精华进行提炼、改编，甚至创造出更具视觉冲击力、更易于表现的动作套路。他们的动作设计注重力量、速度、技巧的展示，以及与剧情的紧密结合，同时加入了很多戏剧化的元素，比如夸张的音效、慢镜头、以及标志性的“一声吼”。这种模式在当时是成功的，但也形成了一种“程式化”的印象。
时代变迁的口味： 随着时代发展，观众的观影口味变得越来越多元化，对“真实感”和“硬核”的追求也日益增强。《拳霸》和《突袭》之所以能脱颖而出，正是抓住了这一点。它们没有过多地进行武术的“融合”或“艺术化”，而是深入挖掘了特定流派（泰拳、西拉特）最原始、最粗犷、最直接的攻击方式，并将这种“原始暴力”与电影的叙事完美结合。观众看到了更贴近实战、更具杀伤力、甚至有些残酷的打斗，这种“硬核”的冲击力，恰恰是过去一些香港功夫片所不常表现的。
二、 武术流派的“独特性”与电影改编的“可行性”
中国武术的“多样性”是其最大的财富，但同时也带来了一些挑战。
“独特性”的表达难度： 每一个武术流派都有其独特的技法、心法、训练方式和历史渊源。比如，太极的圆转、咏春的寸劲、洪拳的马步、八卦掌的走圈，这些技艺精湛，但要将其在电影中原汁原味地呈现，并且让非武术爱好者也能理解和欣赏，难度是相当大的。
“程式化”与“实战化”的矛盾： 很多传统武术流派经过长期的发展，已经形成了一套相对成熟的套路和教学体系。这些体系在保留武术精髓的同时，也可能因为历史传承、理论体系等原因，在实际的现代格斗环境中，其“实战性”会受到质疑，或者说其“招式”本身需要经过大量的改编才能适应电影的节奏和冲击力。
《拳霸》与《突袭》的“聚焦”优势： 《拳霸》聚焦于泰拳，泰拳的腿法、膝法、肘法、拳法，其直接、凶猛的攻击特点非常适合在电影中表现，而且其“八肢格斗”的独特性本身就具有很强的视觉冲击力。而《突袭》系列则深入挖掘了西拉特的“关节技”、“近身缠斗”和“冷兵器”的运用，这些同样极具辨识度和观赏性。它们不是简单地展示“一套拳法”，而是通过对特定武术体系的深入剖析和高强度还原，找到了属于自己的“出路”。
三、 电影工业的“制约”与“创新”
除了武术本身和观众口味的因素，电影工业的运作模式也起着关键作用。
投资与市场风险： 拍摄一部以特定武术流派为核心、且需要高还原度的功夫片，意味着需要投入大量的时间和资源去研究、设计、训练和拍摄。这对于制作方来说，意味着更高的成本和更大的市场风险。相比之下，改编一些大众熟知、具有表演性的武术，或者在传统套路中加入更多现代动作元素，是更稳妥的选择。
动作指导的“风格化”： 优秀的动作指导能够将武术家的技艺转化为银幕上的精彩瞬间。然而，要找到能够真正理解并精妙呈现中国各大武术流派独特技法的动作指导，同时还要他们具备现代电影的编排能力，这并非易事。很多时候，动作设计会倾向于更普遍接受的、更具视觉张力的“武打”模式，而非刻意去突出某个流派的“精髓”。
缺乏“体系化”的创新： 欧美电影工业在这方面做了一些值得我们借鉴的尝试。他们不仅仅是拍摄“武术片”，而是通过对某种格斗体系的深入研究，将其融入电影叙事，甚至创造出一种新的“电影格斗风格”。例如，《疾速追杀》系列对“近身格斗”（Gunfu）的精炼和发展，就不仅仅是简单的枪战，而是将枪械和近身格斗技巧无缝衔接，形成了一种独特的风格。中国功夫电影在如何将“百家争鸣”的武术转化为具有市场号召力的“电影IP”方面，似乎还需要更多的探索和创新。
四、 历史与传承的“纠结”
中国武术的传承，有时也带着一种“求稳”的色彩。
“家传”与“开放”的边界： 很多传统武术流派都有着深厚的历史积淀和家族传承的特点。在电影改编中，如何平衡“尊重传统”和“面向大众”之间的关系，是一个微妙的问题。过度地“改编”可能会被视为对传统的亵渎，而“照搬”又可能显得脱离时代。
“文化符号”的再创造： 功夫电影不仅仅是打斗，更是中国文化的载体。优秀的功夫片能够将武术中的哲学思想、人生态度、民族精神融入其中。要做到这一点，需要对武术的理解已经超越了纯粹的“招式”，上升到“文化”层面。
总结一下， 中国电影之所以在输出“似《拳霸》《突袭》那样聚焦特定、硬核功夫流派”的系列作品上相对较少，原因在于：
观众口味的转变： 从过去的“看热闹”到现在的“求真实”与“硬核”。
武术本身的复杂性： 众多流派的技法和心法，要真实且具观赏性地搬上银幕，难度很大，需要深度挖掘和创新。
工业层面的挑战： 投资风险、动作设计、以及缺乏“体系化”的IP开发。
