那些不被人理解的艺术真的算艺术吗？
这个问题，与其说是关于艺术本身，不如说是关于我们与艺术互动的方式。那些不被人理解的艺术，它到底是不是艺术？这就像在问，如果没人看见，花在林中是否依然会绽放？答案，我想，是肯定的。
首先，让我们试着剥开“被理解”这个外衣，看看它下面藏着什么。我们通常说的“被理解”，往往意味着一种共鸣，一种能够被大众接受的、共通的价值或情感表达。这种理解，可能来自于对艺术家创作意图的清晰感知，也可能来自于作品形式上与既有审美经验的契合。当一件作品触动了我们内心深处的某种情感，或者以一种我们熟悉的方式展现了某种概念，我们就会说：“我理解它。”
然而，艺术的边界从来都不是一成不变的，它是一个流动的、充满探索的领域。那些“不被人理解”的作品，很多时候恰恰是艺术家在挑战现有的艺术语言、挑战观众的固有认知、甚至是挑战社会本身的边界。
想想印象派刚出现的时候。莫奈、雷诺阿他们的画作，在当时被认为是模糊不清、不成形的“印象”。评论家们嘲笑它们没有细节，色彩怪异。但正是这种“不被理解”，反而成为了他们划时代的标志。他们捕捉的是光影的瞬间，是主观的感受，这是一种全新的观看世界的方式。他们的“不被理解”，恰恰是因为他们打破了学院派僵化的规则，创造了一种新的“被理解”的可能性。
再比如杜尚的《泉》。一个小便池，签名，然后放在美术馆里。这在当时无疑是颠覆性的，也是令人费解的。很多人觉得这根本不是艺术，这只是一个恶作剧。但正是在这个“小便池”里，杜尚提出了关于艺术的本质、关于机构的权力、关于创作行为本身的深刻问题。他的“不理解”，迫使人们去思考：艺术的定义是什么？谁来定义？什么是价值？他的意义，恰恰在于他让“艺术”这个概念本身发生了巨大的变革。
所以，我们可以说，“不被理解”本身，并不能否定一件作品的艺术属性。相反，很多伟大的艺术，最初都是不被理解的。它们可能因为过于超前，因为过于个人化，因为挑战了主流的审美趣味，或者因为涉及了当时社会不愿意触碰的议题。
然而，我们也不能简单地将“不被理解”等同于“艺术”。一个孩子随便涂鸦，或者一个人拿着砖头乱砸，这些行为可能也“不被人理解”，但我们很难直接称之为艺术。那么，区分点在哪里？
我认为，艺术，即使它不被当下的人们理解，它依然需要具备某种内在的“艺术性”。这种艺术性，体现在：
创作的意图与思考： 艺术家并非随意而为，即使表达方式令人困惑，背后往往有其明确的创作动机、哲学思考或者情感驱动。这种意图，是艺术之所以为艺术的土壤。
形式的探索与创新： 即使形式上与众不同，它通常也包含着对媒介、对表现手法、对视觉语言的某种探索。这种探索，即使不被当下观众立即领会，也可能为后来的艺术发展打开新的大门。
内在的逻辑与构成： 即使看似混乱，一件优秀的、不被理解的艺术作品，内部往往也存在着某种艺术家构建的逻辑或构成关系。这种逻辑，可能是情感的、概念的，甚至是纯粹形式上的，它支撑着作品的完整性。
激发思考与对话的能力： 很多不被理解的艺术，它们最强大的地方在于，它们能够引发观众的思考，哪怕这种思考是疑问、是困惑、是反对。它们打破了静态的观看，迫使我们去互动，去辩论，去重新审视我们司空见惯的事物。
所以，“不被人理解”更像是一个“状态”，而非“属性”。它描述了作品与观众的互动关系，而不是作品本身的本质。一件作品，即使在它的时代被误解，但如果它承载了深刻的思考，形式上有所创新，并且能够（无论是以何种方式）激发人们的思考和对话，那么它依然可以被称之为艺术。
