为什么我的画看起来很廉价很脏，画画真的需要天赋吗？
这绝对是个好问题！很多刚开始画画的朋友都会遇到类似“我的画怎么看起来怪怪的，不够精致”或者“颜色怎么灰蒙蒙的”这种感受。你提到“廉价”和“脏”，这背后其实隐藏着很多具体的问题，而你的第二个问题“画画真的需要天赋吗？”更是很多人心中的疑问。别担心，咱们一步一步来聊，把这些事儿说透了。
首先，咱们先来说说为什么你的画看起来“廉价”又“脏”。其实这更多的是技术和经验的问题，而不是什么神秘的“天赋”决定的。
为什么画看起来“廉价”？
“廉价”这个词，在绘画里通常指的是画面的质感、色彩的鲜活度、线条的流畅度，以及整体的完成度不够。我们可以从几个方面来拆解：
色彩的运用和搭配：
颜色太“死”或太“脏”： 你是不是直接用颜料管里挤出来的颜色？比如，画树叶直接用绿色，画天空直接用蓝色。这些纯色虽然鲜亮，但往往缺乏层次和真实感。自然界的光线会让颜色产生微妙的变化，绿色里可能有黄、蓝、甚至一点红；蓝色天空里也有紫、灰、粉。如果画面里全是这种“直出”的颜色，就会显得很单调，缺乏生命力，自然会感觉“廉价”。
色彩关系不明确： 颜色之间没有建立起明暗、冷暖、对比或协调的关系。比如，画面里所有的颜色亮度都差不多，或者冷暖色块混杂但没有任何逻辑，就会让画面显得平淡，缺乏立体感和视觉冲击力。
颜色的饱和度问题： 饱和度太高会让颜色过于刺眼，像廉价的塑料玩具；饱和度太低又会显得灰暗，缺乏精神。找到合适的饱和度，让颜色既有活力又不至于刺耳，是需要练习的。
缺乏色彩过渡： 从一个颜色平滑地过渡到另一个颜色，这是让画面看起来自然、高级的重要手段。如果过渡生硬，比如一块暗部直接接一块亮部，就像电脑里的硬剪辑，会显得很不舒服。
笔触和质感：
笔触杂乱或过于明显： 如果你的笔触不统一，或者像在纸上刮擦一样，没有朝着描绘对象本身的结构和光影方向去，画面就会显得毛躁、没整理。
缺乏对材质的理解： 你画的是金属、丝绸、木头还是石头？不同的材质有不同的反光、纹理和质感。如果你画的丝绸像纸，画的金属没有光泽，画面就失去了真实性，自然会显得“廉价”。
画面太平，缺乏立体感： 画面平整得像一张纸，缺乏明暗对比和体积感。我们看到的物体都是有立体感的，如果没有通过光影和色彩来表现这种立体感，画面就会扁平，显得“不值钱”。
构图和造型：
构图不和谐： 画面元素没有安排好位置，比例失调，或者焦点不明确。一个比例失调的人物，或者一个乱糟糟的场景，都会让观者产生不舒服的感觉。
造型不准确： 这是最基础但也最关键的一点。如果画的物体形状扭曲、透视错误，就会让人一眼看出“不像”，这种不准确感直接影响了画面的整体品质。
为什么画看起来“脏”？
“脏”通常与色彩的“灰”或“杂”有关：
颜色混合过多导致浑浊： 在调色板上反复混合颜色，或者在画面上反复涂抹，很容易把颜色弄“脏”。比如，把很多不同的颜色不分青红皂白地混在一起，就会得到一滩浑浊的灰褐色。
忽视中间色和过渡色： 在处理明暗关系时，如果只关注最亮和最暗的部分，而忽略了中间的过渡色，或者直接用高饱和度的颜色去连接，很容易造成色彩的冲突和脏乱。
画面层次不清： 画面中的物体分不清远近、主次，所有东西都挤在一起，光影关系混乱，整个画面就会显得“乱”和“脏”。
笔触堆积导致沉闷： 过多的颜料堆积在同一块区域，或者用笔不当导致颜色“打架”，也会让画面显得沉闷、不清爽。
