为什么我画的厚涂没有氛围感 像彩色的素描？
你有没有遇到过这种情况？辛辛苦苦画完一幅厚涂，自己看着总觉得少了点什么，色彩明明丰富，但就是透着一股“干”劲，像是把颜色堆在画布上，而不是让它们在画面里呼吸。感觉就像是给素描上了个颜色，色彩虽然在那里，却没能真正“活”起来，更别提什么氛围感了。
这就像做菜，你把各种上好的食材一股脑儿扔锅里，调料也放齐了，但最后尝起来就是寡淡无味，少了那种勾人魂魄的香味，让人忍不住想多吃几口。画厚涂也一样，颜色的堆叠、笔触的运用，光影的塑造，这些都是“食材”，而“氛围感”就是那股让整道菜活色生香的“灵魂”。
为什么你的厚涂会像是“彩色的素描”？咱们一点点捋清楚，别急。
1. 色彩运用上的“直给”与“含蓄”
“彩色的素描”： 这种情况，你可能更多的是把颜色当做“固有色”来填充。比如，看到红色的苹果，你就直接涂上红色；看到绿色的叶子，就直接涂上绿色。这种画法，色彩的运用非常直接，缺乏层次和变化，很容易让人觉得“就是这个颜色”，而不是“这个光线下的颜色”。
厚涂的氛围感： 氛围感往往来源于色彩的微妙变化和相互影响。这需要你理解“色彩的真实性”不等于“固有色”。
环境色： 你的对象周围的环境是什么颜色？这些颜色会“反射”到你的对象上，让本应是红色的苹果，在黄色的灯光下，边缘可能泛着暖黄；在蓝色的阴影里，可能带着一丝冷调。
光线色： 光本身是有颜色的。温暖的夕阳会让整个画面都染上一层金黄，冷冽的月光则会带来清冷的蓝色调。你的画面色彩应该随着光线的变化而变化，而不是死守固有色。
色彩的对比与协调： 强烈的色彩对比能带来视觉冲击，但要注意“邻近色”的影响。相邻的颜色会相互影响，冷暖对比、明暗对比，这些都在塑造画面整体的氛围。比如，在画面的一角画上一抹暖黄，就能让周围的冷色调显得更加突出，也给画面增添一份温馨。
2. 光影塑造的“平面”与“立体”
“彩色的素描”： 在厚涂中，如果你只是简单地用亮部、暗部来划分，或者把受光面和背光面用两种颜色简单区分开，那也容易显得平。就像素描里，你用明暗交界线把物体一分为二，虽然有了立体感，但如果处理不好，还是会显得生硬。
厚涂的氛围感： 光影的丰富性是营造氛围的关键。
细腻的光影过渡： 厚涂的优势在于笔触可以细腻地连接明暗。使用笔触的柔和过渡，让光影的变化更加自然、圆润。想想看，从最亮的地方到最暗的地方，颜色是如何一点点变化的？不要跳跃，要用笔触“抚摸”过去。
微妙的色彩变化： 光影不仅仅是明暗的变化，更是色彩的变化。受光面可能被温暖的光染成黄色，而背光面，即使是物体本身的颜色，也可能因为环境色（比如地面的绿色反射）而带上一点绿色。阴影也不是一片死黑，而是有颜色的，可能是深蓝色、紫色，甚至带着周围环境的颜色。
高光和反光： 高光是点亮画面的灵魂，但也要处理得恰到好处，它能体现材质的质感。反光则让物体不再是孤立存在，而是与周围环境有了联系。一个光滑的物体，不仅会被光源照亮，也会反射出周围的颜色。
3. 笔触的“痕迹”与“语言”
“彩色的素描”： 厚涂的笔触本身就很有表现力。如果你的笔触只是平铺直叙，为了填充颜色而存在，那就容易失去厚涂的魅力。这种笔触可能显得“硬”，没有方向性，甚至有些杂乱，但这种杂乱不是有意的，而是缺乏控制。
厚涂的氛围感： 笔触是厚涂的“呼吸”，是情感的载体。
笔触的方向性： 笔触的方向应该跟着物体的形体走，引导观者的视线。比如，画一个圆形的物体，笔触也应该带有弧度。这样，即使是纯粹的颜色堆叠，也能传递出物体的体积感。
笔触的肌理感： 厚涂的颜料堆叠本身就能形成肌理。运用不同大小、软硬的笔刷，或者用调色刀，可以创造出丰富的肌理效果，这些肌理会影响光线的反射，让画面更有质感。
笔触的情感表达： 艺术家在创作时，往往会通过笔触来表达自己的情绪。有时是细腻的、温柔的，有时是激昂的、有力的。观察那些有氛围感的厚涂作品，你会发现，即使是同一个颜色，不同的笔触也会带来完全不同的感觉。
4. 景深与空间感的“缺失”
“彩色的素描”： 如果你画的厚涂，所有物体都像贴在同一块画布上，没有远近、前后之分，那自然就谈不上什么氛围感了。画面会显得扁平，缺乏呼吸的空间。
厚涂的氛围感： 营造景深和空间感，能让画面“透气”，更具感染力。
