艺术家有没有义务让别人看懂你的作品？
这个问题可太有意思了，也是我这些年一直在琢磨的一个事儿。让别人看懂，这事儿艺术家好像有这个“义务”，但这个“义务”到底有多重，又该怎么去“完成”，这就有点复杂了。
首先，咱们得掰扯掰扯“看懂”这俩字。在你理解里，什么叫“看懂”？是把画面上的符号、颜色、线条都一一对应上某个具体意思？还是能感受到艺术家想表达的情绪、观念，哪怕那种感受是模糊的、个人的？
如果“看懂”是指字面上的、一目了然的叙事，那很多当代艺术，甚至很多经典艺术，可能就都没法“看懂”了。比如一幅抽象画，艺术家可能就是单纯在玩色彩和笔触，他想表达的是一种纯粹的视觉感受，或者是一种内在的情绪激荡。如果你非要在这幅画里找一个具体的故事、一个明确的“道理”，那可能就跟艺术家的初衷“南辕北辙”了。
所以，我的看法是，艺术家有没有义务让别人看懂，取决于他创作的初衷以及他对“看懂”的定义。
1. 创作初衷：诉说还是探索？
如果艺术家想要“诉说”： 很多时候，艺术家创作是为了表达某个观点、讲述一个故事、揭示某个社会现象。在这种情况下，他当然希望他的作品能够被理解，能够引起共鸣，甚至引发思考。这就像作家写小说，作者希望读者读懂他笔下的人物命运、情节发展，并从中获得某种启示。这时，艺术家就有了一种“传达”的义务。他会更倾向于使用更容易被理解的视觉语言，或者会通过展览说明、访谈等方式来辅助观众理解。
如果艺术家想要“探索”： 也有很多艺术家，他们创作的过程本身就是一种探索。他们在尝试新的材料、新的技法，或者在挑战已有的观看方式。他们可能在探索的是自己的潜意识，是某种抽象的哲学概念，或者是某种前所未有的情感体验。这种探索，很多时候连艺术家自己都无法完全预知结果，更何况是直接“告知”观众。他们的作品可能更像是一种“邀请”，邀请观众一起进入这个探索的过程，用自己的方式去感受、去解读。在这种情况下，强求观众“看懂”，反而可能限制了观众的想象力，也扼杀了作品的可能性。
2. “看懂”的边界：解读还是解码？
解读： 我更倾向于把“看懂”理解为“解读”。艺术品不是密码，不需要一把万能钥匙去“解码”。它更像是一扇窗户，透过这扇窗户，你可以看到艺术家看到的世界，或者感受到他感受到的一切。但你看到的，和你自己过去的经历、你的知识背景、你的情绪状态相结合，就会形成你独特的“解读”。
比如，看到一幅描绘孤独的画，有的人可能会联想到自己曾经的孤单时刻，而有的人可能会觉得画面色彩的运用很特别，带给他一种宁静感。这两种解读，对艺术家来说，可能都是有意义的。他未必要求你“跟我一样”感受到孤独，他可能只是想用画面触动你的某个点，无论那个点是什么。
艺术家的“责任”： 那么，艺术家的“责任”在哪里呢？我认为，艺术家有责任诚实地创作，并且在条件允许的情况下，为自己的作品提供一种可能的进入方式。
诚实创作： 这意味着艺术家要忠于自己的感受和想法，不要为了迎合观众或者迎合某种潮流而扭曲自己的表达。如果你想画一堆意义不明的线条，那就画，只要你是真诚地在这样做，那么这本身就是一种表达。
提供进入方式： 这并不意味着艺术家必须写一篇洋洋洒洒的论文来解释他的作品。有时候，一个简单的标题，一个展览的整体氛围，一次艺术家和观众的简单交流，就足够了。很多时候，艺术家只是提供了一个“引子”，后续的“故事”需要观众自己去续写。
3. 观众的角色：被动接受还是主动参与？
你有没有想过，观众在“看懂”这件事上，扮演着怎样的角色？
被动接受： 如果我们期望艺术家把一切都“喂”到嘴边，那艺术就失去了很多乐趣。很多时候，观众需要付出一些努力，去学习、去感受、去思考，才能真正地“进入”到艺术作品里。这有点像看一部需要动脑筋的电影，你不能指望导演把所有情节都安排得明明白白，你自己的思考和推理也是观影体验的重要部分。
主动参与： 优秀的艺术品，往往能够激发观众的主动参与。它可能抛出一个问题，留下一个悬念，或者呈现一种模棱两可的状态，然后邀请观众来填补其中的空白。这种“参与”，本身就是一种“看懂”。
4. 艺术家的“非义务”：不被“看懂”也可能是价值
更进一步说，有时候，一个作品“不被看懂”，本身也可能是一种价值。