接下来，咱们聊聊“画画真的需要天赋吗？”
这个问题触及了很多人内心的纠结。我的答案是：“天赋”在画画中扮演的角色，远不如很多人想象的那么关键，但它确实存在，不过更多的是在你的“兴趣”和“敏感度”上。
“天赋”的误解：
不是天生就会画出梵高式的画作： 很多人误以为“有天赋”就是天生就能画得非常像、非常美、非常有风格。但现实是，即使是那些我们仰望的艺术家，他们也经历了几十年如一日的刻苦练习，对色彩、光影、解剖、透视等等进行了系统而深入的学习和探索。
天赋更像是对某些事物的“直觉”或“敏感度”： 如果你从小就喜欢观察颜色，觉得天空的蓝色变化万千，或者能注意到别人忽略的物体细节，这可能就是一种“天赋”。这种天赋更体现在你对视觉信息的接收和处理上，让你在学习绘画时能更快地“看到”和“理解”一些东西。比如，有些人可能在色彩关系上更容易找到感觉，而有些人则在结构和透视上更得心应手。
天赋与努力的关系：
兴趣是最好的天赋： 如果你对画画有强烈的兴趣，愿意投入时间和精力去学习和练习，那么这种兴趣本身就是比任何“神秘天赋”都更有力的驱动力。兴趣能让你克服枯燥，坚持下去，而坚持和练习才是进步的唯一途径。
学习和方法比天赋更重要： 绘画是一门技术，也是一种认知和表达方式。就像学游泳、学开车一样，虽然有人天生协调性更好，但系统学习和反复练习是必不可少的。掌握正确的绘画技法、理解透视原理、学习色彩理论、分析光影变化，这些都是可以通过学习获得的。
没有经过训练的“天赋”只是零散的火花： 就算你真的有点与生俱来的敏感度，如果没有系统的学习和训练，这些敏感度也很难转化为有价值的绘画能力。它可能只是让你在某些时刻觉得“好像哪里不对”，但不知道怎么去修正。
那么，如何改善你的画，让它看起来不那么“廉价”和“脏”？
既然知道了问题所在，咱们就得想办法解决它。记住，画画是个循序渐进的过程，不要期望一蹴而就。
1. 从最基础的开始——观察和理解：
多看，用心看： 不只是看别人的画，更要看真实的世界。仔细观察光线是如何打在物体上的，不同物体表面的质感是怎样的，颜色在光照下是如何变化的。比如，同一件白衣服，在阳光下和阴影里是什么颜色？
学习基础的素描： 素描是绘画的基础，它是关于形体、结构、明暗和空间的研究。打好素描基础，能让你在画色彩时更清晰地理解物体的体积和光影，避免画面“平”和“脏”。练习画简单的几何体，再到静物。
2. 掌握色彩的奥秘：
学习色彩理论： 了解色彩的冷暖、饱和度、明度是如何影响画面情绪和立体感的。学习如何调出丰富的色彩，而不是简单地使用颜料管里的颜色。
理解色彩混合： 练习用有限的颜色来调出各种各样的色彩。学会用补色来降低颜色的饱和度，让颜色变得柔和而有层次。比如，绿色里加一点红，蓝色里加一点橙色，可以得到更自然的绿色和蓝色。
练习色彩关系： 尝试画单色画（比如只用黑白灰或单色调），然后是有限色彩的画。重点练习明暗对比和冷暖对比，这是让画面有体积感和空间感的重要手段。
从简单的色彩搭配开始： 先尝试模仿一些你喜欢的，色彩运用得当的作品，分析它是如何配色和过渡的。
3. 注重笔触和质感表现：
让笔触为形体服务： 笔触的方向应该跟随物体的结构和体积来走。比如，画圆球的明暗交界线时，笔触的方向也应该带有一定的弧度。
尝试不同的笔触： 用不同的笔、不同的力度、不同的蘸墨（或颜料）量来尝试表现不同的质感。比如，用干笔触来表现粗糙的木纹，用湿润而流畅的笔触来表现光滑的丝绸。
