面对数字绘画的潮流，还有多少人在坚持手绘？
数字绘画的浪潮汹涌而至，仿佛一夜之间，画布变成了屏幕，画笔换成了数位笔。从专业艺术家到业余爱好者，许多人都纷纷拥抱这股科技带来的便利和可能性。然而，在这股潮流之下，是否还有人依然固执地握着传统的画笔，在真实画布上留下颜料的痕迹？答案是肯定的，而且远比想象中要多，他们并非被时代淘汰的遗老遗少，而是出于各种坚定的理由，继续守护着这份古老而充满魅力的艺术形式。
首先，我们必须承认数字绘画的强大吸引力。它的便捷性不言而喻：撤销键的存在让试错成本无限降低，无需顾忌颜料的消耗和空间的限制，任何创意都可以随心所欲地尝试；色彩的丰富性更是传统绘画难以比拟，你可以轻易调出任何想象中的颜色，甚至结合光影和特效，创造出超越现实的视觉效果；而分享和传播的便利性，更是让数字作品能以惊人的速度触达全球的观众。
然而，正是这份“不完美”和“限制”，恰恰是许多手绘爱好者所珍视的。
触感与质感，是数字无法完全复制的灵魂。
在我的画室里，你依然能看到画布上那些粗粝的纹理，羊毛画笔在丙烯颜料中搅动时发出的沙沙声，以及调色板上那些混合着松节油和颜料的湿润气息。这种身体的参与感是数字绘画难以企及的。用手指感受颜料的厚度，用画笔控制落笔的力度和速度，看着颜料在画布上晕染、堆叠，形成独特的肌理，这些都是一种与物质世界直接对话的体验。每一次落笔，都是一次不可逆的决定，这种“一次性”的创作过程，反而带来一种沉甸甸的责任感和独特的魅力。
数字绘画的笔触，再如何模仿，终究是屏幕上的像素。而手绘的笔触，是真实存在的颜料堆积，它有厚度，有方向，有能量。你看莫奈的画，那些笔触轻盈而跳跃，仿佛光线本身在画布上舞蹈；你看梵高的画，那些厚重的颜料堆积，传递出艺术家内心炙热的情感。这种“有质感”的笔触，是构成艺术作品生命力的重要部分。
情感的沉淀与专注，在指尖的温度中流淌。
手绘的过程，是一种高度沉浸的体验。当你在画布前站立数小时，全身心地投入到色彩、造型和构图之中时，你的思绪会慢慢沉淀下来，杂念逐渐消散。整个创作过程，就像一种冥想，让艺术家与自己的内心进行更深层次的连接。数字绘画的易于切换和分心，虽然方便，但也可能让这种深度专注变得困难。
很多坚持手绘的艺术家，他们享受的不仅仅是最终的作品，更是那个“在路上”的过程。在他们看来，每一笔颜料的运用，都承载着当下的情绪和思考。这种情感的传递，是带着艺术家体温的。他们会在颜料中倾注喜悦、忧伤、愤怒或平静，而观赏者也能够透过那些笔触，感受到这份流淌的情感。
对传统的敬畏与传承。
从史前洞穴壁画到文艺复兴的巨匠，人类的艺术史，是一部手绘的历史。对于许多艺术家来说，坚持手绘，是对这份悠久传统的尊重和延续。他们学习前辈的技法，模仿大师的风格，并在其中融入自己的理解和创新。这种“师徒传承”的模式，在数字时代依然有着重要的意义。
许多老一辈的艺术家，他们已经习惯了传统媒介，并且在这个领域积累了深厚的功底。对于他们来说，完全转向数字绘画，不仅需要重新学习一套全新的技能，更可能是一种情感上的割裂。他们更愿意在自己熟悉的领域继续深耕，用自己的经验和对传统工艺的理解，创造出独具风格的作品。
独特的物理属性与不可复制性。
