有哪些外行觉得丑但其实很厉害的画？ 第2页

一条肥硕的女人大腿，竟然能被拍出近2亿天价？

相信大多数人都会对此感到震惊！？

就这？也值1.98亿港元？？？凭什么？？

而这幅画的作者就是西方公认为世界级的绘画大家——常玉 SANYU

常玉于1901年，生于四川一富商家庭，他的父亲是个书画迷，擅长画马，所以对于儿子喜爱艺术这一点自然是乐见其成，甚至不遗余力的支持。

1920年前后，常玉以留法勤工俭学的方式前往巴黎，而我们熟稔的徐悲鸿、林风眠亦在赴法习艺。

但和他们不同的是，我们的贵公子常玉没有去徐悲鸿所进的国立巴黎艺术学院，反而选择了与学院派风格迥异的“大茅屋画室”。

而且那时的他，潇洒闲散至极，衣着考究不说，日常最爱干的事情就是在咖啡馆里看《红楼梦》或者拉小提琴、登山、画画……用现在的话来说，那是相当的“小资”。

再加上兄长的经济支持，衣食无忧的常玉既不善理财也无心生财，绘画和享乐几乎构成了他生活的全部。但也因此，为他晚年贫困潦倒的生活埋下了伏笔。

其实常玉自幼艺术天赋卓越，年少时更是跟着世称“晚清第一词人”的四川名书法家赵熙习字学画，所以在20-30年代，常玉也是在法国画坛上拥有一席之地的。

但是极度任性洒脱的个性，让他无法勉强自己，所以，这之后的艺术之路，走得就不那么顺畅了。

举个例子来说，当年刘海粟成立天马会，常玉却认为天马会就是用来自吹自擂的，于是转头就与徐悲鸿、邵洵美、张道藩等人组成天狗会以嘲之。

再者，作为一个艺术家和画商打好关系，这是必然的吧？

但常玉不然！

有一次常玉和一位知名法国画廊老板见面，常玉不但拒绝卖画给他，甚至不让他踏入自己的工作室看画。

难道这人曾经得罪过常玉？结果常玉给出的理由却是：“我不喜欢他的长相”，还有“我才不要让我的画跟他住在一起”。

因此，即便是常玉的友人，对他的评价也是“一个很难了解的人”。

其实认真观摩常玉的画，便会发现，其实他并不难理解，他只是不愿委屈自己，只是想以自己喜欢的方式度过一生罢了。

“一切爱好是天然”，忠于自己的常玉，无论外界的喜恶，他一直只画他想画的。

他曾说过“关于我的作品，我认为毋须赋予任何解释，当观赏我的作品时，应清楚了解我所要表达的……只是一个简单的概念。”

所以哪怕兄长逝世，失去稳定经济来源，生活潦倒，他也不愿投其所好。

他曾说“欧洲绘画好比一席丰盛的菜餚，当中包含了许多烧烤、煎炸的食品以及各色肉类。我的作品则是蔬菜、水果及色拉，能帮助人们转换及改变对于欣赏绘画艺术的品位。当代画家们总带点欺骗地以多种颜色作画。我不欺骗，故此我不被归纳为这些为人接受的画家之一。”

就这样，一个我行我素、不媚世俗，骨子里带着傲气的贵公子——常玉，在本该大放光彩的最好时期被西方现实的艺术界抛弃了。

为了生计，他打过工，但即便穷困如此，他还是那个清高不羁的贵公子，宁愿把画送人也不愿卖给不喜之人。

而且手头再没钱，他也不愿舍弃艺术苦了眼睛，而是用仅有的一点钱来雇女模特，他说：“我就不能一天没有一个精光的女人耽在我的面前供养，安慰，喂饱我的‘眼淫’。”

诗人徐志摩便是常玉最忠实的粉丝，他将常玉裸女画中肥硕的下肢盛赞为“宇宙大腿”。

这就是常玉，一个对女人如痴如醉，饭都吃不上也要花钱请女模特的不羁贵公子。

一个始终遵从内心，把灵魂献给了笔下的动物、花与女人的巴黎浪荡子。

一个被誉为“中国式的莫迪利阿尼”的艺术大师。

虽然常玉的裸女大腿系列常常会引发很多争议，但是他的粉色系列就看起来纯真自然，恬静舒适。

而下面的这幅小象，则是常玉的最后一幅画，完成于1966年的夏天。

“1966年的夏天，常玉对好朋友达昂说：我开始画一张画。

达昂：是什么样的画？

常玉：您将会看到！

达昂：那要等到几时？

常玉：再过几天之后……我先画，然后再简化它……再简化它……

过了几天，常玉邀请好友达昂来观看。那是一只极小的画，在一望无垠的沙漠中奔驰。他用手指点着这只动物对达昂介绍：这就是我。

达昂后来回忆，说完这句话，常玉笑了，那是中国人特有的微笑。

这幅画叫做《奔跑的小象》，也是常玉最后一张画作。

当他用那种类似造物者的角度看着自己的时候，或许就像准备灵魂出窍一般，常玉在那个时候可能已经准备用过自己的方式完成他的作品、完成自己的一生、完成那美学的纯粹。” （引号内文字来自石浩吉、刘家蓉）