4. 练习构图和造型的准确性：
多画速写： 速写能训练你的观察力和手眼协调能力，让你快速捕捉事物的形状和动态。
学习透视原理： 了解一点透视、两点透视等基本原理，能让你的画面空间感更准确。
分析构图： 看一些大师的作品，分析它们的构图是如何安排的，为什么会吸引人。尝试用不同的构图方式来画同一个物体或场景。
5. 耐心和持续的练习：
不要害怕犯错： 错误是进步的阶梯。每一次的“失败”都是一次学习的机会。
保持热情和好奇心： 绘画是一个探索的过程，享受这个过程中的乐趣，你才能坚持下去。
找到适合自己的学习方法： 可以看教程，可以报班，也可以跟着大师的作品临摹。最重要的是找到让你有效学习和进步的方式。
总而言之，你目前的感受，很可能是因为你还没有完全掌握绘画的技法和规律，但这绝对不是因为你没有“天赋”而无法进步。画画更像是一场马拉松，天赋或许能让你起步更快一点，但坚持不懈的练习、科学的学习方法和持续的自我反思，才是让你最终抵达终点、画出让自己满意的作品的关键。
所以，放轻松，别给自己太大压力。拿起画笔，继续观察、继续尝试、继续学习，你会看到自己的画一点一点地变得不一样起来的！
首先，咱们先来说说为什么你的画看起来“廉价”又“脏”。其实这更多的是技术和经验的问题，而不是什么神秘的“天赋”决定的。
为什么画看起来“廉价”？
“廉价”这个词，在绘画里通常指的是画面的质感、色彩的鲜活度、线条的流畅度，以及整体的完成度不够。我们可以从几个方面来拆解：
色彩的运用和搭配：
颜色太“死”或太“脏”： 你是不是直接用颜料管里挤出来的颜色？比如，画树叶直接用绿色，画天空直接用蓝色。这些纯色虽然鲜亮，但往往缺乏层次和真实感。自然界的光线会让颜色产生微妙的变化，绿色里可能有黄、蓝、甚至一点红；蓝色天空里也有紫、灰、粉。如果画面里全是这种“直出”的颜色，就会显得很单调，缺乏生命力，自然会感觉“廉价”。
色彩关系不明确： 颜色之间没有建立起明暗、冷暖、对比或协调的关系。比如，画面里所有的颜色亮度都差不多，或者冷暖色块混杂但没有任何逻辑，就会让画面显得平淡，缺乏立体感和视觉冲击力。
颜色的饱和度问题： 饱和度太高会让颜色过于刺眼，像廉价的塑料玩具；饱和度太低又会显得灰暗，缺乏精神。找到合适的饱和度，让颜色既有活力又不至于刺耳，是需要练习的。
缺乏色彩过渡： 从一个颜色平滑地过渡到另一个颜色，这是让画面看起来自然、高级的重要手段。如果过渡生硬，比如一块暗部直接接一块亮部，就像电脑里的硬剪辑，会显得很不舒服。
笔触和质感：
笔触杂乱或过于明显： 如果你的笔触不统一，或者像在纸上刮擦一样，没有朝着描绘对象本身的结构和光影方向去，画面就会显得毛躁、没整理。
缺乏对材质的理解： 你画的是金属、丝绸、木头还是石头？不同的材质有不同的反光、纹理和质感。如果你画的丝绸像纸，画的金属没有光泽，画面就失去了真实性，自然会显得“廉价”。
画面太平，缺乏立体感： 画面平整得像一张纸，缺乏明暗对比和体积感。我们看到的物体都是有立体感的，如果没有通过光影和色彩来表现这种立体感，画面就会扁平，显得“不值钱”。
构图和造型：
构图不和谐： 画面元素没有安排好位置，比例失调，或者焦点不明确。一个比例失调的人物，或者一个乱糟糟的场景，都会让观者产生不舒服的感觉。