一张手绘作品，它具有其独一无二的物理属性。画布的尺寸、材质，颜料的品牌、类型，甚至艺术家使用的画笔，都会影响最终作品的呈现。这使得每一幅手绘作品都显得尤为珍贵。而数字作品，理论上是可以无限复制的，虽然有了数字版权的概念，但其“原件”的稀缺性，是远不如实体作品的。
这种“原件”的独特性和不可复制性，也是许多藏家和收藏家依然热衷于购买手绘作品的原因。他们不仅仅是在购买一个图像，更是在收藏一份艺术家的创造力、历史的痕迹，以及那份实实在在的、带着艺术家生命气息的物质载体。
创造力的边界探索与灵感的来源。
令人意外的是，一些艺术家反而认为，传统绘画的“限制”能够激发更强的创造力。当颜料的属性、画布的特性摆在面前时，艺术家需要更有针对性地去思考如何运用它们，如何克服这些限制，如何让作品在这种限制中绽放出独特的光彩。这种“挑战”反而可能带来更具原创性的想法。
而且，许多数字艺术家的灵感，恰恰来源于手绘。他们会在数字绘画中模仿传统绘画的笔触和质感，或者将手绘的草稿转化为数字作品。这说明，即使在数字绘画的领域，手绘的语言和形式依然是重要的参考和启示。
那么，现在还有多少人在坚持手绘？
这是一个很难用具体数字来回答的问题。但可以肯定的是，他们依然活跃在美术馆、画廊、艺术院校，以及我们身边的各个角落。
艺术学院里的基础课程，依然将素描、油画、水彩等手绘技法作为核心教学内容。无数年轻的艺术家，在这些课堂上，开始他们与画布的第一次亲密接触。
许多当代艺术展览，依然可以看到大量的手绘作品，从写实的油画肖像，到抽象的丙烯肌理，再到细腻的水彩风景，它们以其独特的魅力吸引着观众。
插画、概念设计等领域，虽然数字工具非常普及，但许多艺术家依然会用手绘来构思草图，或者直接创作完成品。特别是对于一些追求独特风格和质感的项目，手绘的价值更加凸显。
生活美学和手工艺的复兴，也让更多人开始重新拾起画笔。周末的画室课程、社区的手绘工作坊，吸引着那些渴望亲手创作、体验慢生活的都市人。
收藏家和艺术爱好者，对于高质量的手绘原作的需求，也从未减弱。
数字绘画无疑是艺术领域一股不可忽视的力量，它拓展了艺术的边界，降低了创作的门槛。但手绘，作为一种承载着人类千年艺术文明的古老技艺，其独特的魅力和价值，并没有因为数字化的浪潮而消退。它代表着一种深沉的思考，一种执着的坚持，一种与物质世界直接对话的虔诚。
可以说，手绘与数字绘画并非零和博弈，它们更像是并行的河流，各自拥有独特的生态和风景。而那些选择在画布上挥洒色彩的人，他们并非固步自封，而是用自己的方式，在数字洪流中，锚定住那份对艺术最初的、最纯粹的触动。他们用指尖的温度，证明着艺术，永远离不开那份最原始的、最真切的“手感”。
首先，我们必须承认数字绘画的强大吸引力。它的便捷性不言而喻：撤销键的存在让试错成本无限降低，无需顾忌颜料的消耗和空间的限制，任何创意都可以随心所欲地尝试；色彩的丰富性更是传统绘画难以比拟，你可以轻易调出任何想象中的颜色，甚至结合光影和特效，创造出超越现实的视觉效果；而分享和传播的便利性，更是让数字作品能以惊人的速度触达全球的观众。
然而，正是这份“不完美”和“限制”，恰恰是许多手绘爱好者所珍视的。
触感与质感，是数字无法完全复制的灵魂。
