艺术的本质是什么？
如果非得给它一个“本质”，我想，那得是“表达”和“触动”。
先说这“表达”。人啊，这心里头藏着太多东西了。有那些说不出口的喜悦，有那些憋在心底的痛苦，有那些转瞬即逝的灵感，还有那些对世界万物的好奇和疑问。语言虽然能表达很多，但总有些情绪、感受，用词汇去框住，反倒显得笨拙，甚至是亵渎。这时候，艺术就成了最好的信使。
你可以想想，一个画匠，用他粗糙的双手蘸着颜料，在画布上涂抹，也许是一片辽阔的草原，也许是一张饱经风霜的脸庞。他可能想表达的是对自然的敬畏，也可能是对生命无常的感慨。他的笔触、色彩的选择，那些明暗的对比，都带着他这个人独有的印记，一种他无法用言语清晰传递的情感。
又比如音乐。一个作曲家，他可能在深夜里，对着星空，心中涌起一股莫名的情愫，那是欢愉还是忧愁，他自己也说不清。于是，他拿起笔，在纸上写下音符，那些跳跃的旋律，那些和谐或不和谐的和弦，它们仿佛有了生命，能钻进你的耳朵，绕进你的心里，让你不自觉地跟着它起舞，或者潸然泪下。这其中包含的，正是作曲家那份无法用文字具象化的心绪。
再往前说，一个诗人，他可能看到一片落叶，勾起了他对时光流逝的伤感，或者对生命轮回的思考。他用精心挑选的词语，将这份感受凝练成一首诗。那些意象的组合，那些节奏的韵律，都在悄悄地告诉你，他看到了什么，感受到了什么。
所以，“表达”是艺术的根基。它承载着创作者最真实的情感、最独特的视角、最深刻的思考。它不是简单的模仿，也不是无病呻吟，它是艺术家内心世界的袒露，是一种能量的释放。
而这第二点，“触动”。光有表达还不够，艺术的生命力在于它能触动观者。这种触动，可能是瞬间的，也可能是长久的；可能是惊喜的，也可能是引人深思的；可能是直接的，也可能是含蓄的。
当你的眼睛扫过一幅画，它可能让你一下子想起童年的某个片段；当你听到一段旋律，它可能让你回忆起某个重要的人；当你读到一首诗，它可能让你突然对生活有了新的领悟。这种“触动”，就是艺术真正穿透人心的地方。
艺术不是一本教科书，它不直接告诉你“你应该这样想”或者“事情就是如此”。它更像是一面镜子，映照出你内心的某些东西，唤醒你沉睡的情感，或者让你看到一个从未发现过的世界。
有时，艺术的触动是关于美的。那是一种让人心旷神怡的和谐，一种视觉或听觉上的愉悦。有时，艺术的触动是关于真善美的追寻，它让我们对生活中的美好产生向往。有时，艺术的触动却是关于丑陋和痛苦的揭示，它让我们反思社会的阴暗面，让我们对苦难产生共情。无论是哪种触动，它都在悄悄地改变我们对世界的认知，对生命的理解。
更进一步说，艺术的本质也关乎“创造”和“共鸣”。
“创造”是艺术家将无形的转化为有形的过程，是他们用自己的智慧和技艺，在材料中注入灵魂。无论是雕塑家手中的石头，还是音乐家脑中的旋律，都是一次从虚无到实有的创造。这本身就是一种强大的力量，它打破了既有的边界，拓展了我们想象的空间。
而“共鸣”，则是当艺术品与观者之间产生了一种无声的连接。你可能并不认识这位艺术家，甚至对他的背景一无所知，但你却被他的作品深深打动，因为你们在某种程度上是相通的。这种共鸣，让我们感到自己并不孤单，我们的感受、我们的思想，在艺术的世界里得到了理解和回应。
当然，艺术的“本质”也不是一成不变的。不同的时代、不同的文化，对艺术的理解都会有所差异。从穴居时代的壁画，到古希腊的雕塑，再到现代的抽象艺术，它们都各自有其独特的时代精神和表达方式。但无论形式如何变化，那份“表达”和“触动”的核心，却似乎从未离开。
