如何评价2021年7月新番《漂流少年（SONNY BOY）》？
风格上的极致探索：复古美学的独舞
首先，必须提的是《漂流少年》那令人过目难忘的视觉风格。它采用了极其复古的色彩运用和线条勾勒，仿佛是从上世纪七八十年代的独立动画或某些实验电影中走出来的一般。那种略带颗粒感的画面质感，饱和度不高却又精准拿捏的色彩搭配，以及时不时出现的低保真效果，都营造出一种疏离而怀旧的氛围。这种风格并非简单的复古模仿，而是与故事的主题和情感表达相辅相成，为观众提供了一个完全不同于主流动画的视觉窗口。
角色设计也十分特别。他们大多有着一双略显空洞的眼睛，面部表情变化不多，但恰恰是这种“空白”，让观众更容易将自己的情感和解读投射到他们身上。简单的服装和发型，也强调了他们作为“漂流者”的某种本质——被剥离了熟悉的身份标签，如同白纸一般漂浮在未知的水域。
叙事上的挑战：碎片化与多义性
《漂流少年》在叙事上可以说是对传统线性叙事的一次大胆挑战。故事围绕着一群突然发现自己身处一个神秘而不断变化的“大海”中的少年少女展开。他们失去了记忆，也失去了家园，唯一的目标就是寻找回家的路。然而，这条路并非一条笔直的隧道，而是一个个充满奇观和诡异事件的岛屿，每一次的抵达都意味着新的未知和新的考验。
这种非线性、碎片化的叙事方式，让剧情的发展显得跳跃且难以预测。观众需要不断地拼凑信息，理解那些象征意义大于实际作用的事件。每一集都可能是一个独立的小故事，有自己的逻辑和哲学内核，但它们之间又并非完全割裂，而是通过少年少女们共同的经历和某种潜在的联系被串联起来。
这种处理方式，对于习惯了强情节驱动的观众来说，无疑是一种巨大的考验。你很难抓住一个清晰的主线故事，也很难对角色的命运产生强烈的代入感。更多的时候，你是在感受一种状态，一种迷失、寻找、以及在极端环境下的人性反应。
主题上的深刻挖掘：存在、记忆与自由
《漂流少年》最吸引人的地方，在于它所探讨的深刻主题。它不是在讲一个简单的冒险故事，而是在借少年们的漂流，去反思一些关于存在的根本问题。
存在的意义与虚无感： 少年们被抛入一个没有根基的世界，他们失去了过去，对未来也一无所知。这种“被抛置”的状态，正是存在主义哲学中一个重要的概念。他们存在的意义是什么？当一切都变得不稳定和不可靠时，他们如何找到自己的价值？动画中许多场景都充满了虚无感，比如那个没有生命的游乐园，那些只会重复简单行为的人偶，都仿佛是对现实世界某种荒谬性的隐喻。
记忆的构建与身份认同： 失去记忆是少年们面临的首要困境。记忆是构成我们身份认同的重要基石，没有记忆，我们就如同漂浮在空中的幽灵。动画中反复出现“找回记忆”的线索，但即便他们找回了一些碎片，也常常与现实产生冲突，甚至带来新的痛苦。这让我们思考，我们所认同的“自我”，究竟有多少是真实的经历，又有多少是后天构建的叙事？
自由与选择的边界： 在这个看似充满无限可能的漂流世界里，少年们却往往面临着被动的选择，或者根本没有选择。每一个岛屿都有其独特的规则和威胁，他们必须在有限的选项中做出决定。当他们试图反抗规则，或者追求某种“自由”时，往往会带来更深远的后果。这种对自由与选择的探讨，既是对个体困境的映射，也是对社会规则的反思。
人与人之间的联结与隔阂： 尽管他们是同一批漂流者，但少年少女们之间的关系也并非总是和谐。在极端环境下，人性的复杂面会暴露无遗，信任、背叛、依恋、疏离都交织在一起。他们需要彼此才能生存，但又常常因为个体之间的差异和各自的执念而产生隔阂。
音乐与氛围：灵魂的低语
《漂流少年》的配乐同样是其风格化表达的重要组成部分。它常常使用一些带有合成器音色的、略显空灵的音乐，与画面的复古感相得益彰，共同营造出一种既疏离又迷离的氛围。这种音乐并非用来渲染高潮迭起的剧情，而是更像是一种情绪的烘托，一种潜意识的引导，让观众在平静中感受内心的波澜。
