编剧应不应该在剧本中体现大量镜头语言和剪辑手法？
编剧是否应该在剧本中体现大量镜头语言和剪辑手法，这是一个复杂的问题，没有绝对的“是”或“否”。答案很大程度上取决于剧本的类型、编剧的个人风格、以及与导演的合作模式。
以下我将从不同角度详细分析这个问题：
一、 应该体现镜头语言和剪辑手法的理由（支持观点）：
帮助导演理解作者意图，建立视觉想象：
传递特定情绪和氛围： 编剧可以运用镜头语言来直接表达故事想要传达的情感。例如，“一个近距离的特写，捕捉到主人公眼中的绝望” 比单纯写“他感到绝望”更能直观地让读者（包括导演和演员）感受到人物的内心状态。
强调叙事重点： 镜头调度（如推、拉、摇、移）可以引导观众的视线，突出故事的关键信息。编剧可以通过描述“镜头缓缓推进，停留在桌上的那封信上”，来暗示这封信的重要性，而无需在对话中反复提及。
创造节奏感和张力： 剪辑手法的提示，如“快速切换的蒙太奇展现时间的流逝”或“长镜头跟踪人物的逃亡”，可以直接影响故事的节奏和观众的紧张感。这有助于塑造动作戏、悬疑场景的氛围。
塑造角色和环境： 特定的镜头运用可以揭示角色的性格或所处环境。例如，“俯拍的角度展现主人公的渺小和孤独”或“快速的镜头扫过混乱的房间，暗示人物内心的挣扎”。
展现无法用对话传达的信息： 很多时候，人物的内心活动、潜意识或未说出口的感受，可以通过镜头语言来精准地传达。例如，一个人物在对话中保持微笑，但镜头特写了他微微颤抖的手，这就能揭示其内心的不安。
节省篇幅，提高效率： 有时，一段恰当的镜头描述比冗长的对话或内心独白更能高效地传达信息。
与导演形成有效沟通，减少误解：
“对话”的视觉化： 剧本是电影制作的蓝图。编剧通过镜头语言的描述，实际上是在用视觉化的方式与导演进行沟通。这有助于导演在早期阶段就理解编剧的视觉构想，从而更容易实现。
展现对电影语言的理解： 编剧能够熟练运用镜头语言，也表明了其对电影作为一种视觉艺术形式的深刻理解，能够创作出更具电影感的剧本。
在某些类型片中是必需的：
动作片、惊悚片、科幻片： 这些类型片往往依赖于复杂的动作设计、视觉特效和紧张的节奏。编剧在剧本中恰当描述镜头和剪辑，能更好地引导这些元素的呈现。
实验性电影： 在一些非叙事性或探索性的电影中，镜头语言和剪辑本身就是叙事的重要组成部分。
二、 不应该体现大量镜头语言和剪辑手法的理由（反对观点）：
越界导演的职责，限制导演的创造力：
“导演的剧本”的风险： 电影的最终视觉呈现是由导演决定的。编剧过度介入具体的镜头调度和剪辑，可能会被视为僭越，干涉导演的艺术创作空间，导致剧本难以被执行或被修改。
失去灵活性： 导演在拍摄现场会根据实际情况、演员的表现、光线条件等因素做出调整。剧本中的过于具体的镜头设计，可能会让导演在现场失去灵活应变的空间。
“指导式”的剧本： 一份充斥着大量镜头指令的剧本，往往会让人觉得编剧在“教”导演如何拍，这并不利于双方建立平等的合作关系。
剧本的本质是文字，而非分镜：
故事和人物是核心： 剧本首先需要讲好一个故事，塑造鲜活的人物，构建引人入胜的冲突。如果编剧将大量精力放在技术性的镜头描述上，而忽略了故事的根基，那本末倒置。
阅读体验受影响： 过多的镜头语言会使剧本的阅读变得冗长和枯燥，更像是流水账式的分镜脚本，而非文学性的剧本。这不利于制片人、演员等其他参与者阅读和理解。
技术细节的复杂性： 很多精妙的镜头设计和剪辑手法，其效果的呈现需要非常精细的技术控制，例如特定的焦距、运动速度、剪辑点等。编剧往往不具备如此专业的知识和能力，即使写了，也可能与实际拍摄效果存在巨大差异。
存在被删减或修改的风险：
导演的最终话语权： 即使编剧写了非常精彩的镜头设计，导演在拍摄和后期制作中依然有权利进行修改甚至删除。如果编剧过于依赖这些技术性的描述，而内容本身不够扎实，那么当这些技术性元素被改动时，剧本的价值就会大打折扣。
三、 如何平衡——明智的界限在哪里？