造型不准确： 这是最基础但也最关键的一点。如果画的物体形状扭曲、透视错误，就会让人一眼看出“不像”，这种不准确感直接影响了画面的整体品质。
为什么画看起来“脏”？
“脏”通常与色彩的“灰”或“杂”有关：
颜色混合过多导致浑浊： 在调色板上反复混合颜色，或者在画面上反复涂抹，很容易把颜色弄“脏”。比如，把很多不同的颜色不分青红皂白地混在一起，就会得到一滩浑浊的灰褐色。
忽视中间色和过渡色： 在处理明暗关系时，如果只关注最亮和最暗的部分，而忽略了中间的过渡色，或者直接用高饱和度的颜色去连接，很容易造成色彩的冲突和脏乱。
画面层次不清： 画面中的物体分不清远近、主次，所有东西都挤在一起，光影关系混乱，整个画面就会显得“乱”和“脏”。
笔触堆积导致沉闷： 过多的颜料堆积在同一块区域，或者用笔不当导致颜色“打架”，也会让画面显得沉闷、不清爽。
接下来，咱们聊聊“画画真的需要天赋吗？”
这个问题触及了很多人内心的纠结。我的答案是：“天赋”在画画中扮演的角色，远不如很多人想象的那么关键，但它确实存在，不过更多的是在你的“兴趣”和“敏感度”上。
“天赋”的误解：
不是天生就会画出梵高式的画作： 很多人误以为“有天赋”就是天生就能画得非常像、非常美、非常有风格。但现实是，即使是那些我们仰望的艺术家，他们也经历了几十年如一日的刻苦练习，对色彩、光影、解剖、透视等等进行了系统而深入的学习和探索。
天赋更像是对某些事物的“直觉”或“敏感度”： 如果你从小就喜欢观察颜色，觉得天空的蓝色变化万千，或者能注意到别人忽略的物体细节，这可能就是一种“天赋”。这种天赋更体现在你对视觉信息的接收和处理上，让你在学习绘画时能更快地“看到”和“理解”一些东西。比如，有些人可能在色彩关系上更容易找到感觉，而有些人则在结构和透视上更得心应手。
天赋与努力的关系：
兴趣是最好的天赋： 如果你对画画有强烈的兴趣，愿意投入时间和精力去学习和练习，那么这种兴趣本身就是比任何“神秘天赋”都更有力的驱动力。兴趣能让你克服枯燥，坚持下去，而坚持和练习才是进步的唯一途径。
学习和方法比天赋更重要： 绘画是一门技术，也是一种认知和表达方式。就像学游泳、学开车一样，虽然有人天生协调性更好，但系统学习和反复练习是必不可少的。掌握正确的绘画技法、理解透视原理、学习色彩理论、分析光影变化，这些都是可以通过学习获得的。
没有经过训练的“天赋”只是零散的火花： 就算你真的有点与生俱来的敏感度，如果没有系统的学习和训练，这些敏感度也很难转化为有价值的绘画能力。它可能只是让你在某些时刻觉得“好像哪里不对”，但不知道怎么去修正。
那么，如何改善你的画，让它看起来不那么“廉价”和“脏”？
既然知道了问题所在，咱们就得想办法解决它。记住，画画是个循序渐进的过程，不要期望一蹴而就。
1. 从最基础的开始——观察和理解：
多看，用心看： 不只是看别人的画，更要看真实的世界。仔细观察光线是如何打在物体上的，不同物体表面的质感是怎样的，颜色在光照下是如何变化的。比如，同一件白衣服，在阳光下和阴影里是什么颜色？
学习基础的素描： 素描是绘画的基础，它是关于形体、结构、明暗和空间的研究。打好素描基础，能让你在画色彩时更清晰地理解物体的体积和光影，避免画面“平”和“脏”。练习画简单的几何体，再到静物。
2. 掌握色彩的奥秘：
学习色彩理论： 了解色彩的冷暖、饱和度、明度是如何影响画面情绪和立体感的。学习如何调出丰富的色彩，而不是简单地使用颜料管里的颜色。