传承与创新的平衡： 如何在尊重传统的同时，找到适合电影传播的表达方式。
当然，这并不意味着中国没有优秀且硬核的功夫片。近年来，我们也能看到一些向着更写实、更具冲击力方向发展的作品。但要达到《拳霸》或《突袭》那样，通过对某一特定武术体系进行深度挖掘并形成市场号召力，并且能够持续发展成一个系列，这依然是中国功夫电影需要持续努力的方向。或许，是时候让那些沉睡在历史长河中的、独具魅力的武术流派，在银幕上再次绽放出它们最原始、最强悍的光芒了。
这其中的原因，绝非简单地归咎于“没有好功夫”或者“剧本不行”，而是涉及到几个相互交织的复杂因素。
一、 功夫电影的黄金时代与时代变迁的挑战
首先，我们不能不提中国功夫电影曾经的辉煌。李小龙、成龙、李连杰等人的作品，凭借着令人眼花缭乱的招式、独树一帜的风格和深入人心的角色，将中国功夫推向了世界。然而，那些时代，观众对功夫电影的认知和期待，很大程度上是基于香港电影的“集大成”和“表演性”的融合。
香港功夫片的模式： 香港电影在发展过程中，为了追求观赏性和娱乐性，往往会将不同武术门派的精华进行提炼、改编，甚至创造出更具视觉冲击力、更易于表现的动作套路。他们的动作设计注重力量、速度、技巧的展示，以及与剧情的紧密结合，同时加入了很多戏剧化的元素，比如夸张的音效、慢镜头、以及标志性的“一声吼”。这种模式在当时是成功的，但也形成了一种“程式化”的印象。
时代变迁的口味： 随着时代发展，观众的观影口味变得越来越多元化，对“真实感”和“硬核”的追求也日益增强。《拳霸》和《突袭》之所以能脱颖而出，正是抓住了这一点。它们没有过多地进行武术的“融合”或“艺术化”，而是深入挖掘了特定流派（泰拳、西拉特）最原始、最粗犷、最直接的攻击方式，并将这种“原始暴力”与电影的叙事完美结合。观众看到了更贴近实战、更具杀伤力、甚至有些残酷的打斗，这种“硬核”的冲击力，恰恰是过去一些香港功夫片所不常表现的。
二、 武术流派的“独特性”与电影改编的“可行性”
中国武术的“多样性”是其最大的财富，但同时也带来了一些挑战。
“独特性”的表达难度： 每一个武术流派都有其独特的技法、心法、训练方式和历史渊源。比如，太极的圆转、咏春的寸劲、洪拳的马步、八卦掌的走圈，这些技艺精湛，但要将其在电影中原汁原味地呈现，并且让非武术爱好者也能理解和欣赏，难度是相当大的。
“程式化”与“实战化”的矛盾： 很多传统武术流派经过长期的发展，已经形成了一套相对成熟的套路和教学体系。这些体系在保留武术精髓的同时，也可能因为历史传承、理论体系等原因，在实际的现代格斗环境中，其“实战性”会受到质疑，或者说其“招式”本身需要经过大量的改编才能适应电影的节奏和冲击力。
《拳霸》与《突袭》的“聚焦”优势： 《拳霸》聚焦于泰拳，泰拳的腿法、膝法、肘法、拳法，其直接、凶猛的攻击特点非常适合在电影中表现，而且其“八肢格斗”的独特性本身就具有很强的视觉冲击力。而《突袭》系列则深入挖掘了西拉特的“关节技”、“近身缠斗”和“冷兵器”的运用，这些同样极具辨识度和观赏性。它们不是简单地展示“一套拳法”，而是通过对特定武术体系的深入剖析和高强度还原，找到了属于自己的“出路”。
三、 电影工业的“制约”与“创新”
除了武术本身和观众口味的因素，电影工业的运作模式也起着关键作用。
投资与市场风险： 拍摄一部以特定武术流派为核心、且需要高还原度的功夫片，意味着需要投入大量的时间和资源去研究、设计、训练和拍摄。这对于制作方来说，意味着更高的成本和更大的市场风险。相比之下，改编一些大众熟知、具有表演性的武术，或者在传统套路中加入更多现代动作元素，是更稳妥的选择。
动作指导的“风格化”： 优秀的动作指导能够将武术家的技艺转化为银幕上的精彩瞬间。然而，要找到能够真正理解并精妙呈现中国各大武术流派独特技法的动作指导，同时还要他们具备现代电影的编排能力，这并非易事。很多时候，动作设计会倾向于更普遍接受的、更具视觉张力的“武打”模式，而非刻意去突出某个流派的“精髓”。
缺乏“体系化”的创新： 欧美电影工业在这方面做了一些值得我们借鉴的尝试。他们不仅仅是拍摄“武术片”，而是通过对某种格斗体系的深入研究，将其融入电影叙事，甚至创造出一种新的“电影格斗风格”。例如，《疾速追杀》系列对“近身格斗”（Gunfu）的精炼和发展，就不仅仅是简单的枪战，而是将枪械和近身格斗技巧无缝衔接，形成了一种独特的风格。中国功夫电影在如何将“百家争鸣”的武术转化为具有市场号召力的“电影IP”方面，似乎还需要更多的探索和创新。