挑战和颠覆： 很多伟大的艺术，在诞生之初都曾被误解、被诟病。它们挑战了当时的审美习惯，颠覆了既有的观念。如果这些艺术家都屈服于“让别人看懂”的压力，那可能就没有印象派、没有立体主义、没有超现实主义了。
保持独立性： 艺术的生命力，很大程度上在于它的独立性和某种程度的“不可捉摸”。如果艺术作品都被“标准化”、“流程化”，都能被轻易“翻译”成大众都能理解的语言，那艺术的魅力也就大打折扣了。
所以，我的结论是：
艺术家没有绝对的、强制性的义务去让每一个人都“看懂”他的作品。但艺术家有责任去诚实地表达自己，并且在可能的情况下，为观众提供一些引导和可能性。
“看懂”不是终点，而是一种连接。艺术家通过作品与观众建立联系，这种联系可能是直接的、情绪化的，也可能是间接的、思考性的。而这种连接的建立，往往需要艺术家和观众双方的共同努力。
最终，艺术家的作品，或许更像是抛入大海的一颗石子，它会激起涟漪，但涟漪会扩散到哪里，触碰到哪些海岸，艺术家自己也无法完全预知，也无法完全控制。而这，恰恰是艺术的魅力所在。
首先，咱们得掰扯掰扯“看懂”这俩字。在你理解里，什么叫“看懂”？是把画面上的符号、颜色、线条都一一对应上某个具体意思？还是能感受到艺术家想表达的情绪、观念，哪怕那种感受是模糊的、个人的？
如果“看懂”是指字面上的、一目了然的叙事，那很多当代艺术，甚至很多经典艺术，可能就都没法“看懂”了。比如一幅抽象画，艺术家可能就是单纯在玩色彩和笔触，他想表达的是一种纯粹的视觉感受，或者是一种内在的情绪激荡。如果你非要在这幅画里找一个具体的故事、一个明确的“道理”，那可能就跟艺术家的初衷“南辕北辙”了。
所以，我的看法是，艺术家有没有义务让别人看懂，取决于他创作的初衷以及他对“看懂”的定义。
1. 创作初衷：诉说还是探索？
如果艺术家想要“诉说”： 很多时候，艺术家创作是为了表达某个观点、讲述一个故事、揭示某个社会现象。在这种情况下，他当然希望他的作品能够被理解，能够引起共鸣，甚至引发思考。这就像作家写小说，作者希望读者读懂他笔下的人物命运、情节发展，并从中获得某种启示。这时，艺术家就有了一种“传达”的义务。他会更倾向于使用更容易被理解的视觉语言，或者会通过展览说明、访谈等方式来辅助观众理解。
如果艺术家想要“探索”： 也有很多艺术家，他们创作的过程本身就是一种探索。他们在尝试新的材料、新的技法，或者在挑战已有的观看方式。他们可能在探索的是自己的潜意识，是某种抽象的哲学概念，或者是某种前所未有的情感体验。这种探索，很多时候连艺术家自己都无法完全预知结果，更何况是直接“告知”观众。他们的作品可能更像是一种“邀请”，邀请观众一起进入这个探索的过程，用自己的方式去感受、去解读。在这种情况下，强求观众“看懂”，反而可能限制了观众的想象力，也扼杀了作品的可能性。
2. “看懂”的边界：解读还是解码？
解读： 我更倾向于把“看懂”理解为“解读”。艺术品不是密码，不需要一把万能钥匙去“解码”。它更像是一扇窗户，透过这扇窗户，你可以看到艺术家看到的世界，或者感受到他感受到的一切。但你看到的，和你自己过去的经历、你的知识背景、你的情绪状态相结合，就会形成你独特的“解读”。
比如，看到一幅描绘孤独的画，有的人可能会联想到自己曾经的孤单时刻，而有的人可能会觉得画面色彩的运用很特别，带给他一种宁静感。这两种解读，对艺术家来说，可能都是有意义的。他未必要求你“跟我一样”感受到孤独，他可能只是想用画面触动你的某个点，无论那个点是什么。
艺术家的“责任”： 那么，艺术家的“责任”在哪里呢？我认为，艺术家有责任诚实地创作，并且在条件允许的情况下，为自己的作品提供一种可能的进入方式。
诚实创作： 这意味着艺术家要忠于自己的感受和想法，不要为了迎合观众或者迎合某种潮流而扭曲自己的表达。如果你想画一堆意义不明的线条，那就画，只要你是真诚地在这样做，那么这本身就是一种表达。
提供进入方式： 这并不意味着艺术家必须写一篇洋洋洒洒的论文来解释他的作品。有时候，一个简单的标题，一个展览的整体氛围，一次艺术家和观众的简单交流，就足够了。很多时候，艺术家只是提供了一个“引子”，后续的“故事”需要观众自己去续写。
3. 观众的角色：被动接受还是主动参与？
