哪些被「吹上神坛」的电影你认为很一般？ 第1页

《哪吒：魔童降世》

说不出什么专业的分析，但反正就觉得故事很一般，去年被吹上神坛的时候，我受到安利就去电影院看了，看完电影我还一度怀疑是不是自己没有仔细看，漏了什么，所以才get不到大家所说的“燃”。

要说“燃”这方面，它还真不如《大圣归来》。（答主主观看法，如有不同见解请勿杠，你一定是对的）

我觉得近年来国漫崛起的消息越来越火，很多国人已经放下了偏见，愿意支持国漫了，《魔童降世》可能是时间选的好吧，反正我觉得故事很普通，人物塑造的也很勉强。

这部电影是让我在电影院里最失望的一次了，并不是因为它最差，而是对它的期待值太高了，看完后发现平平无奇。动漫的制作水平还行，放在我看过的动漫里，也就是个勉强及格的水平。（看完了王者之剑以后突然对动漫制作水平有一定要求了。）

总的来说，剧情没什么新奇，制作方面也不惊艳，在我心里只能算6～7分的片子，在电影院里几乎是全程无感，最后哪吒变身了也没觉得很燃。

。

很多“黑深残”韩国电影，完全就是copy好莱坞那一套。韩国是典型的美国文化殖民地，文娱作品几乎看不到韩国人自己的精神内核，全都是普世价值那套东西，加上一些韩国元素的缝合怪。

“黑深残”题材一直都是15-25岁城市布尔乔亚青年的最爱，其中的“阴谋论”“心理斗争元素”“人性黑暗面”“社达主义思想”每一条都满足了这些温室里长大的青年对于这个世界真理的幻想，这个群体人数不是最多的，但是在网络上嗓门是最大的，所以黑深残日漫和韩国电影在网上声势浩大。

韩国剧情片的模板就是揭露所谓的社会阴暗面，批判都是浮于表面，然后结尾一顿哭一顿煽情，BGM一起然后上字幕，看多了其实挺腻歪的。

特别韩国的演员表演又很浮夸，一哭就是鼻涕眼泪一起流，哭的上气不接下气的，一有争执就大喊大叫，然后拍桌子对骂，表演痕迹太重，感觉都是一个表演老师教出来的。

韩国电影被拿来最多的就是diss国产电影，和diss其他不可说的东西。

事实证明了精资们鼓吹的所谓自由的市场也不能让中国电影环境更好。反而因为资本的短视和功利，以及战后一代电影人们普遍的价值观出了问题，导致国内文娱行业越来越庸俗化、流水线化、廉价化，国家经济上去了，电视剧和电影质量反而一年不如一年

比如“釜山行”“与神同行”“82年的金智英”“出租车司机”“辩护人”“狼族少年”“恶人传”我觉得都很一般，如果是美国人拍的可能也就7分左右，换成韩国人直接起飞了。

当然了精韩们老喜欢拿“你国拍不出来”说事，我也要说《霸王别姬》《东邪西毒》《牧马人》这种片，韩国人也拍不出来，韩国人格局在那儿呢。

甚至就算是《建国大业》和《大决战：淮海战役》这种战争片，韩国人可能50年都拍不出来。韩国的战争片连尊重历史事实，尊重对手都做不到。战争片永远的都是韩国人宇宙最强，其他国家要么蠢要么坏（除了美国）。韩国的历史片，除了韩国人自己正常人看都觉得生理不适

就算是被韩片影迷们吹上天的“理中客的表现战争残酷”的《太极旗飘扬》《仁川登录战》，里面的志愿军被拍成一群装备落后、靠人海战术无脑冲锋的莽军，抱着联合国多位大腿还能输给这样的对手，韩国人不定体问一下？

当然韩国也有好电影：“老男孩”“新世界”“杀人回忆”。这几部虽然制作是好莱坞化的，但是精神内核还是东亚人的，可惜这样的作品少之又少。

第二个我想说的人是冯小刚

冯小刚一般来说都被人拿来和张艺谋、陈凯歌做比较，可是无论那个方面来看，冯小刚和另外两位根本就不是一个级别的。

冯小刚的电影特别爱传递他那个时代的电影人特有的奇妙思想：身为中国人的自卑+身为北京x二代的自豪

片中所有角色都以定居美国为荣，以有美国朋友、洋妞为荣。最底层的老北京也以北京人身份为荣。外地人角色大多要么是底层劳动人民，要么就是丑角，口音之类的还经常被拿来当笑料。