真正的艺术在于平衡。一个成熟的编剧，会根据具体情况做出判断，掌握好使用镜头语言的“度”。以下是一些更具体的指导：
优先考虑故事和人物： 剧本的根本是内容。确保故事逻辑清晰，人物弧光完整，冲突有力。
用“需要”而非“习惯”来决定： 只有当某种特定的镜头语言或剪辑手法能够不可替代地传递关键信息、塑造强烈的情感或实现重要的叙事功能时，才在剧本中体现。例如：
关键的情感爆发点： 用特写来捕捉演员细微的面部表情。
视觉上的象征意义： 用一个意象化的镜头来表达主题。
动作或悬念的营造： 用快速剪辑或长镜头来控制节奏。
叙事上的提示： 用镜头聚焦某个道具来暗示其重要性。
简洁明了，避免过度详述：
使用通用的术语： 如特写（CLOSE UP）、全景（WIDE SHOT）、推镜头（DOLLY IN）、摇镜头（PAN）等，这些术语是行业通用的，导演和摄影师能够理解。
避免过于详细的参数： 比如具体的焦距、拍摄距离、运动轨迹等，这些更属于摄影指导和导演的范畴。
用描述性的语言代替技术术语： 有时，用“镜头缓慢地拉远，将她孤独的身影定格在空旷的街道上”这样的描述，比“35mm镜头，离机拍摄，焦距50mm，推拉速度2米/秒”更具文学性和感染力。
遵循格式规范： 在剧本格式中，对镜头语言的描述通常放在场景描述的段落中，以清晰易懂的方式呈现。
与导演的沟通与磨合： 最好的方式是在剧本创作过程中与导演进行沟通。了解导演的风格和偏好，并在必要时进行讨论。有时候，编剧的某些镜头设想，可以通过和导演沟通后，以更适合电影语言的方式呈现出来。
为“非直接”镜头语言留白： 很多时候，导演会通过演员的表演、场景的布置、灯光、配乐等元素来共同营造氛围和情感，这些是剧本中很难直接写入的。编剧应该给这些“间接”的艺术创作留出空间。
总结：
编剧在剧本中体现镜头语言和剪辑手法的目的是为了更清晰、更有效地传达故事的视觉和情感核心，与导演进行有效的沟通，并在必要时增强剧本的电影感。然而，这种体现应该是有选择性的、服务于叙事的，并且简洁明了的。编剧的核心职责是讲好故事、塑造人物，而不是包办导演的工作。过度的镜头语言描述，反而可能限制导演的创造力，影响剧本的阅读体验，并显得越界。
因此，编剧应该在关键时刻，用精准的视觉语言来强化剧本的表达，但绝不能让其取代故事本身的力量，更不应以“指导性”的方式干涉导演的创作。这是一个需要经验和对电影艺术深刻理解的平衡之道。
以下我将从不同角度详细分析这个问题：
一、 应该体现镜头语言和剪辑手法的理由（支持观点）：
帮助导演理解作者意图，建立视觉想象：
传递特定情绪和氛围： 编剧可以运用镜头语言来直接表达故事想要传达的情感。例如，“一个近距离的特写，捕捉到主人公眼中的绝望” 比单纯写“他感到绝望”更能直观地让读者（包括导演和演员）感受到人物的内心状态。
强调叙事重点： 镜头调度（如推、拉、摇、移）可以引导观众的视线，突出故事的关键信息。编剧可以通过描述“镜头缓缓推进，停留在桌上的那封信上”，来暗示这封信的重要性，而无需在对话中反复提及。
创造节奏感和张力： 剪辑手法的提示，如“快速切换的蒙太奇展现时间的流逝”或“长镜头跟踪人物的逃亡”，可以直接影响故事的节奏和观众的紧张感。这有助于塑造动作戏、悬疑场景的氛围。
塑造角色和环境： 特定的镜头运用可以揭示角色的性格或所处环境。例如，“俯拍的角度展现主人公的渺小和孤独”或“快速的镜头扫过混乱的房间，暗示人物内心的挣扎”。
展现无法用对话传达的信息： 很多时候，人物的内心活动、潜意识或未说出口的感受，可以通过镜头语言来精准地传达。例如，一个人物在对话中保持微笑，但镜头特写了他微微颤抖的手，这就能揭示其内心的不安。
节省篇幅，提高效率： 有时，一段恰当的镜头描述比冗长的对话或内心独白更能高效地传达信息。
与导演形成有效沟通，减少误解：
“对话”的视觉化： 剧本是电影制作的蓝图。编剧通过镜头语言的描述，实际上是在用视觉化的方式与导演进行沟通。这有助于导演在早期阶段就理解编剧的视觉构想，从而更容易实现。