四、 历史与传承的“纠结”
中国武术的传承，有时也带着一种“求稳”的色彩。
“家传”与“开放”的边界： 很多传统武术流派都有着深厚的历史积淀和家族传承的特点。在电影改编中，如何平衡“尊重传统”和“面向大众”之间的关系，是一个微妙的问题。过度地“改编”可能会被视为对传统的亵渎，而“照搬”又可能显得脱离时代。
“文化符号”的再创造： 功夫电影不仅仅是打斗，更是中国文化的载体。优秀的功夫片能够将武术中的哲学思想、人生态度、民族精神融入其中。要做到这一点，需要对武术的理解已经超越了纯粹的“招式”，上升到“文化”层面。
总结一下， 中国电影之所以在输出“似《拳霸》《突袭》那样聚焦特定、硬核功夫流派”的系列作品上相对较少，原因在于：
观众口味的转变： 从过去的“看热闹”到现在的“求真实”与“硬核”。
武术本身的复杂性： 众多流派的技法和心法，要真实且具观赏性地搬上银幕，难度很大，需要深度挖掘和创新。
工业层面的挑战： 投资风险、动作设计、以及缺乏“体系化”的IP开发。
传承与创新的平衡： 如何在尊重传统的同时，找到适合电影传播的表达方式。
当然，这并不意味着中国没有优秀且硬核的功夫片。近年来，我们也能看到一些向着更写实、更具冲击力方向发展的作品。但要达到《拳霸》或《突袭》那样，通过对某一特定武术体系进行深度挖掘并形成市场号召力，并且能够持续发展成一个系列，这依然是中国功夫电影需要持续努力的方向。或许，是时候让那些沉睡在历史长河中的、独具魅力的武术流派，在银幕上再次绽放出它们最原始、最强悍的光芒了。
网友意见
甄子丹说过：『我们是懂功夫的电影人，而不是想拍电影的武师。』
想拍出好的功夫片，关键是能拍出好的电影。这和你懂多少门功夫没关系。《拳霸》也好，《突袭》也好，他们展现的功夫不在多而在精。对于观众来说，他们才不在乎你用的是什么功夫，他们就要看精彩的格斗场面。
而「精彩的格斗场面」这个小小的要求，其实就是「功夫电影」的精髓。这一点对于当下中国电影来说，其实是很难做到的。内地电影里因为审查因素而无法长时间地以打斗场景为故事主线，导致「功夫片」这个类型基本完蛋。
香港电影在审查环节稍好一点，但因为香港电影的人才断档，现在只剩甄子丹一人苦撑，功夫片作为一个类型也基本完蛋操了。他作为功夫明星，一直没能顺利完成转型，所以现在主要作品都集中在古装武侠（《冰封侠》）和民国功夫片（《叶问》系列、《武侠》）。但是现在的年轻观众明显对时装功夫片的需求量更大，可国内又无法量产，所以大家的注意力都集中到东南亚功夫片上去了。
因为审查因素，因为内地市场的急功近利，「功夫片」这个类型的电影资源在很长时间内是高度集中的，结果导致了其他低成本功夫片根本没机会。像《街头之王》、《双截棍》等内地年轻导演拍摄的功夫片，估计很多人都没听说过——不过你要是看过估计会更难受。类似这样的功夫片，因为制作经验、团队能力、拍摄成本和制作条件的制约，虽然演员都蛮拼的（据说《双截棍》的医药费都快和制作费持平了，可能是为了宣传而夸大了），但最后效果还是惨不忍睹的。
简单地说，想拍出好的功夫片，不要指望忽然天上掉下一个牛逼的武指和牛逼的功夫片导演，他们都必须是在行业内经历过足够长时间的训练，对功夫、对电影都有自己独到的认知，才可能拍出来一部让大多数观众惊讶的功夫片。
但是按目前国内电影行业现状，没有需求就没有应用，没有应用就没有体验，没有体验就没有要求，没有要求就没有标准。没有标准，那就什么都完了。
中国电影想要在功夫片类型上再次做出突破，就必须让市场自己产生需求。其实从大的类型来说，中国电影何时能在「动作片」和「警匪片」类型上做出突破，「功夫片」作为亚类型一定能迅速跟进做出突破的。只要中国电影能给出一个合理的应用场景，怎么打的好看这种问题真的不用操心。
只要有了需求，以中国电影过去在功夫片和武侠片方面的经验，一定能在这个类型再次做出突破。但是——中国电影大部分问题最后都得回到这个「但是」上——「大河有水小河满」的道理大家都明白，中国有五百个武术门派又如何？观众想在电影里看的不是类似「中原武林风」那样的电视擂台赛，他们要看的是《杀破狼》的后巷生死格斗。这个问题不解决，嗯哼……
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