冯小刚喜剧的主角几乎都是一嘴京片子，见到老外就点头哈腰，见到外国东西就赞不绝口

我来学一句冯氏电影那味：“这是我哥们Tomas，加州大学伯克利分校毕业儿哒，看人家那行头儿。嚯嚯，看人家开的内车，美国跑车！真气派！人美国回来的就是跟咱不一样儿”

（然后给个葛优羡慕又害羞的打量老外的镜头）

你要说三四十年前你这样拍还能理解，那时候大环境就那样。可是你2019年拍《只有芸知道》还是这个调调就很.......小刚，你拍片子不会看气氛的吗？

更不要说冯小刚电影制作之粗糙，摄影就是把人框进去就行，故事就是想哪拍哪，感觉就是把几个小品故事录个像，剪辑串一起就是个电影了。能说出“王家卫电影是皇帝的新衣”的冯小刚，审美可能都赶不上一些影迷朋友。

后来老了搞了个1942和集结号树口碑，因为自己水平不够，价值观又相当混乱，到账观众不买账。冯导不反省自己，反而多次变着法子骂国内观众品味不行，这气量实在是不敢恭维

您贵姓。

这个片子的水平讲真实在是太一般了，以新海诚来说搞出这么个片子可以算是玩脱了，但还是有一堆人吹。

斗胆再提一个，《战狼2》。其实吹也没怎么太吹，但只要吐槽这个片子，就容易引来指责。这片子本质上就是个故事一般，部分内容精良，部分内容……的片子，但是电影里一些和“电影”这个东西无关的东西被拿出来说的太多了。

这两个片子还有一个共同点，票房异常的高，我个人认为这两个片子的票房，至少有一半是社会效应带动的，大概就是“周围人都去看了所以我也得去看”这种心理导致的，如果同期内有一两部水平不相上下的片子，这两个片子绝对冲不到那么高的票房。

水形物语。

这个影片可以说明目张胆地用一个平常又烂俗的故事四处蹭政治正确。

论如何用灰姑娘的套路扛起LGBT，黑人运动，种族运动的大旗，从而一举拿下奥斯卡。

故事中的人物，连做事情的逻辑都有问题。

1、苏联间谍的随便，放在国产刑侦局都活不过片头曲放完。但是不耽误他们打入了美国佬的高层。

2、一个具有很高职业素质的间谍科学家，为了放生一条鱼，放弃了祖国信仰，放弃了经营多年的事业。不知道当初他上学的时候放生了多少小白兔和小青蛙，为啥没有挂科。。。。。。

3、极其松散的美国研究院。别看研究的项目多么高端机密，一个打扫卫生的就可以在他们的眼皮子底下和实验体谈恋爱，他们却没有察觉。。。。。。怪不得那么随便的苏联间谍也能打入他们内部。。。。。。

4、“我”在南美丛林过着被人当神仙供奉的生活，吃着火锅唱着歌，一出亚马逊就被美国人劫了，挨了无数的毒打和电击，却从未动摇和配合，但是瞬间就因为一个鸡蛋失去了戒心，从此爱上了那个喂“我”吃鸡蛋的、和毒打“我”的生物长得一样的雌性生物。。。。。。

“我”这个半神仙在南美过得挺凄惨啊。。。。。。吃个鸡蛋当过年了？？？

这帮子美国人也是蠢，没听过一句名言么：“没有一个鸡蛋搞不定的两栖人，如果有，就再来十个鸡蛋”。真是“铁骨铮铮两栖人，吃口鸡蛋被勾魂”。

你说说，你们一顿电炮飞脚，手指头让人干下来俩，也没从人家两栖人那里套来收获，啧啧啧，小看了人家的“革命觉悟”是不对滴~不过话说回来，还得是糖衣炮弹好使啊。还美国人呢，连偶像剧里面的国民党的手段都不如。。。。。。

我一开始以为这一切是美国人的阴谋，他们想顺手借女主来撬这个实验体，看到后面发现他们根本一无所知，我就知道，我把这个电影想“深”了。。。。。。或者说这个电影，你只需要稍稍动动脑子，就会把它想“深”。。。。。。

5、你说说那帮苏联智障，千挑万选个二五仔打入敌人内部，还好死不死非把毒药给了这个准叛徒的手里，你随便给一个保洁的，那个大鱼人都药死了不是？？？哎。。。看的是真来气。