展现对电影语言的理解： 编剧能够熟练运用镜头语言，也表明了其对电影作为一种视觉艺术形式的深刻理解，能够创作出更具电影感的剧本。
在某些类型片中是必需的：
动作片、惊悚片、科幻片： 这些类型片往往依赖于复杂的动作设计、视觉特效和紧张的节奏。编剧在剧本中恰当描述镜头和剪辑，能更好地引导这些元素的呈现。
实验性电影： 在一些非叙事性或探索性的电影中，镜头语言和剪辑本身就是叙事的重要组成部分。
二、 不应该体现大量镜头语言和剪辑手法的理由（反对观点）：
越界导演的职责，限制导演的创造力：
“导演的剧本”的风险： 电影的最终视觉呈现是由导演决定的。编剧过度介入具体的镜头调度和剪辑，可能会被视为僭越，干涉导演的艺术创作空间，导致剧本难以被执行或被修改。
失去灵活性： 导演在拍摄现场会根据实际情况、演员的表现、光线条件等因素做出调整。剧本中的过于具体的镜头设计，可能会让导演在现场失去灵活应变的空间。
“指导式”的剧本： 一份充斥着大量镜头指令的剧本，往往会让人觉得编剧在“教”导演如何拍，这并不利于双方建立平等的合作关系。
剧本的本质是文字，而非分镜：
故事和人物是核心： 剧本首先需要讲好一个故事，塑造鲜活的人物，构建引人入胜的冲突。如果编剧将大量精力放在技术性的镜头描述上，而忽略了故事的根基，那本末倒置。
阅读体验受影响： 过多的镜头语言会使剧本的阅读变得冗长和枯燥，更像是流水账式的分镜脚本，而非文学性的剧本。这不利于制片人、演员等其他参与者阅读和理解。
技术细节的复杂性： 很多精妙的镜头设计和剪辑手法，其效果的呈现需要非常精细的技术控制，例如特定的焦距、运动速度、剪辑点等。编剧往往不具备如此专业的知识和能力，即使写了，也可能与实际拍摄效果存在巨大差异。
存在被删减或修改的风险：
导演的最终话语权： 即使编剧写了非常精彩的镜头设计，导演在拍摄和后期制作中依然有权利进行修改甚至删除。如果编剧过于依赖这些技术性的描述，而内容本身不够扎实，那么当这些技术性元素被改动时，剧本的价值就会大打折扣。
三、 如何平衡——明智的界限在哪里？
真正的艺术在于平衡。一个成熟的编剧，会根据具体情况做出判断，掌握好使用镜头语言的“度”。以下是一些更具体的指导：
优先考虑故事和人物： 剧本的根本是内容。确保故事逻辑清晰，人物弧光完整，冲突有力。
用“需要”而非“习惯”来决定： 只有当某种特定的镜头语言或剪辑手法能够不可替代地传递关键信息、塑造强烈的情感或实现重要的叙事功能时，才在剧本中体现。例如：
关键的情感爆发点： 用特写来捕捉演员细微的面部表情。
视觉上的象征意义： 用一个意象化的镜头来表达主题。
动作或悬念的营造： 用快速剪辑或长镜头来控制节奏。
叙事上的提示： 用镜头聚焦某个道具来暗示其重要性。
简洁明了，避免过度详述：
使用通用的术语： 如特写（CLOSE UP）、全景（WIDE SHOT）、推镜头（DOLLY IN）、摇镜头（PAN）等，这些术语是行业通用的，导演和摄影师能够理解。
避免过于详细的参数： 比如具体的焦距、拍摄距离、运动轨迹等，这些更属于摄影指导和导演的范畴。
用描述性的语言代替技术术语： 有时，用“镜头缓慢地拉远，将她孤独的身影定格在空旷的街道上”这样的描述，比“35mm镜头，离机拍摄，焦距50mm，推拉速度2米/秒”更具文学性和感染力。
遵循格式规范： 在剧本格式中，对镜头语言的描述通常放在场景描述的段落中，以清晰易懂的方式呈现。
与导演的沟通与磨合： 最好的方式是在剧本创作过程中与导演进行沟通。了解导演的风格和偏好，并在必要时进行讨论。有时候，编剧的某些镜头设想，可以通过和导演沟通后，以更适合电影语言的方式呈现出来。
为“非直接”镜头语言留白： 很多时候，导演会通过演员的表演、场景的布置、灯光、配乐等元素来共同营造氛围和情感，这些是剧本中很难直接写入的。编剧应该给这些“间接”的艺术创作留出空间。
总结：