在我的画室里，你依然能看到画布上那些粗粝的纹理，羊毛画笔在丙烯颜料中搅动时发出的沙沙声，以及调色板上那些混合着松节油和颜料的湿润气息。这种身体的参与感是数字绘画难以企及的。用手指感受颜料的厚度，用画笔控制落笔的力度和速度，看着颜料在画布上晕染、堆叠，形成独特的肌理，这些都是一种与物质世界直接对话的体验。每一次落笔，都是一次不可逆的决定，这种“一次性”的创作过程，反而带来一种沉甸甸的责任感和独特的魅力。
数字绘画的笔触，再如何模仿，终究是屏幕上的像素。而手绘的笔触，是真实存在的颜料堆积，它有厚度，有方向，有能量。你看莫奈的画，那些笔触轻盈而跳跃，仿佛光线本身在画布上舞蹈；你看梵高的画，那些厚重的颜料堆积，传递出艺术家内心炙热的情感。这种“有质感”的笔触，是构成艺术作品生命力的重要部分。
情感的沉淀与专注，在指尖的温度中流淌。
手绘的过程，是一种高度沉浸的体验。当你在画布前站立数小时，全身心地投入到色彩、造型和构图之中时，你的思绪会慢慢沉淀下来，杂念逐渐消散。整个创作过程，就像一种冥想，让艺术家与自己的内心进行更深层次的连接。数字绘画的易于切换和分心，虽然方便，但也可能让这种深度专注变得困难。
很多坚持手绘的艺术家，他们享受的不仅仅是最终的作品，更是那个“在路上”的过程。在他们看来，每一笔颜料的运用，都承载着当下的情绪和思考。这种情感的传递，是带着艺术家体温的。他们会在颜料中倾注喜悦、忧伤、愤怒或平静，而观赏者也能够透过那些笔触，感受到这份流淌的情感。
对传统的敬畏与传承。
从史前洞穴壁画到文艺复兴的巨匠，人类的艺术史，是一部手绘的历史。对于许多艺术家来说，坚持手绘，是对这份悠久传统的尊重和延续。他们学习前辈的技法，模仿大师的风格，并在其中融入自己的理解和创新。这种“师徒传承”的模式，在数字时代依然有着重要的意义。
许多老一辈的艺术家，他们已经习惯了传统媒介，并且在这个领域积累了深厚的功底。对于他们来说，完全转向数字绘画，不仅需要重新学习一套全新的技能，更可能是一种情感上的割裂。他们更愿意在自己熟悉的领域继续深耕，用自己的经验和对传统工艺的理解，创造出独具风格的作品。
独特的物理属性与不可复制性。
一张手绘作品，它具有其独一无二的物理属性。画布的尺寸、材质，颜料的品牌、类型，甚至艺术家使用的画笔，都会影响最终作品的呈现。这使得每一幅手绘作品都显得尤为珍贵。而数字作品，理论上是可以无限复制的，虽然有了数字版权的概念，但其“原件”的稀缺性，是远不如实体作品的。
这种“原件”的独特性和不可复制性，也是许多藏家和收藏家依然热衷于购买手绘作品的原因。他们不仅仅是在购买一个图像，更是在收藏一份艺术家的创造力、历史的痕迹，以及那份实实在在的、带着艺术家生命气息的物质载体。
创造力的边界探索与灵感的来源。
令人意外的是，一些艺术家反而认为，传统绘画的“限制”能够激发更强的创造力。当颜料的属性、画布的特性摆在面前时，艺术家需要更有针对性地去思考如何运用它们，如何克服这些限制，如何让作品在这种限制中绽放出独特的光彩。这种“挑战”反而可能带来更具原创性的想法。
而且，许多数字艺术家的灵感，恰恰来源于手绘。他们会在数字绘画中模仿传统绘画的笔触和质感，或者将手绘的草稿转化为数字作品。这说明，即使在数字绘画的领域，手绘的语言和形式依然是重要的参考和启示。
那么，现在还有多少人在坚持手绘？
这是一个很难用具体数字来回答的问题。但可以肯定的是，他们依然活跃在美术馆、画廊、艺术院校，以及我们身边的各个角落。