暂时想到这么多。

在我的眼中，水形物语的水平和妖猫传差不多，甚至说，妖猫传都强过水星物语一个xue微的档次。

我就受不了这种不能讲清一个正常故事的电影。

更新：由于记忆错误，将鲍勃迪伦多人演出的电影从《我不在那儿》误写作了《没有方向的家》，以及演员数量记忆错误，特此更正。

谈一谈个人的看法。

《波西米亚狂想曲》。

真实人物的传记电影中，最重要的莫过于对人物的深度挖掘，脱离大众所知的表面而深入到人物的暗面之中，并将其用精于设计的手法表现出来。

比如，《乔布斯传》中，导演舍弃了“以时间线为表述顺序，展现乔布斯人生”的平铺直叙，而是选取了四个苹果新品发布会的时点，去展现发布会的台前幕后。

这样的表达无疑是非常有效的。新品发布会，正是乔布斯作为科技天才的创意结晶的展示舞台，但在幕后与人交流时的争吵、怒喝、沮丧，则表现着乔布斯的“月之暗面”——他是个天才，但也拒绝着自己“不那么天才”的人格弱点与软弱性。

因此，每一次的发布会，无疑变成了一个乔布斯正反两面的形象展示：创意天才的表面，偏执于完美的乖僻暗面。而随着发布会的迭进，我们也看到了结果——纵然创意出众，乔布斯却逐渐远离了成功。显然，自衿于完美的偏执，让他的个人生活走向混乱，也必然阻碍其天才创造力的发挥——一家科技公司，需要的不只是创意来完成产品部分，还有共情力来通畅经营部分。

而在最后的一次发布会上，乔布斯终于与自己和解，直面了自己的女儿，坦承了自己作为天才也无法避免的“不完美”。而与此同时，当他走向iphone发布的会场时，我们都明确地知道——这将改变世界，更改手机的定义，让苹果公司和乔布斯的个人生涯走向巅峰。

因此，这部电影的四次发布会，无疑串联起了乔布斯整个人生中的关键节点，创造了“明面”与“暗面”，“天才”与“凡人”的明晰对立，刻画出乔布斯的自我矛盾，并形成了乔布斯逐渐走向自我和解的开释之路。不流俗，不冗赘，骨架分明，精简出新，但又直切主题。

而在《我不在那儿》中，导演则破天荒地用了六个演员去饰演不同时期的迪伦。传统民谣时期、1969年伍德斯托克音乐节开拓摇滚时期、以及随后的不同时期，迪伦面对着不同的自我境况与舆论反馈，心理状态也在不断变化。而用六个演员，则借助了不同演员的个人特质与气息，对当时期迪伦的性格、内心进行对应诠释。特别是凯特. 布兰切特跨性别的出演，她戴着墨镜、手持香烟、略显敏感的絮语，让迪伦在当时的状态显露无疑——强撑起外表的坚强线条，但却如女性一般感性而脆弱。四个演员的共演，展现出了迪伦人生中始终持续的游移状态——个人情感的，舆论评价的，艺术方向的。这就构成了他在各方面的归属感缺失，“没有方向的家”。

那么，《波西米亚狂想曲》做的怎么样呢？简单来说：四平八稳，流于表面。

首先，从主体脉络上看，墨丘利从开始试图摆脱印度裔的身份，一直试图一层层地变成独立的自我----改名字抹去印度气息、和传统摇滚乐不同的音乐形式、在异性恋的传统认同取向与同性恋的内心取向中挣扎并最终选择内心、二度革新风格做迪斯科摇滚，而在逐步的自我寻找和建立的过程中，他在现实生活中也逐渐地与他人隔阂开来，因为他人无法跟上他的自我演变。

但归根结底，墨丘利真正的自我还是存在于音乐之中的-----在这里，电影契合了墨丘利的艺术追求：对盛大而华丽的歌剧式艺术的追求，他的人生理想只有在舞台上才能得到实现。

对此，在前后两场“墨丘利初次被同性恋男人吸引、舞台上表演的场景的平行剪辑”“墨丘利首次进入同性恋酒吧和舞台表演的平行剪辑”，揭示了墨丘利“同性恋”的真正本我内心与“舞台和音乐”的关联。