编剧在剧本中体现镜头语言和剪辑手法的目的是为了更清晰、更有效地传达故事的视觉和情感核心，与导演进行有效的沟通，并在必要时增强剧本的电影感。然而，这种体现应该是有选择性的、服务于叙事的，并且简洁明了的。编剧的核心职责是讲好故事、塑造人物，而不是包办导演的工作。过度的镜头语言描述，反而可能限制导演的创造力，影响剧本的阅读体验，并显得越界。
因此，编剧应该在关键时刻，用精准的视觉语言来强化剧本的表达，但绝不能让其取代故事本身的力量，更不应以“指导性”的方式干涉导演的创作。这是一个需要经验和对电影艺术深刻理解的平衡之道。
网友意见
谢邀。
先说结论：镜头语言和剪辑手法是电影的重要组成部分，剧作文本也是电影的重要组成部分。我的名字叫做电影，谁要把我给割成两半，中间不允许有流动的血液，谁就是刽子手。
so，镜头语言和剪辑手法在剧本里……
1，大量地出现，是错的。
答之前看了很多朋友的讨论。题主，我知道你想吐槽什么。
我前段时间也被一个有钱没经验的小兄弟问了，“你给我的怎么不是分镜头脚本啊？”
我委婉地对他解释说，如果他愿意把原计划中付给导演的钱转交给我，我就给他一个分镜头脚本。
但在生活中，“有礼貌”是我提供给这个世界的招牌风景，虽然意思是拒绝，那一段话本身是真的又委婉又好听，搞得他不久后第二单生意，还是找我来做。
另外，如果他当时真的给了我另一份钱，我写不写分镜呢？
写。
他这样搞法，我不仅愿意帮他写分镜，还愿意给他介绍女朋友。
出来混，要想健康长寿，随和比暴躁更好用，赚钱比不赚钱更快活。
2，绝对不能有，也错了。
文学的能力是很宽泛的，能用它来把事情说清楚的，我就用文字说了；但有时候剧本里出现了它解决不了的问题怎么办呢？
我现举个例子，为了方便观众，我特地叫小伙伴帮我画了图→
如图，我不知道要在剧本里阐明一个这样的笑点，不用一点“镜头语言和剪辑手法”怎么做得到。
这个笑点的极简的文本是什么呢？“小刚放了三个屁，小明吃了七八口”？
这个漫画故事板只是一个玩笑，当然还有一些更重要、更有趣或与剧情联系得更紧密的段落，也是会遇到单纯用“文学”解决不了的状况的。
认真做事的时候，我是一个非常友好、也非常负责任的合作者。
用变焦怎么跟观众交流，用摇臂怎么跟观众交流，用剪辑怎么跟观众交流，这在我觉得有必要的时候，就是我剧本的一部分。
我写了，就是觉得这样还不错，值得给导演或其他岗位的伙伴这样一个建议，没有谁要做谁的老师——因为最后决定用什么方式来做，没有谁可以强迫谁。
我写得越认真，就是对伙伴越尊重，我怎么可能会把时间浪费在我觉得无能又无聊的人身上？
如果我写了几个这样的细节，居然有哪个导演会为此而生气，那他的心智一定还没有发育完全。
编剧的工作是对自己的作品负责，不是copy好莱坞的指引，也不是照顾小孩子的情绪。
镜头语言和剪辑手法，编剧到底能不能写？ 能。 怎么写？尽量不写。
掌握分寸依靠的是自己的思考，标准是：有没有必要。
ps：为了节约时间，怕有谁不在电脑前，我把作图指令同时发给了两个人，刚才的图是我表弟画的，它体现了我们家族制图水平的一如既往的天真和无能。
后来另一个小伙伴
@Child Rocket突然也一言不发地直接发图回复了我，唔……如下。
类似的话题
-
编剧是否应该在剧本中体现大量镜头语言和剪辑手法，这是一个复杂的问题，没有绝对的“是”或“否”。答案很大程度上取决于剧本的类型、编剧的个人风格、以及与导演的合作模式。以下我将从不同角度详细分析这个问题：一、 应该体现镜头语言和剪辑手法的理由（支持观点）： 帮助导演理解作者意图，建立视觉想象： ............. -
好家伙，问到点子上了！编导艺考这事儿，到底是在家门口的老家学校学，还是揣着一腔热血奔赴北京，这可真是个让人挠破头的难题。别说你了，当年我身边不少哥们儿都纠结得够呛。咱们先掰开了揉碎了聊聊这两条路，看看哪个更适合你。第一条路：家门口的“老家学校”这听起来是不是挺亲切的？感觉像是在自家后院练摊儿，熟悉的.............