理解色彩混合： 练习用有限的颜色来调出各种各样的色彩。学会用补色来降低颜色的饱和度，让颜色变得柔和而有层次。比如，绿色里加一点红，蓝色里加一点橙色，可以得到更自然的绿色和蓝色。
练习色彩关系： 尝试画单色画（比如只用黑白灰或单色调），然后是有限色彩的画。重点练习明暗对比和冷暖对比，这是让画面有体积感和空间感的重要手段。
从简单的色彩搭配开始： 先尝试模仿一些你喜欢的，色彩运用得当的作品，分析它是如何配色和过渡的。
3. 注重笔触和质感表现：
让笔触为形体服务： 笔触的方向应该跟随物体的结构和体积来走。比如，画圆球的明暗交界线时，笔触的方向也应该带有一定的弧度。
尝试不同的笔触： 用不同的笔、不同的力度、不同的蘸墨（或颜料）量来尝试表现不同的质感。比如，用干笔触来表现粗糙的木纹，用湿润而流畅的笔触来表现光滑的丝绸。
4. 练习构图和造型的准确性：
多画速写： 速写能训练你的观察力和手眼协调能力，让你快速捕捉事物的形状和动态。
学习透视原理： 了解一点透视、两点透视等基本原理，能让你的画面空间感更准确。
分析构图： 看一些大师的作品，分析它们的构图是如何安排的，为什么会吸引人。尝试用不同的构图方式来画同一个物体或场景。
5. 耐心和持续的练习：
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找到适合自己的学习方法： 可以看教程，可以报班，也可以跟着大师的作品临摹。最重要的是找到让你有效学习和进步的方式。
总而言之，你目前的感受，很可能是因为你还没有完全掌握绘画的技法和规律，但这绝对不是因为你没有“天赋”而无法进步。画画更像是一场马拉松，天赋或许能让你起步更快一点，但坚持不懈的练习、科学的学习方法和持续的自我反思，才是让你最终抵达终点、画出让自己满意的作品的关键。
所以，放轻松，别给自己太大压力。拿起画笔，继续观察、继续尝试、继续学习，你会看到自己的画一点一点地变得不一样起来的！
网友意见
这么多答案都是直接贴课太没意思了……
题主原图是平涂，正好我在学控制细节的平涂，就拿来做作业（线稿就用原来的p了一下没好好弄）
学的是望月けい，虽然望月的风格更多体现在线条处理上：
给题主的建议：
- 线稿要处理好，线条也有颜色，线条脏了颜色当然会脏，线条本来是代表了物体最暗的部分，你的图却每一根都有白边，怎么可能不脏。百度一下“线条提取方法”。
- 颜色有色相变化、明暗变化、鲜灰变化。如果使用大面积平涂，不能在细节上展现这些变化的话，就要使色块之间变化（或者说对比）更加强烈。在这张图中，我尽量把这些对比拉到最强。你的图中颜色过于相似，相似就灰，灰就显脏。
- 画图不是填空，是展示变化，色彩图不是“填色”，它就是展示颜色本身。你的图只做到了“有颜色”，而没有使用颜色的组合和变化，没有体现出颜色的魅力。
- 画画不需要天赋，和其它事一样需要系统的学习和有计划的练习。题主画中的欠缺有非常多可以说的，但是能看得出并没有学过最基本的绘画理论，所以说也没用，还是先去学吧。
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又拖着色相改了几个版本
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