而在最后，墨丘利过度追求自我的建立，反而迷失了自我，此时他才翻回头来，接受了从印度血脉开始的、自我的一切，和本不愿正视的印度裔家人和解，接受了全部的自我才完成了自我的建立。而同时，影片也停留在了LIVE AIDS的现场部分----墨丘利舞台表演的巅峰，他在生活中的自我建立完成的同时也迎来了舞台人生的巅峰。

综合来看，全片线索清晰，思路明白，手法规整，作为传记片没有太大缺陷，但也过于流程化。对于皇后乐队的音乐风格和墨丘利个人而言，他的人生终极追求---华丽辉煌如歌剧的绚烂人生和艺术---在本片中并未深入涉及，而这一点本应该和他的自我建立形成更深层的呼应对照的。音乐人的传记，却在音乐本身---形式、风格、创作理念上，着墨不多，也没有把它与创作者的内心---传记电影核心的人物剖析--广泛地结合起来。

作为一部乐队纪录片，本片淡化了布莱恩. 梅等其他三名成员，而是将焦点集中于墨丘利个体。这种选择很难说错误——即使queen的音乐创作有极大的集体参与成分，但最能够象征其艺术特征和创作理想目标的，无疑是那个在1986年的温布利上演“国王加冕”的墨丘利，showboy。用一名代表性成员来总括乐队，问题并不大。

而纵观乐队的发展历程，墨丘利也确实是最能够代表乐队精神的个体——不仅是舞台上的极尽夸张，更是确诊艾滋、命不久矣后“卯足余力奔向艺术理想乡”的燃烧自我，是“Barcelona”的高贵绚丽，“the show must go on”的不甘屈服，“i was born to love you”的热情燃烧，“these are the days of our lifes”的最终释然。墨丘利在生命的最终时刻，证明了自己的热情与激昂并非舞台上的做作表演，而是生发于内心的深刻本性。这让他的人生真正地成为了一出英雄的歌剧，让他在人生的舞台上成为了他心心念念的歌剧主角。

而与此同时，在音乐上，queen也来到了艺术追求的一个新台阶，在主唱即将故去的心境下发出了天鹅长鸣，摆脱了80年代初期对电子乐新形式之“华丽”的推崇，而找到了来自内心的、绝境中的狂热，作为创作的根本。在最后的两张专辑中，他们的音乐不再有大量的突兀电子乐，甚至也改变了70年代表面化的华丽装潢，不再有形式上的夸张与出新，但却让所有人都感受到了血液的激荡。华丽、戏剧性，从外在来到了内在的层面。可以说，墨丘利的个体，与queen的艺术，实现了高度的绑定。

但非常可惜的是，对于这一段，本影片既没有拍摄到墨丘利的个人部分，也没有涉及到乐队音乐的部分——这一段的历程，甚至是完全缺席的。因此，1985年之后的种种——1991年的《Innuendo》，1995年的《Made in heaven》，那些达到了更高层次的艺术表现---不再使用音乐形式上的表面华丽，而是充分调动主观的能动感受来调动内在层面上的“辉煌”——queen乐队艺术的最终完成形态，在本片的结构和思路中都全部没有涉及。墨丘利的个体与乐队的再升华，都被直截了当地砍掉了，只留下大量的、令人尴尬的空白。

作为一部皇后乐队的传记片，就如同其他三位成员在剧作表现上的功能化所呈现的那样，本片将一切重点都放在了弗雷迪.墨丘利的个人传奇上，这当然是皇后乐队中最富有吸引力和易于做出“效果”的部分。但这种吸引力并非完全源于电影的挖掘和创作，而是出自墨丘利本人巨大的传奇性、神秘性和人格魅力。

而在另一方面，对皇后的音乐艺术（无论是墨丘利本人的艺术还是乐队整体的艺术）上，主创者却选择性地淡化忽略了（光看电影，任何人都不可能了解布莱恩梅对于皇后乐队的重要作用）。主创者选择了一条最容易的途径去用墨丘利的个人传奇来打动观众（并且完成度不差），但却舍弃了“音乐”本身。

讽刺的是，这和电影中墨丘利“从舍弃乐队强调自我的SOLO到回归乐队”的个人历程完全是背道而驰的。这个核心内容上的取舍，使得本片的一切都停留在了表面。一切的震撼和打动人心，都只证明了一点：皇后的音乐和墨丘利的个人魅力之强，足以将一个构思和想法乏善可陈的平庸创作强行拔高到奥斯卡提名。