-
非常理解你想成为编剧，并且正在为考研方向感到迷茫的心情。作为跨专业考研，选择合适的专业是至关重要的第一步。以下我将为你详细分析，希望能帮助你找到最适合你的考研方向。首先，我们要明确“编剧”这个职业的核心能力是什么： 故事建构能力： 如何构思一个引人入胜的故事，包括情节、人物、主题、冲突等。 .............
-
嘿，哥们儿，坐，咱们聊聊这“编剧梦”。你现在心里憋着一股劲儿，想成为一个能讲出好故事的人，对吧？ 这想法不错，真的。这行有魔力，能把生活里的鸡毛蒜皮变成让人拍案叫绝的起承转合。不过，你说“故事应该如何改变现状”，这问题问得太到位了，也是咱们这行最核心的磨炼。你想啊，什么叫“改变现状”？ 在电影、电视.............
-
“如今大多电视剧编剧被网络小说作家所取代”这个说法，我认为需要更审慎地看待，而对于“赞扬还是反对”，我认为也不能简单地一概而论，而是需要具体分析利弊，并审时度势地做出判断。首先，我们来深入探讨一下这个现象背后的原因，以及它带来的影响：一、为什么会有“网络小说作家取代电视剧编剧”的说法？1. 内容生.............
-
高考，这三个字在中国几乎无人不晓，它承载着无数家庭的希望与期盼，也决定着未来国家发展的方向。那么，在这个牵动全民神经的考试体系中，加入编程这一项，究竟是锦上添花，还是画蛇添足？我想从几个方面来好好掰扯掰扯。首先，我们要明白，为什么会有人提出将编程纳入高考？这背后有着非常清晰的时代逻辑。我们身处一个信.............
-
问到“学编程买什么笔记本电脑最好？”，这绝对是个好问题，也是不少想踏入编程世界的朋友们最关心的问题之一。其实，这个问题没有一个绝对的“最佳”答案，因为它很大程度上取决于你打算学什么编程方向、你的预算有多少，以及你个人的使用习惯。不过，我们可以把这个问题拆解开来，帮你理清楚思路，最终找到最适合你的那台.............
-
想学编曲，这绝对是个迷人的探索之旅！别担心，这不像你想象的那么高不可攀，只要找对路子，一点点积累，你也能玩转音乐。我来给你掰开了揉碎了，告诉你怎么从零开始，把编曲这事儿给搞明白。第一步：把你的“耳朵”练得更精明编曲说白了，就是用各种乐器（包括人声）把一段旋律或和弦编织成一首完整的曲子。所以，最最最重.............
-
好，小老弟（或者小姑娘），听你这么一说，2024年高二成绩680+想走播音编导这条路，我这心里头就透亮了！这分数在很多一本院校里都够着了，再加上你对播音编导的热情，这起点可真不低，恭喜恭喜！你想知道目标院校，这事儿可不能瞎打听，得咱们好好捋一捋。播音编导这个专业，说白了就是“形象+内涵+专业技能”的.............