你有没有想过，观众在“看懂”这件事上，扮演着怎样的角色？
被动接受： 如果我们期望艺术家把一切都“喂”到嘴边，那艺术就失去了很多乐趣。很多时候，观众需要付出一些努力，去学习、去感受、去思考，才能真正地“进入”到艺术作品里。这有点像看一部需要动脑筋的电影，你不能指望导演把所有情节都安排得明明白白，你自己的思考和推理也是观影体验的重要部分。
主动参与： 优秀的艺术品，往往能够激发观众的主动参与。它可能抛出一个问题，留下一个悬念，或者呈现一种模棱两可的状态，然后邀请观众来填补其中的空白。这种“参与”，本身就是一种“看懂”。
4. 艺术家的“非义务”：不被“看懂”也可能是价值
更进一步说，有时候，一个作品“不被看懂”，本身也可能是一种价值。
挑战和颠覆： 很多伟大的艺术，在诞生之初都曾被误解、被诟病。它们挑战了当时的审美习惯，颠覆了既有的观念。如果这些艺术家都屈服于“让别人看懂”的压力，那可能就没有印象派、没有立体主义、没有超现实主义了。
保持独立性： 艺术的生命力，很大程度上在于它的独立性和某种程度的“不可捉摸”。如果艺术作品都被“标准化”、“流程化”，都能被轻易“翻译”成大众都能理解的语言，那艺术的魅力也就大打折扣了。
所以，我的结论是：
艺术家没有绝对的、强制性的义务去让每一个人都“看懂”他的作品。但艺术家有责任去诚实地表达自己，并且在可能的情况下，为观众提供一些引导和可能性。
“看懂”不是终点，而是一种连接。艺术家通过作品与观众建立联系，这种联系可能是直接的、情绪化的，也可能是间接的、思考性的。而这种连接的建立，往往需要艺术家和观众双方的共同努力。
最终，艺术家的作品，或许更像是抛入大海的一颗石子，它会激起涟漪，但涟漪会扩散到哪里，触碰到哪些海岸，艺术家自己也无法完全预知，也无法完全控制。而这，恰恰是艺术的魅力所在。
网友意见
作為電影來講，我覺得觀眾看不懂，反而是導演的責任。這是我自己的想法，可能又會被人罵的。
常常大家都舉出一些極端的例子，極端的經典。說「唉，那部電影，他每一個鏡頭都十多分鐘，啊，真的好看」，但是有沒有考慮到，那個看點是不是在那十多分鐘？
《2001太空漫遊》容不容易懂？我說在他那個故事的架構裏面，他已經做到最懂。那個大猩猩把骨頭扔上去，變成一個太空船，那個是一個天才的電影語言。一下就把整個人類的發展寫完了。但是現在就有一種說法，因為那個鏡頭不是那麼多人看得懂，所以我拍一些觀眾看不懂的東西，是合法合理的，看不懂是觀眾的責任。
錯，當那個鏡頭的含量，它的文化含量，它的內涵是那麼大的時候，拍出來肯定有些人不明白，但是他能做到的技巧已經是最高了。
我們應該這樣去判斷，而不是說因為那個鏡頭有好些人看不懂，所以我拍一些人家看不懂的東西是正常的。不可以這樣，這太無賴了。
我做過好幾年獨立短片的評審，有一段時間，那些獨立短片就一直在學王家衛的鏡頭，跟著主角後面一起動，《重慶森林》嘛。但是很難看，為什麼？這個難看不是我想像出來的。這是我跟重慶森林的攝影師劉偉強聊過共同得出的結論。
劉偉強跟著林青霞走進那個房子裏面，他說他走一遍，試的時候，張叔平先生不停在原圖鏡頭會見到的地方做功夫。做了多少的功夫，然後去調整。整個鏡頭的移動，它的過程是一個藝術，裏面全是有設計的，而不是隨意的把鏡頭跟著一個人，那就會變成王家衛，這不行。
我們不能常常拿一些經典或者是一些極端的例子，來為自己做不好工作辯護。你的喜好是做電影，不是說只在拍戲的時候才做。我每天一起床，就會想我今天到底想表達什麼，我每天都要想這個問題的。
香港有一句潮語，就是「媽的我到底看了什麼？」，是說看了一些很難看的戲，然後想「媽的，我看什麼了？」。為什麼會有這句話？就是拍的人沒有想過到底我想讓人家看到什麼。
我不知道其他人怎麼樣，我是很努力地每天去想我到底想讓人家看到什麼。並不一定是些內涵很高深的東西，可能我只是想讓人家看到怎樣做偽鈔，就那麼簡單。沒什麼高深的東西，但是有自問跟沒有自問，是你喜不喜歡這個工作的一個基本點。當你變成一個習慣的時候，只要放一個鏡頭，你就會問，這是我要的嗎？我到底想講些什麼，為什麼必須要這樣。
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