总结：一部需要用心去“感受”的作品
总而言之，《漂流少年》是一部注定不会讨好所有人的动画。它是一部需要你放下功利心，敞开心扉去“感受”的作品。如果你愿意投入时间和精力去理解它那些晦涩的比喻，去品味它独特的视觉语言，去思考它抛出的那些哲学命题，那么它会回报给你一份与众不同的艺术享受。
它或许不是你期待的那种热血冒险，也不是那种轻松搞笑的日常，但它绝对是一部有野心、有灵魂、有思考的动画。它像一首悠扬却又带着一丝不安的歌，在你的脑海中回荡，让你在观影结束后，仍然会忍不住去回味那些片段，去揣摩那些未曾说破的意味。这本身，就是一部好作品的价值所在。
网友意见
能在2021年看到这样一部作品还是挺让我感到意外的，sonny boy如果放在二十年前肯定算不上什么能让人眼前一亮的作品，但在现在的大环境当中就显得太难能可贵了。
就我个人查找到的信息，本作似乎并没有成立制作委员会，导演夏目真悟还包办了编剧工作，制片人福士裕一郎告诉他完全按照自己的想法去拍一部作品，他也确实这么去做了。从第一集播出开始观众就觉得sonny boy的表现手法与众不同，而且不太好看懂。也有专业人士分析本作的分镜构图，认为违反了一般创作原则，其轴线、转场、空间设计都是有问题的，同时大段用台词输出信息，作为影像作品并不是高明的做法。
但多数人包括这些分析者在内，都不觉得夏目真悟是不懂这些规则，毕竟把他当导演拍出的作品（太空丹迪、一拳超人）拿出来展示一下，就算再婆罗门的观众也得承认他的才华。那么就只能指向一个结论——夏目真悟是有意为之。故意违反一般的创作原则，这么做的目的是为了探索新的表现手法，而这样的动画一般被称为实验性动画。
实验性动画在本世纪10年代之后就已经几乎销声匿迹，上一个井喷的时代是90年代后期本世纪初期，其出现的原因包括EVA带来巨大反响、互联网开始兴起、数码扫描取代赛璐珞上色等。这期间出现的玲音、非常偶像Key、幻影死神都有着浓厚的实验性质，演出手法和剧情编排独树一帜，是在为动画表现探索可能性。当然，这些动画也存在剧情晦涩，镜头诡异等各种各样的问题，总的来说属于是稚嫩不成熟的作品。
而这些探索也会影响到同一时期的其他作品，例如大家熟悉的1999年出品的数码宝贝，里面就充满了各种神棍一般的剧情，尤其是滚球兽在东京以及围绕八神光这个角色的诸多谜团，甚至连bgm波莱罗舞曲以及光明与希望也充满了宗教的神秘感。而第三部驯兽师之王干脆直接继承了来自玲音当中的诸多主题，连结局都是偏悲剧向的开放式剧情。这样的表现手法在如今的子供向动画里是不可能出现的，拿去年开播的数码宝贝重启版作对比就十分明显。
甚至于09年的白色相簿1里还能感受到这种来自实验动画的开创气息，里面诸多的语言镜头和角色独白在如今成熟的日本商业动画里是无法见到的，它们展现了日本动画的另一种可能，也就是动画原来是可以这样拍的。但这些独特的表达在日本动画这个载体从小众变得大众之后便逐渐消失了，其差别宛如欧洲电影和美国电影。
实验性动画式微的原因是多方面的，制作委员会模式的推广导致创作者话语权进一步缩减，作品主创必须更多去在一作品的商业成绩。OVA市场的大幅缩水加上独立动画人的减少，使得非商业动画最后的避风港也逐渐消失。最近这些年除了日本动画人博览会这种短片集之外，已经很少能找得到带有实验性的动画。
当今的动画在表达方式上都显得无限趋近，除开新房昭之等少数可以掌控作品的导演之外大都沿用相似的演出模式，这一套模式是前辈们经过多年摸索试探出来的成熟手法。但学过生物的都知道，当细胞分化到成熟阶段后，其本身所具备的进化可能性也就消失了。一集动画要有几个高潮点，分别出现在第几分钟，构图转场和旁白解说要遵循怎样的规则，第几集要有转折，第几集要有福利，这些东西如果一早就制定好了，那么作品本身真的能算是创作者自己所打算完成的？