1966年，常玉因煤气泄漏死在了蒙帕纳斯工作室里。

彼时的他不知道，他那曾被成捆兜售，售价仅数百法郎的画作，却在半个世纪后，轰动了艺术圈，一幅画便拍出了近2亿的高价。

但我想，也许他即便知道了，也会淡然一笑，然后不羁的言道：万物静观皆自得，四时佳兴与人同。

----------11.20 再更新一波答案-----------------

看到评论里有朋友说，只是介绍画家生平没有仔细的去欣赏画面的线条/用色等等。

肥皂君想说对于这种本身偏抽象的画家，与其去扣他的单幅作品线条、颜色，这种分析方法会很像在做“看画理解”，反而有些硬解释的味道。（而且其实我在11.18的更新中有简单分析过）

个人认为传递画家的生平和精神倾向，是一种更好的理解作家画作方式，会让你明白会什么他会这样创作？他的创作信念是什么？

最后还是要强调，欣赏画是一件很主观的事，真的不要有那么多条框约束。你觉得被画面中的颜色、情绪、画家的思想所打动就可以无条件觉得美，反之也可以说不喜欢，轻轻松松的随心所欲就好。

--------------11.18更新一波答案--------------

评论里有很多朋友在争论，像这样的儿童涂鸦般的画到底好不好有什么价值？

肥皂君想说，首先绘画、审美都是主观的，不存在一个唯一正确的答案，这也是我们多年接受一些教育后，养成的一个思维弊端，非黑即白，有对错之分。而在艺术家的世界里，有时候真的没有那么复杂，它就是一种尝试一种突破，至于能否被历史铭记那也是后人的加工，时代印象的选择。（至于人为的价格炒作，市场营销不在本次讨论的范围之内）

常玉的画简单、抽象，很多就觉得他是不是水平不行？画这些东西糊弄人的？

其实并不然，常玉早年是学传统书法字画出身，传统功底十分扎实。

30岁出头的他，当年就已经出现在法国出版的《当代艺术家生平字典》中，可见其艺术成就。

他的人像速写也受到中国韵味的影响，尽量摸索东方的韵味。

而其油画作品的观感却近乎水墨写意画，极富东方情调，画面意蕴悠长。

但画中的形与色之构成，却是基于西方现代造型的观念，这些尝试都是需要扎实的基本功做辅助的，否则真的让孩子新手涂鸦，还真的画不出他作品中的意境味道。

这种前卫的尝试便是当时的绝无仅有，也因为他的这种特殊尝试不被世人所接受，艺术道路十分孤独，后半生穷困潦倒。

在常玉的裸女人像中，由于自己喜爱摄影，大胆尝试摄影机的广角镜头方式，夸大臀部与大腿的比例。尝试用一种简约、抽象甚至带点幽默调侃的风格，来表现自己心目中女体的独特魅力。

最后再提一嘴，对现代人来说中西合璧似乎已经是一种司空见惯的小点子，但对于当时的世界这样一种新型的创作理念还是比较珍贵的，特别是随着后期各种先锋思潮的碰撞愈演愈烈，常玉的价值才被大家放大，包括我们80年代中国的文学界也曾爆发过这种类型的小说创作，感兴趣的可以去搜搜看，保证你看完也是“这是个什么玩意”。

当一种艺术形式经过数百年的发展后，势必会遭遇瓶颈。

了解过西方艺术史的同学就会知道，画风、流派上的变迁实在是太多太多了，前半段画家们集中在对画材、颜料、写实、透视等等方面做写实的努力（主要是为了贵族的需求作画），后半段这种技艺纯熟后，再加上人性的不断发展，一些不在乎画画用来赚钱的画家，就尝试在画面中加入画家自己的精神诉求，比如说对人性丑陋的揭露、人与人之间的距离感、当然也可以像常玉这样对写意的极端追求。

敢于尝试突破传统并形成自己独到成体系的绘画理念的艺术家就非常值得人钦佩。如果我们看不懂，也可以保持尊重。

如果内容对你有用，可以【点点赞+关注】哟！ @蓝铅笔肥皂君

希望有更多的朋友能顺利升级，走出绘画新手村~

绘画入门必备教程干货

莫奈的《临终前的卡米耶》

追光者莫奈，一生都在追寻光！前段时间还想弄一幅挂在家里面，但确实有些恐怖，家人也不理解就算了。相比梵高先生的浪漫和无人赏识，更多喜欢莫奈的人可能是因为他的深情吧。上图中的卡耶米是莫奈的第一任妻子，相伴十七年。最后临终前卡耶米快要走了，莫奈没有紧握她的双手和她告别，而是用画笔画下了她临终前的最后一幅画。刚刚说莫奈是追光者，因为他是连作法的创始人。莫奈画画会在湖边摆放许多副画架，然后画的都是同一副作品不同的时间段。因为不同时间段的光是不一样的，所以莫奈的好多作品都是一样的，但是光线不一样，所以他是追光者莫奈。他在她妻子临终前留住了她脸上的最后一束光，也在这幅画上留下了他一生所有画中签名的唯一一颗爱心❤