-
作为一名编导专业的学生，你的视野和品味是塑造你未来创作的关键。电影是编导的语言，是思想的载体，更是情感的出口。所以，看电影不应该仅仅是娱乐，而是学习、思考、提炼的过程。以下我为你精心挑选了一些电影，希望能帮助你打开思路，扎实基本功，并激发你的创作灵感。我会尽可能详尽地解释为什么推荐它们，以及你可以从.............
-
想迈进游戏开发这个充满魔力的世界，选择什么专业，确实是个值得好好琢磨的问题。别急，咱们一步一步来，把这事儿掰扯明白了。首先得明白，游戏开发可不是“一招鲜吃遍天”的活儿。它是个高度集成、多工种协作的艺术。所以，没有一个万能的“游戏开发专业”能包罗万象。你选择什么专业，很大程度上决定了你在这个链条上扮演.............
-
Shader的编写，这个看似技术与艺术交织的环节，常常让许多团队陷入一个经典的讨论：这究竟是美术的范畴，还是程序员的职责？答案并非非此即彼，而是一个复杂的、充满协作的动态过程。要深入探讨这个问题，我们得先搞清楚Shader到底是什么。你可以把Shader想象成游戏里物品的“皮肤”和“表情”。它不是游.............
-
关于中小学教师编制是否应该终身制的问题，确实是一个牵动很多人心弦、也引发不少讨论的议题。即便是发展到今天，社会上仍然有相当一部分人坚守着“教师终身编制”的理念，这背后有着多重原因，而且这些原因往往不是单一的，而是相互交织的。让我们试着剥开层层迷雾，看看究竟是什么让这个观念如此根深蒂固。首先，我们得回.............
-
设计师是否应该学习编程，是一个需要结合个人职业目标、工作内容和行业趋势来综合判断的问题。以下从多个角度详细分析这一问题，并给出建议： 一、为什么设计师应该学编程？1. 理解技术限制，提升设计效率 技术边界意识：编程知识能帮助设计师理解网页、APP等技术实现的限制（如HTML/CSS的布局限.............
-
行啊，这事儿我熟！漫威宇宙那个套路，往三国一套，那叫一个天雷勾地火，绝对炸裂！咱们就这么盘，绝对给您整得明明白白，比AI那套死板的流程强太多。首先，得定个基调。漫威宇宙玩的是什么？是英雄崛起，是能力觉醒，是个人成长史，还得有宏大的世界观和各种势力角逐。三国那帮老家伙，本身就是活生生的“超能力者”和“.............
-
.......
-
编曲师接到急单，确实是个不小的挑战，尤其是在保证质量的前提下。但别担心，这就像一场紧急救援行动，只要思路清晰、准备充分，就能高效漂亮地完成任务。下面，我就来跟你唠唠，一个经验丰富的编曲师在面对这种“火烧眉毛”的任务时，是怎么做到又快又好的。第一步：快速“情境感知”与“目标锁定”接到单子，千万别一股脑.............
-
在讨论如何有效打击美军航母编队这一复杂且敏感的话题时，我们需要从多个层面深入分析，并借鉴军事理论、历史经验以及现代科技发展。这并非一个简单的“一击制敌”的答案，而是一个系统性工程，涉及情报、战略、战术、技术以及心理等多个维度。首先，要明白航母编队的强大之处。它是一个高度集成、多兵种协同的作战平台，核.............
-
这个问题触及了许多基层医疗从业者的心坎儿，也牵动着不少年轻医生的职业选择。放弃乡镇卫生院的编制去规培，这绝不是一个简单的“是”与“否”能概括的。它背后涉及的考量非常多，关乎职业发展、生活保障、个人理想等等。我试着从几个方面给你掰扯清楚，希望能帮你想得更明白些。一、 乡镇卫生院编制的“甜头”与现实首先.............
-
好，这个问题特别现实，我特别理解你现在的想法。编导行业确实是名利场，竞争激烈，也需要体力和脑力，所以三十岁这个年纪，拼劲十足，觉得还有机会，这非常正常。但同时，你已经开始为未来做打算，想知道过了四五十岁还能干点啥，这又是一个非常成熟和理性的思考。我来跟你掰开了揉碎了聊聊，把那些“套话”都去掉，咱们就.............
本站所有内容均为互联网搜索引擎提供的公开搜索信息，本站不存储任何数据与内容，任何内容与数据均与本站无关，如有需要请联系相关搜索引擎包括但不限于百度，google,bing,sogou 等
© 2025 tinynews.org All Rights Reserved. 百科问答小站 版权所有