如果要问sonny boy这部作品最大的价值在什么地方，那就是让我看到了如今日本动画界年轻一代的导演依然有人在努力重置这种可能性，只要还有这样的人，日本动画就不会停止成长。
夏目真悟出生于1980年，青少年时期正是实验动画盛行的时候。不知道是有意还是无意，他的上一部作品不吉波普不笑正是00年的一部晦涩难懂的意识流作品幻影死神的新版本，而夏目真悟在访谈中提到本作有意还原一种90年代作品的怀旧感。而关于演出手法的问题，夏目也提到自己故意没有遵循影像和TV动画语法去制作，而成品的晦涩程度连自己都感到惊讶，那么本作的实验性并非被动而是主动产生的。
关于作品的剧情和主题，每一集更新时都有许多观众在进行分析，有从中领悟到人与人之间的关系，有领悟到虚幻与现实的联系，有领悟到学校里的社会关系，甚至有领悟到哲学命题和人类的现代性危机的。我之前也随大流谈了一些自己的感想。
但实际上我根本不知道作者到底想表达什么，我也觉得没必要去深究出一个标准答案，夏目或许只是想讲一个少年成长的故事也说不定，但能从作品里引申出观众自己的思考，那本身也可以算作是作品存在的一种价值。夏目也在访谈中说观众按照自己的想法去分析就好，完全没有必要让大家了解一切，如果能让观众感受到哪怕是一种难以用语言表达的情感，自己觉得就算是成功了。这让我想起宫崎骏曾经说过创作者没必要追求让观众全盘理解自己的想法，对于观众而言，看不懂也是一种重要的体验。
然而现实是，现在已经很少出现这种能够引发观众深思的作品，所有动画都在追求更低的观赏门槛，力求让作品更加浅显易懂，观众只看两分钟甚至只看标题就能掌握作品的大致内容。在这种环境下，像本作这种故意抬高理解门槛，让观众每一集甚至每一分钟都要聚精会神，看完之后也感到怅然若失的动画就充满了反商业的属性。
这让我想起前段时间动画学术趴做的聊天节目里，一位从90年代过来的工作人员说自己当年对用低俗内容刺激讨好观众的作品是比较抵触的，自己看动画时会比较在意作品想表达的内涵。但另一位出生较晚的工作人员则表示自己没有这样的想法，比较能接受动画作为纯娱乐产品的属性。这除了能体现不同年代之间动画爱好者的心态差异，也能体现不同年代动画作品本身的差异吧。
当然我觉得没必要叹息sonny boy这样的作品不火，因为这本身只是一部不成熟的实验性作品，小范围的讨论更适合它的存在。否则我能够预料到讨论走向很快会变更到奇怪的地方（光最后一集对许多人而言就足够爆炸了），作品的口碑评分也不可能保持下去。
作者追求的也不是它能火，就像长良回到了自己所不期望的世界，但仍然接受了这一切。世界能够满足自己的愿望当然好，但这并不真实。
此外本作的出品公司madhouse是一家曾经制作过大量经典作品的动画公司，艺术风格也非常前卫，今敏和汤浅政明等动画大师就是该公司所发掘。可惜2010年左右遭遇经营危机，精英出走后创建了mappa，使得madhouse从此衰落。最近两年madhouse又有了一些复苏的迹象，日前还宣布夏目真悟将执导四叠半神话大系的续作，不得不说都是比较让人振奋的消息。
我觉得这部作品本身就像是这个问题下的诸多优秀回答。答主们耐心拉片，反复思考，费劲心力撰写长文，但只能拿到不到一百个赞，如果去热门领域发泄一下情绪就会有千赞甚至万赞。但要是问这些答主自己做的事是否不值，他们多半不会在意这种问题，因为自己喜欢这部作品。
从创作者的角度来说，假设只能纠结于生存的问题，那么作品本身便没有了价值，创作者应该追求的是经历时间洗涤后还能保存下来的东西。
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