艺术学院里的基础课程，依然将素描、油画、水彩等手绘技法作为核心教学内容。无数年轻的艺术家，在这些课堂上，开始他们与画布的第一次亲密接触。
许多当代艺术展览，依然可以看到大量的手绘作品，从写实的油画肖像，到抽象的丙烯肌理，再到细腻的水彩风景，它们以其独特的魅力吸引着观众。
插画、概念设计等领域，虽然数字工具非常普及，但许多艺术家依然会用手绘来构思草图，或者直接创作完成品。特别是对于一些追求独特风格和质感的项目，手绘的价值更加凸显。
生活美学和手工艺的复兴，也让更多人开始重新拾起画笔。周末的画室课程、社区的手绘工作坊，吸引着那些渴望亲手创作、体验慢生活的都市人。
收藏家和艺术爱好者，对于高质量的手绘原作的需求，也从未减弱。
数字绘画无疑是艺术领域一股不可忽视的力量，它拓展了艺术的边界，降低了创作的门槛。但手绘，作为一种承载着人类千年艺术文明的古老技艺，其独特的魅力和价值，并没有因为数字化的浪潮而消退。它代表着一种深沉的思考，一种执着的坚持，一种与物质世界直接对话的虔诚。
可以说，手绘与数字绘画并非零和博弈，它们更像是并行的河流，各自拥有独特的生态和风景。而那些选择在画布上挥洒色彩的人，他们并非固步自封，而是用自己的方式，在数字洪流中，锚定住那份对艺术最初的、最纯粹的触动。他们用指尖的温度，证明着艺术，永远离不开那份最原始的、最真切的“手感”。
网友意见
如果是从兴趣方面，那么自己喜欢什么就用什么，不是吗？
如果是从工作方面，市场要求什么就要用什么？不是吗？
微课菌一直觉得，板绘和手绘各有优势，很多画师手绘和板绘都能搞，工作要求板绘，业余手绘随心所欲随便画！下面给题主举几个例子，板绘和手绘都有涉及！
一：手绘和板绘都牛逼的一类人
1.澳大利亚悉尼的插画师Daniel Bolling
非常欣赏大佬手绘的功底，而且极具个人风格，铅笔的速写都画出了油画涂抹的笔触，手绘和CG共同练习，一个都不耽误真是让人佩服，先来看大佬的手绘：
那么板绘如何呢？大佬依旧是大佬：
2.美国卡罗莱纳州的概念艺术师Herman Ng
从事游戏行业10多年的时间，目前就职于Epic Games工作室，任高级概念设计师，教育背景来自于澳大利亚格里菲斯大学，学习2D、3D动画。Herman是一个非常有才华和激情的设计师，他极具丰富的创造力和想象力！先看手绘：
再看板绘：
二：一直坚持手绘但牛逼的一类人
Riccardo Federci，法国概念设计插画师，一位传统手绘艺术家，几乎都不去用手绘板画的原画师，参与过的项目有《暗黑破坏神3》和漫画《Saria》等，他是怎样创作原画的呢？
作画视频：
三：手绘+电脑处理还是很牛逼的一类人
韩国的插画师Ham Sung Choul，繁复的线稿，是他给人留下的最大印象。他的作品一般是先手绘，再导入电脑里加工，这手头功夫是相当了得的了。笔触细腻，善于用线条来表达情感，用色也颇为讲究，色彩感觉是附在线稿下面的。有着强大的造型能力，善于东方与欧洲元素相结合！
所以，不管是手绘还是板绘，牛X最重要，绘画功底最重要！工具，都是浮云！
绘画学习是一个循序渐进的过程，自己需要对自己知识概括要有清晰的认知！也欢迎喜欢绘画的小伙伴，关注我们的知乎号@轻微课，经常分享各类绘画教程、资源、经验，助你开启绘画提升之门。
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