色彩的冷暖与明暗： 通常来说，暖色调会向前，冷色调会向后。明亮的物体会显得更近，暗的物体会显得更远。在厚涂中，你可以利用这个原理，让前景的物体色彩更鲜明、更暖，背景的物体则可以适当虚化，色彩可以偏冷、偏灰。
细节的虚实处理： 前景的物体可以画得更精细、更实，而远景的物体则可以处理得更概括、更虚。笔触也可以相应地变得模糊一些。
空气透视： 远处的物体，其色彩会受到空气中的粒子影响，变得更灰、更浅，饱和度降低。在厚涂中，你可以通过在远景中加入一些灰调或环境色来模拟这种效果。
那具体该怎么做呢？
多观察，多思考： 拿出你喜欢的，有氛围感的厚涂作品，仔细分析它是怎么做到这一点的。光线是怎么打的？颜色是怎么变化的？笔触有什么特点？
从素描基础入手： 厚涂不是不要素描，而是把素描的体积、结构、光影关系，用更丰富的色彩和笔触来表达。先把素描打扎实，理解了物体的造型，再往上叠加色彩，会更有依据。
做色彩小稿： 在正式开始厚涂之前，可以先画一些小幅的色彩小稿，探索不同的色彩搭配和光影处理方式，找到最适合当前主题的氛围。
大胆尝试，但要有控制： 厚涂的魅力在于颜色的堆叠和笔触的运用，所以大胆尝试很重要。但同时也要有控制，让每一次落笔都有目的。
学会“加灰”： 很多时候，画面色彩过于鲜艳，反而会显得“脏”或“不自然”。适当地在某些颜色中加入一些灰调，可以压制过于刺眼的色彩，让画面更柔和、更有层次。
利用滤镜和叠加： 在后期，有时候也可以通过一些色彩滤镜或者图层叠加的方式来微调画面的整体氛围，比如增加一层暖色调的叠加，或者调整色相饱和度。但这只是辅助手段，最终的氛围感还是需要通过绘画本身来体现。
总而言之，厚涂的氛围感，不是一蹴而就的，它需要你对色彩、光影、笔触都有深刻的理解和熟练的运用。把它当做一次与色彩的深度对话，让你的笔触成为倾诉的语言，你就能逐渐画出有灵魂、有故事的厚涂作品。下次再画的时候，试着多问问自己：我想要传达什么样的感觉？这束光会给物体带来什么样的色彩变化？我的笔触能否更好地塑造形体和情绪？你会发现，答案就在你的画笔下。
这就像做菜，你把各种上好的食材一股脑儿扔锅里，调料也放齐了，但最后尝起来就是寡淡无味，少了那种勾人魂魄的香味，让人忍不住想多吃几口。画厚涂也一样，颜色的堆叠、笔触的运用，光影的塑造，这些都是“食材”，而“氛围感”就是那股让整道菜活色生香的“灵魂”。
为什么你的厚涂会像是“彩色的素描”？咱们一点点捋清楚，别急。
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“彩色的素描”： 这种情况，你可能更多的是把颜色当做“固有色”来填充。比如，看到红色的苹果，你就直接涂上红色；看到绿色的叶子，就直接涂上绿色。这种画法，色彩的运用非常直接，缺乏层次和变化，很容易让人觉得“就是这个颜色”，而不是“这个光线下的颜色”。
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环境色： 你的对象周围的环境是什么颜色？这些颜色会“反射”到你的对象上，让本应是红色的苹果，在黄色的灯光下，边缘可能泛着暖黄；在蓝色的阴影里，可能带着一丝冷调。
光线色： 光本身是有颜色的。温暖的夕阳会让整个画面都染上一层金黄，冷冽的月光则会带来清冷的蓝色调。你的画面色彩应该随着光线的变化而变化，而不是死守固有色。
色彩的对比与协调： 强烈的色彩对比能带来视觉冲击，但要注意“邻近色”的影响。相邻的颜色会相互影响，冷暖对比、明暗对比，这些都在塑造画面整体的氛围。比如，在画面的一角画上一抹暖黄，就能让周围的冷色调显得更加突出，也给画面增添一份温馨。
2. 光影塑造的“平面”与“立体”
“彩色的素描”： 在厚涂中，如果你只是简单地用亮部、暗部来划分，或者把受光面和背光面用两种颜色简单区分开，那也容易显得平。就像素描里，你用明暗交界线把物体一分为二，虽然有了立体感，但如果处理不好，还是会显得生硬。
厚涂的氛围感： 光影的丰富性是营造氛围的关键。
细腻的光影过渡： 厚涂的优势在于笔触可以细腻地连接明暗。使用笔触的柔和过渡，让光影的变化更加自然、圆润。想想看，从最亮的地方到最暗的地方，颜色是如何一点点变化的？不要跳跃，要用笔触“抚摸”过去。