所以，艺术的本质，它是一种精神活动，一种情感的流动，一种对生命和世界的独特认知。它让我们看到那些看不见的东西，听到那些听不见的声音，感受到那些触摸不到的温度。它不是生活的必需品，但它却是让生活变得有滋有味、有深有度不可或缺的一部分。它让我们成为更完整的人，也让我们的世界变得更加丰富多彩。说到底，艺术，就是我们人类内心深处最动人的回响。
网友意见
本质上都是神经系统的不规则放电，这一点，与其他创造性工作没什么不同。但艺术与艺术之间还不一样，不同的艺术形式，各有各的本质。
譬如舞蹈，是对自身形体的控制与把握能力的纯熟运用与创造性发挥，放电的部位便左后脑中间凹下去的部位，状态出来的时候，那种麻酥酥的感觉，令人痴迷不已。
绘画，是对色彩与光影的拿捏与发挥，形状当然不必提了，放电部位在前额深处，与眼睛连接的附近，出状态的时候，会心情愉快，从心底升腾出来的幸福感。
歌唱，是对声带及喉部、脑腔，以及胸腹的把控能力，放电部位在中脑偏深处，状态出来的时候会浑身放松，飘飘欲仙，一副君临天下之感。
诸如此类吧，想从事艺术工作，搞好艺术的人，只需要做个合格的神经电工即可。
什么是“本质”？“本质”就是那个“是其所是”的东西。艺术的本质是什么？就是使艺术成为艺术的东西。那么这个东西是什么？我可以非常负责任的告诉题主，倘若你想用概念把这个本质归纳出来，这条路是行不通的，道理很简单：艺术是感性经验的综合，并且不以概念为判断的感性经验，换句话说，那是个人人都可能意会，但就是说不出来的东西。这不是我说的，这是康德说滴。
所以如果有人用“人是理性的动物”这种逻辑告诉你艺术是什么，他一定在“装逼”。所以，与其编一些概念讲什么是艺术，不如向题主介绍一下“艺术史”，也许从普遍的历史中，你能发现你所渴望看到的那个艺术本质。
自人类文明诞生那一刻起，艺术也就跟着出现了，并且随着人类历史逐渐发展。最早的艺术是今天被我看成“封建迷信”的“巫术传统”，即在早期人类社会“万物有灵”的时代，“巫术”是保留至今人类最早的艺术形式，虽然初民们并不这样认为。
随后艺术被赋予社会道德和宗教伦理的价值，而后又发展出对自我的剖析和表达，这期间走过来上万年的道路。“艺术”这个词的含义也随着社会风俗而不断扩充，直至我们现在的样子。
我们可以看到，距今两万多年前的旧石器时期，人类就已经在岩壁上留下了相当多优秀的壁画。位于西班牙的阿尔塔米拉洞穴，留存着大量旧石器时代的壁画，有简单的风景草图，大量的是重彩的动物画，包括野马，野牛，猛犸，山羊等等。他们用块石，土壤和动物的血混合出的颜色，历经万年依旧不褪色。这些动物形象线条流畅清晰，神态逼真。他们用十分写实的手法，描绘着当时人类熟悉的形象。在同样旧石器时期的法国南部的拉斯克洞穴中，除了壁画以外，还发现了祭祀的痕迹。说明在当时，艺术作品已经在小范围里内有了一定的社会意义。
几乎同时，在我国发现的山顶洞人的遗迹中，发现了用兽骨，贝壳等制作的项链，有的甚至还有未完全褪色的红色颜料的痕迹。很明显，旧石器时代的人类已经有了“美”的概念，而红色是鲜血的颜色。在狩猎采集时代，是很容易将红色（鲜血）和“神”联系到一起的。部落中有的人有更好更漂亮的贝壳，数量也更多，他们的饰品也就相对其他人来说更加华丽，由爱美而产生的“艺术”也一定程度上推动了阶级的分野。