这幅画现在存放于巴黎奥赛美术馆，喜欢的朋友可以去看看。

这是莫奈画的另一副卡耶米和他的孩子，我有打算把这幅画弄到家里的玄幻墙面上，然后把莫奈留有爱心的签名移到这幅画上，这样就相对美观一点。在家里看见了就会时时刻刻的提醒自己要做一个深情的人！

在去巴塞罗那 毕加索博物馆之前，我明白去看毕加索的画，要做好心理准备，没想到整个观展过程还是愉快，从 早期作品 到 蓝色时期、粉红色时期，甚至立体派时期，我都觉得不愧是毕姥爷，真的牛X，直到我来到这一组画面前：

？？？？

？？？？

？？？？

？？？？

这是什么鬼？？

…

…

怎么这么丑，还莫名地好眼熟。

一看名字：

Las Meninas

嗯，好像哪里听过？

再看旁边的画，也莫名一致

一拍脑袋，原来这不就是《宫娥》嘛，委拉斯奎兹（Diego Velázquez）的大作，但原作不是这个样子的吗？：

看看咱们的德雷莎小公主，原作中是这样的：

在毕加索笔下，是这样：

这样子：

这样子：

真心受到了冲击…

毕姥爷牛逼，但这个真的欣赏不能了

馆内不允许拍照，图片都源自网络

有个博物馆的名字叫MOBA（museum of bad art）

它有自己的一个宗旨：

歌颂那些无法通过其他渠道得到认可

和没有展示机会的艺术家的劳动成果。

博物馆目前一共有400多件藏品，

其中每25件到35件作品会轮换展出，

每一件作品都要达到让人觉得“Oh My God”的程度

这幅画是不是和“皮皮虾我们走”特别像，

感觉这就是“皮皮虾我们走”的原型。

MOBA博物馆的出现有个小故事

创始人斯科特·威尔逊是一个古董商，

1994的一天他在垃圾箱旁边捡到了一幅油画。

回去之后，他向朋友展示了下边这幅画。

最初朋友建议可以举办一个特殊的展览。

邻居们提供家里一些碍眼的艺术品和画作。

没想到第一次展览就大获成功。

得到了邻居的认可和行业内人士的支持。

随后糟糕的艺术博物馆就开始扩大展品范围。

很多人都向艺术馆捐赠不符合审美的作品。

波士顿当地一家剧院更是提供了一个地下室，

让他可以经常地为城市提供这样的艺术展览。

而大部分作品的作者、时间等信息都不详，

因为他们大多是被遗弃的作品。

MOBA收藏成熟艺术家的失败作品，

或是默默无闻小画家的作品

这些作品有的色彩诡异，有的结构混乱。

但是MOBA却要经常接待大量的观众。

甚至在他收入可怜的时候，

还是开了两家分馆。

馆长经常说，

世界上每一个城市，

至少都会有一家博物馆，

来展示优美艺术品的精华，

MOBA则是唯一家收藏收集，

最糟糕艺术品和展示艺术品的博物馆。

MOBA对藏品的要求就是必须为原创，

具有严肃的主题，

但是必须有严重的缺陷，

而非平淡无奇的作品。

波士顿非常规旅游项目都会把MOBA列入其中，

一些国际性的报纸专题都介绍过MOBA，

这给其他国家行业内很多启发。

这样一个毫无学术意义和审美需求的博物馆，

它的存在意义在哪？

德国一家媒体的评论给出了答案：

艺术品其实没有严格意义上的好与坏，

一个人眼中的垃圾，

在其他人眼里也许就是无价之宝。

这座博物馆的很多作品，

在观者眼中也许丝毫不逊色于大师的作品。

即使是最糟糕至极的作品，

也是能让我们体会到真实情感，

和他们想创作传世作品的愿望。

即使不成功同样包涵了作者的诚意，

同样是能给我们带来启发和深思的。

这样一个博物馆，

包括创始人的心态，

给我们更多的启发。

世界上其实展示成功艺术品的博物馆和美术馆非常多，

而珍惜失败尝试展示的地方，

只有这个博物馆唯一一家。

大家在平常生活中，

除了去观察那些符合审美需求的东西之外，

也可以去关注一些在审美上有些挑战性的，

你从它的内容和作品中，

也是可以看到创作者的一个诚意和真心所在，

希望我们的听众有机会去参观一下这个博物馆。