电影主创对queen和墨丘利的呈现，恰好就是电影的结尾所暗示的那样——导演认为现场，那些墨丘利的撅屁股、玩话筒、做pose、甩飞吻，就是queen和墨丘利的全部精华，所以墨丘利身体下滑后不再演出的部分就无需拍摄了。而对live aids，则膜拜式地逐格复原。

但恰好相反。一个乐队，一个艺术家，其真正的激情与内核，永远来自于作品本身，而绝非仅仅是那些舞台上的东西。

导演对queen和墨丘利舞台部分的重视，就构成了对整部电影的隐喻——浮于表面，浅显空泛。

这样拍出来的作品，就像男主角对墨丘利在live aids上表现的演出一样——动作复刻，一字不差，但眼睛中全无热血的激情，动作上尽是机械的模仿。

为这部电影的结尾而震撼的观众，不妨去想一想：你们是因为结尾震撼，还是是因为结尾原封不动再现出的“皇后的LIVE”本身？

《三傻大闹宝莱坞》

这片豆瓣评分9.2

但我实在欣赏不来，确切的说，是对里边的三观不敢苟同。

具体情形是这样的：

里边有个所谓的“反派”查尔图

人设是死记硬背学霸，刻苦用功，一天学习18个小时，做过最坏的事儿就是在考试前给其他人塞性感杂志（让别人没法安心复习）

考试之前，主角兰彻的基友拉加为了能取得好成绩搬去了跟查尔图一个宿舍

我们的男主兰彻决定教育一下查尔图

查尔图教师节要在全校师生面前发表印度文言文演讲，但他其实不知道这些文言文的意思，兰彻于是偷偷改了他讲稿的内容

毫不意外，查尔图在演讲的时候出丑了……

我们的主角们笑得很开心……

事后，主角们庆功，查尔图找过来，我们的男主是这样说的……

甚至还有一波嘲笑

平心而论，虽然查尔图身上有很多讨人厌的地方，但他刻苦努力，没有招惹到主角，也没有欺负同学，只是作为“应试教育”培养出来的精英，对主角们那一套嗤之以鼻而已。而我们所谓的正面人物呢？为了所谓的“友谊”，为了所谓的“批判”，设计让他在全校同学面前出丑，赤裸裸的校园欺凌！事后一句对不起啊哥们，我不是针对你，只是为了证明应试教育是不对的而已就算过去了，连一句像样的道歉也没有！

这就好比你十年寒窗，高考做题的时候来一人咔咔把你卷子撕了，然后说兄弟我不是针对你，我只是为了批判万恶的高考制度。

你当然可以批判。

可你凭什么用你的价值，绑架我的人生？

反思教育，批判应试思想是一个很好的题材。但这部电影传达主题的方式却让我不寒而栗：

首先，直接告诉你一个结论，什么是对的什么是错的 。例如本片传达的应试教育不对，素质教育是对的理念。

然后，秉持着素质教育的人成为理所当然正义的一方，因为他们是正义的一方，所以他们做什么都是对的。

最后，只要你跟他们的观点不同，你就应当被教育，去接受作为“正确”的思想。

这不是喜剧，这是恐怖片。

更新：前边可能有说的不明白的地方，在此做一点说明。

正如我前边所说的，我从来不会因为一部电影传递的价值而否定一部电影，无论这种价值我赞同与否。我不喜欢这部电影，不是因为它批判了应试教育而吹捧应试教育，而是它批判和传递价值的方式：罗里吧嗦的说教、脸谱话的人物塑造（如果这些姑且能忍的话）……

但让我不能忍受的是：这部电影对于观点对立面的个体，完全是一副高高在上者的姿态（何况这个对立面的个体本身也是应试教育的受害者而非缔造者），肆意嘲弄。即只要我的观点是对的，你的观点是错的，那么我对你无论做什么都是对的，至于你个人的感受，对不起我们不care。个体在这里完全被抽象为一种对立观点的符号。

这部电影之所以被捧上神坛，是因为它对应试教育的批判恰好被我们所认同。但醒醒吧同志们，我们中的大部分人都不是兰彻，大多数情况下，我们都只是顺从者而非反叛者，而我想说的是顺从不是你的原罪，不是你可以被欺凌的理由，没有人可以以其自以为是高高在上的观点，对你进行肆无忌惮的批判和嘲弄。

没有人有资格用自己群体的价值肆意绑架个体，无论这种价值有多么冠冕堂皇。