更进一步说，艺术的发展，很大程度上就是不断克服“不被理解”的过程。从古典到现代，从写实到抽象，每一次大的变革，都伴随着一段“不被理解”的时期。那些最初被视为离经叛道的作品，很多后来成为了艺术史上的经典。
我们作为观众，面对“不被理解”的艺术，也需要保持一种开放的心态。不是所有不被理解的都一定是艺术，也不是所有艺术都应该被我们立即理解。有时候，我们需要的是耐心，是学习，是尝试站在艺术家的立场上去感受和思考。有时候，我们也需要承认，有些艺术就是如此私密、如此个人化，它并不强求被所有人理解，它存在的价值，或许只在于它为艺术家自身提供了一个表达的出口。
总而言之，那些不被人理解的艺术，依然是艺术。它们是艺术史长河中那些激流勇进的探索者，它们的存在，恰恰证明了艺术的生命力和它不断突破自我的可能性。它们可能需要时间来沉淀，需要更多的人去解读，或者，它们只是为一部分人而生。但只要它们源于一种真诚的创作冲动，并以某种形式（即使非常规）承载了思想或情感，那么，它们就是艺术，不容置疑。
首先，让我们试着剥开“被理解”这个外衣，看看它下面藏着什么。我们通常说的“被理解”，往往意味着一种共鸣，一种能够被大众接受的、共通的价值或情感表达。这种理解，可能来自于对艺术家创作意图的清晰感知，也可能来自于作品形式上与既有审美经验的契合。当一件作品触动了我们内心深处的某种情感，或者以一种我们熟悉的方式展现了某种概念，我们就会说：“我理解它。”
然而，艺术的边界从来都不是一成不变的，它是一个流动的、充满探索的领域。那些“不被人理解”的作品，很多时候恰恰是艺术家在挑战现有的艺术语言、挑战观众的固有认知、甚至是挑战社会本身的边界。
想想印象派刚出现的时候。莫奈、雷诺阿他们的画作，在当时被认为是模糊不清、不成形的“印象”。评论家们嘲笑它们没有细节，色彩怪异。但正是这种“不被理解”，反而成为了他们划时代的标志。他们捕捉的是光影的瞬间，是主观的感受，这是一种全新的观看世界的方式。他们的“不被理解”，恰恰是因为他们打破了学院派僵化的规则，创造了一种新的“被理解”的可能性。
再比如杜尚的《泉》。一个小便池，签名，然后放在美术馆里。这在当时无疑是颠覆性的，也是令人费解的。很多人觉得这根本不是艺术，这只是一个恶作剧。但正是在这个“小便池”里，杜尚提出了关于艺术的本质、关于机构的权力、关于创作行为本身的深刻问题。他的“不理解”，迫使人们去思考：艺术的定义是什么？谁来定义？什么是价值？他的意义，恰恰在于他让“艺术”这个概念本身发生了巨大的变革。
所以，我们可以说，“不被理解”本身，并不能否定一件作品的艺术属性。相反，很多伟大的艺术，最初都是不被理解的。它们可能因为过于超前，因为过于个人化，因为挑战了主流的审美趣味，或者因为涉及了当时社会不愿意触碰的议题。
然而，我们也不能简单地将“不被理解”等同于“艺术”。一个孩子随便涂鸦，或者一个人拿着砖头乱砸，这些行为可能也“不被人理解”，但我们很难直接称之为艺术。那么，区分点在哪里？
我认为，艺术，即使它不被当下的人们理解，它依然需要具备某种内在的“艺术性”。这种艺术性，体现在：
创作的意图与思考： 艺术家并非随意而为，即使表达方式令人困惑，背后往往有其明确的创作动机、哲学思考或者情感驱动。这种意图，是艺术之所以为艺术的土壤。
形式的探索与创新： 即使形式上与众不同，它通常也包含着对媒介、对表现手法、对视觉语言的某种探索。这种探索，即使不被当下观众立即领会，也可能为后来的艺术发展打开新的大门。
内在的逻辑与构成： 即使看似混乱，一件优秀的、不被理解的艺术作品，内部往往也存在着某种艺术家构建的逻辑或构成关系。这种逻辑，可能是情感的、概念的，甚至是纯粹形式上的，它支撑着作品的完整性。