在人类文明已成规模的古希腊时期，对应我们的春秋战国时期，那时的艺术已经发展到了一定的程度。各位大家都对艺术提出来自己的见解和要求。例如柏拉图在他的《理想国》中所表达的，他认为艺术一定要对社会有积极影响，并且认为艺术反映不了“真实”，只是对“真实”的模仿。而所有的公民（贵族）不应该从事任何艺术创作工作，因为那是“手艺人”（平民）的活计。而他之后的亚里士多德却认为，艺术可以比“真实”更加真实，因为艺术时反映事物应该有的样子，而不是单纯的模仿事物本来的样子。这样不同学派之间的争辩，大大的推动了艺术的发展，不论是造型艺术或文学艺术。
在这段时期，也正是我们常说的古典希腊时期，造型艺术达到了空前的高度，希腊悲剧和荷马史诗也是至今为止很多艺术的灵感来源。他们对客观的追求和对美更深层次的理解，创造了辉煌的成就。同时也对艺术所应当表达的“真”“善”“美”有了更深层次的讨论和见解。也正是这个时期，东西方的艺术开始有了明显的区别。
春秋战国时期的思想界百家争鸣，而各家对艺术的讨论也各不相同，其中对后世的发展最大的就是儒道两家，可以说是树立了艺术发展的样本和道路。孔子最大的主张是出世，于是艺术对于孔子而言，艺术所追求的是“和”，是“思无邪”，是“至善至美”。他认为艺术必须对社会有教化作用，各个阶级都遵循属于自己的“礼”。并且认为艺术作包涵的感情必须是一种有节制、有限度的感情（发乎情，止乎礼）。对于老子而言则轻松许多，他认为艺术的实质并不是创作或把握物像的形式美，而是认识和把握事物的本体和生命，这也就是“道”在艺术中的运用和体现。并且要求虚与实结合和统一（有之以为利，无之以为用）。
自此往后，中国古典艺术在唐宋元三朝是达到顶峰，那时的艺术作品分为三个层次，“情”，心灵对印象的直接反映；“气”，“生气远出”的生命；“格”映射着人格的高尚格调。中国的艺术家们不满足于纯粹客观的机械式的摹写，他们认为艺术不是单纯的平面再现，而是对境界的创构。优秀的作品能够以小见大，从有限中望到无限，能反映出宇宙中的生气，能体现出创作者的品格。这样的艺术创作原则一直延续至今。
另一方面，西方经过文艺复兴，启蒙运动等一些列重要的思想改革，艺术也随之变了面貌。即使是经历了所谓“黑暗的中世纪”，艺术依然有着自己的道路，那时民间的传奇话本故事依然为后世的艺术创作打开了又一扇窗。文艺复兴是一个压抑后爆发的阶段，启蒙运动可以看作是文艺复兴的延续，那时的艺术依然为宗教服务，只是艺术家们将自己的人文主义思想更多地加入作品之中，艺术家们也有更多的表达自由。并且那时艺术开始与商业相关联，也是后世艺术创作的一个引子。
自康德以后，西方艺术才算是有了较为彻底的转变，而随后的歌德和席勒，是对康德强有力的补充，而再之后的黑格尔则是对这个体系完美总结。“美是理念的感性显现”这个结论，正是站在前面众多先哲和艺术家的肩膀上说出的总结。正是众多哲人和艺术家的工同工作，诞生了浪漫主义，以及它的对应面现实主义。这一阶段的艺术，浪漫主义代表的是个人的意愿和理想，现实主义则是代表了广大的人民，多半以劳动人民和自然为题材。
到今天，可以说资本主义社会继承了浪漫主义的艺术创作特点，现实主义的产生就是因为浪漫主义作品逐渐的脱离了现实生活，只着重于表现一些飘渺浮夸，、华而不实的东西。而随后而来的众多现代艺术流派，则是专注于表现自我，以“我”为中心，当代艺术就是在这样的背景下产生的。
说到这里，艺术的本质反而越来越模糊，越来越宽泛。其实艺术说到底只是对“美”的追求，各个时代和地域对于“美”对理解不同，因而对“美”的表现形式也大相径庭。在现代社会，“美”的含义以及被无限扩充，并且和“漂亮”有了比较明显的区别，任何事物都可以是“美”的，只因审美的人不同，“美”的显现也就不同。
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