微妙的色彩变化： 光影不仅仅是明暗的变化，更是色彩的变化。受光面可能被温暖的光染成黄色，而背光面，即使是物体本身的颜色，也可能因为环境色（比如地面的绿色反射）而带上一点绿色。阴影也不是一片死黑，而是有颜色的，可能是深蓝色、紫色，甚至带着周围环境的颜色。
高光和反光： 高光是点亮画面的灵魂，但也要处理得恰到好处，它能体现材质的质感。反光则让物体不再是孤立存在，而是与周围环境有了联系。一个光滑的物体，不仅会被光源照亮，也会反射出周围的颜色。
3. 笔触的“痕迹”与“语言”
“彩色的素描”： 厚涂的笔触本身就很有表现力。如果你的笔触只是平铺直叙，为了填充颜色而存在，那就容易失去厚涂的魅力。这种笔触可能显得“硬”，没有方向性，甚至有些杂乱，但这种杂乱不是有意的，而是缺乏控制。
厚涂的氛围感： 笔触是厚涂的“呼吸”，是情感的载体。
笔触的方向性： 笔触的方向应该跟着物体的形体走，引导观者的视线。比如，画一个圆形的物体，笔触也应该带有弧度。这样，即使是纯粹的颜色堆叠，也能传递出物体的体积感。
笔触的肌理感： 厚涂的颜料堆叠本身就能形成肌理。运用不同大小、软硬的笔刷，或者用调色刀，可以创造出丰富的肌理效果，这些肌理会影响光线的反射，让画面更有质感。
笔触的情感表达： 艺术家在创作时，往往会通过笔触来表达自己的情绪。有时是细腻的、温柔的，有时是激昂的、有力的。观察那些有氛围感的厚涂作品，你会发现，即使是同一个颜色，不同的笔触也会带来完全不同的感觉。
4. 景深与空间感的“缺失”
“彩色的素描”： 如果你画的厚涂，所有物体都像贴在同一块画布上，没有远近、前后之分，那自然就谈不上什么氛围感了。画面会显得扁平，缺乏呼吸的空间。
厚涂的氛围感： 营造景深和空间感，能让画面“透气”，更具感染力。
色彩的冷暖与明暗： 通常来说，暖色调会向前，冷色调会向后。明亮的物体会显得更近，暗的物体会显得更远。在厚涂中，你可以利用这个原理，让前景的物体色彩更鲜明、更暖，背景的物体则可以适当虚化，色彩可以偏冷、偏灰。
细节的虚实处理： 前景的物体可以画得更精细、更实，而远景的物体则可以处理得更概括、更虚。笔触也可以相应地变得模糊一些。
空气透视： 远处的物体，其色彩会受到空气中的粒子影响，变得更灰、更浅，饱和度降低。在厚涂中，你可以通过在远景中加入一些灰调或环境色来模拟这种效果。
那具体该怎么做呢？
多观察，多思考： 拿出你喜欢的，有氛围感的厚涂作品，仔细分析它是怎么做到这一点的。光线是怎么打的？颜色是怎么变化的？笔触有什么特点？
从素描基础入手： 厚涂不是不要素描，而是把素描的体积、结构、光影关系，用更丰富的色彩和笔触来表达。先把素描打扎实，理解了物体的造型，再往上叠加色彩，会更有依据。
做色彩小稿： 在正式开始厚涂之前，可以先画一些小幅的色彩小稿，探索不同的色彩搭配和光影处理方式，找到最适合当前主题的氛围。
大胆尝试，但要有控制： 厚涂的魅力在于颜色的堆叠和笔触的运用，所以大胆尝试很重要。但同时也要有控制，让每一次落笔都有目的。
学会“加灰”： 很多时候，画面色彩过于鲜艳，反而会显得“脏”或“不自然”。适当地在某些颜色中加入一些灰调，可以压制过于刺眼的色彩，让画面更柔和、更有层次。
利用滤镜和叠加： 在后期，有时候也可以通过一些色彩滤镜或者图层叠加的方式来微调画面的整体氛围，比如增加一层暖色调的叠加，或者调整色相饱和度。但这只是辅助手段，最终的氛围感还是需要通过绘画本身来体现。
总而言之，厚涂的氛围感，不是一蹴而就的，它需要你对色彩、光影、笔触都有深刻的理解和熟练的运用。把它当做一次与色彩的深度对话，让你的笔触成为倾诉的语言，你就能逐渐画出有灵魂、有故事的厚涂作品。下次再画的时候，试着多问问自己：我想要传达什么样的感觉？这束光会给物体带来什么样的色彩变化？我的笔触能否更好地塑造形体和情绪？你会发现，答案就在你的画笔下。
网友意见
额，分享下我的愚见吧。
其实我倒是建议题主先练练素描，因为这几幅画素描关系上都有问题。结构不对。
然后色彩太单一了，皮肤上明暗部只有明度上的变化，没有色彩上的变化。而且色彩是依附在正确的素描关系上的。
（我年前画的，现在看好多毛病(つд⊂)，我靠我好菜啊。）
眼睛画的还凑合_(:з」∠)_。素描关系还行，色彩比较丰富。
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