激发思考与对话的能力： 很多不被理解的艺术，它们最强大的地方在于，它们能够引发观众的思考，哪怕这种思考是疑问、是困惑、是反对。它们打破了静态的观看，迫使我们去互动，去辩论，去重新审视我们司空见惯的事物。
所以，“不被人理解”更像是一个“状态”，而非“属性”。它描述了作品与观众的互动关系，而不是作品本身的本质。一件作品，即使在它的时代被误解，但如果它承载了深刻的思考，形式上有所创新，并且能够（无论是以何种方式）激发人们的思考和对话，那么它依然可以被称之为艺术。
更进一步说，艺术的发展，很大程度上就是不断克服“不被理解”的过程。从古典到现代，从写实到抽象，每一次大的变革，都伴随着一段“不被理解”的时期。那些最初被视为离经叛道的作品，很多后来成为了艺术史上的经典。
我们作为观众，面对“不被理解”的艺术，也需要保持一种开放的心态。不是所有不被理解的都一定是艺术，也不是所有艺术都应该被我们立即理解。有时候，我们需要的是耐心，是学习，是尝试站在艺术家的立场上去感受和思考。有时候，我们也需要承认，有些艺术就是如此私密、如此个人化，它并不强求被所有人理解，它存在的价值，或许只在于它为艺术家自身提供了一个表达的出口。
总而言之，那些不被人理解的艺术，依然是艺术。它们是艺术史长河中那些激流勇进的探索者，它们的存在，恰恰证明了艺术的生命力和它不断突破自我的可能性。它们可能需要时间来沉淀，需要更多的人去解读，或者，它们只是为一部分人而生。但只要它们源于一种真诚的创作冲动，并以某种形式（即使非常规）承载了思想或情感，那么，它们就是艺术，不容置疑。
网友意见
艺术大致包括艺术品、艺术现象和艺术行为，并为我们的五感（听觉、视觉、触觉、嗅觉、味觉）感知，进而产生思考或情绪响应。
题主的问题其实就是，艺术的真伪（算不算艺术）是否以有人理解为判据？
这不是一个正确的提问，因为艺术本身无所谓真伪无所谓算不算，艺术与非艺术之间没有任何约定俗成的分界线，比如艺术无所不在的论调也有相当大的市场；同时，不被人理解也从来不是判定任何事物真伪（算不算）甚至存在与否（有没有）的判据或标准，因为人类的理解能力很复杂，连上帝都琢磨不透所以只能发笑。
当然人类的理解能力也十分有限，人与人之间的差别更是大于人与动物的差别（出处自查），没有人知道别人是否理解任何东西。没有人可以代表全人类来表达对自然界任何事物的理解或不理解，自然界也没有任何一个曾经存在过的事物是必须通过很多人的理解才存在的。
艺术仅仅是自然界某种事物的映像或某些自然或人类创造物及其形成过程，她们同样不依赖任何人的理解而存在。
艺术存在于人类出现之前，永恒于人类消亡之后。
如果非要一个答案的话，可以简单表达为：
算不算艺术与有没有人理解没有任何关系。
搞艺术的人不必理解前面的话，只管搞自己的艺术吧，不需要理由和他人理解。
不搞艺术的人，更没有必要琢磨这些问题了，因为——
艺术能够流传下去或保存下来，不是因为被人理解，而是被人喜爱。同理，艺术没能流传下去或保存下来，不是因为不被人理解，而是因为喜欢的人太少了。
另外，时间魔法师或许可以消灭具体艺术，但对艺术整体存在没有影响。
人类现在能够感觉到的艺术，不及人类曾经创造艺术的万分之一，不及自然艺术的亿万分之一。我们每个人一生感知到的艺术，不及现存艺术的亿万万分之一。
而一切艺术都可以扩大人类的理解范围，并提高其理解能力。
请珍惜身边出现的艺术信息和资讯吧。
经常感到艺术，终究能够理解艺术。
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