学钢琴的路上是什么让你的演奏有了质的飞跃？
大概是在我学琴的第三年左右吧，那时候我已经能弹奏一些难度不算小的曲子了，比如肖邦的夜曲，或者一些巴赫的平均律。我努力模仿唱片里大师们的演奏，技术上尽量去贴合，音色也 старался ( staraos 俄语，意思是“努力”) 做好。但总感觉隔着一层纱，弹出来的东西总是不够“生动”，甚至有点“死气沉沉”。即使老师夸我“指法很稳”、“音色很美”，我自己心里也清楚，这还不是我想要的。
那个转折点发生在一次练习德彪西的《月光》。这首曲子我练了很久，也听了很多版本。我能弹准每一个音，控制好力度，甚至连踏板的运用都尽量去模仿。但是，总觉得那种朦胧、梦幻的感觉，那种光影的流动，在我这里就是出不来。我反复地问自己，到底是我手指不够灵巧？还是我的耳朵不够敏锐？
有一天，我像往常一样，带着点沮丧地坐在琴凳上。那天天气很好，阳光透过窗户洒进来，在地板上形成斑驳的光影。我无意识地看着这些光影在移动，然后鬼使神差地，我决定不按照乐谱上写的去弹。
我开始凭着乐谱上大致的意境，去“感受”德彪西想表达的。我放慢了速度，慢到几乎可以用手指去触摸每一个音符的重量。我不再追求每一个音都像珍珠一样滚出来，而是让它们像水滴一样，轻轻地落在水面上，荡开涟漪。我开始尝试在音与音之间加入一些“呼吸”，一些微妙的停顿，让它们之间产生一种藕断丝连的联系。
最关键的改变，来自于我对“声响”的理解。我突然意识到，钢琴的每一个声音，它不仅仅是“音高”和“力度”的组合，它是一个“活生生”的声响。这个声响有它的“质感”，有它的“呼吸”，有它的“情绪”。
我开始用一种非常细腻的方式去控制琴键。我不再是“按下”琴键，而是“引导”琴键下去。我闭上眼睛，用指尖去感受琴键的“反馈”，去感受琴槌击打琴弦的那一瞬间发出的声音。我让每一个音都带上一种“情绪”，有的轻柔如羽毛，有的则带着一丝淡淡的忧伤。
我不再刻意去模仿某个大师的某个细节，而是努力去理解德彪西在写下这首曲子时，他脑海里可能出现的画面，他想要传达的那种宁静与美好。我让我的情感自然地流淌到指尖，通过琴键传递出去。
那天下午，我不知道弹了多少遍《月光》。当我已经完全沉浸在那种状态里时，我感觉到一种前所未有的“顺畅”。手指仿佛不再是我的“工具”，而是我情感的延伸。我弹出的声音，不再是“模仿”，而是“表达”。
从那天起，我的弹奏不再是为了“弹对”而弹，而是为了“说出”我想说的话。我开始更加主动地去理解每一首乐曲的“灵魂”。我会在练习前花时间去听不同的版本，去了解作曲家的生平，去感受那个时代的氛围。我不再害怕犯错，因为我知道，每一次尝试，都是在接近我想要表达的那种音乐的本质。
当然，这并不是说我一夜之间就变成了大师。技术上依然需要不断地打磨和精进。但是，从那个时候开始，我的演奏仿佛被打通了任督二脉，不再是技术上的堆砌，而是真正有了“生命”。我开始能够用音乐去打动自己，也能够去打动别人。这种从“机械弹奏”到“情感表达”的转变，是我学琴路上，最宝贵、也最让人兴奋的飞跃。
网友意见
我知道知乎是个很棒的平台，平时太忙了一直也没有和大家交流。最近手臂发炎正在恢复，所以也能有时间分享一些自己的感受。很高兴能有这么一个机会，通过知乎平台，跟大家交流在音乐学习中的一些感受和经验。
所谓飞跃，一定要有基础，就像堆积木一样，一定要积累到一定程度才能飞跃。没有前期的积累，不会有飞跃。所以，第一个飞跃点，以及每个飞跃点，都是有时间积累前提的。
而且，我们在学习过程中，要有开放的心态，一定要多看，多听，多学，才能悟到一些东西。多和人交流，不能闭门造车，也不怕跟人分享。就像学语言要多说一样，我们要多上台，多弹琴给别人听。
也有可能随着我们的成长，我们也慢慢成熟了，艺术上出现飞跃，但这也是在前期不断交流，不断思考，不断学习的基础上，一点点累积出来的。
就好像我刚到Curtis的时候，觉得同学中很多都是天才，他们对音乐的理解就像大师一样。当时我就觉得，有太多的东西要学习了，在国内的所谓的优势，已经变得没什么了。
于是，我就像海绵一样，不仅跟老师学，也跟同学学，跟这个学一点儿，跟那个学一点儿。有同学弹西班牙东西弹得好，我就学他的拉丁的节奏，豪放；有同学出身音乐世家，教会了我太多的音乐知识；有同学弹琴的架势特好，特有钢琴家的范儿，弹琴的样子看起来特有气质，和我简直是鲜明的对比，现在我也学来了。
但很重要的是，一定要保持一个开放的心态，多学习，多交流。古典音乐本身是很开放的。比如，Mozart的音乐里有很多奥地利country music，那么我们是不是要听听这样的音乐？比如，我开始时一直找不到感觉，不知道怎么弹拉二的开头，有一次去圣彼得堡开音乐会，听到塔楼钟声有了灵感。
所以，我们不仅要以这种开放的心态多听，多看，多交流古典音乐，也要和其他音乐形式多交流。我们也可以像Mozart一样，从其他音乐，得到灵感，比如爵士、摇滚、流行；或者像rach一样，从周围的声音得到灵感。
从我自己学琴的经历来看，也是从小在学习中经历了一个一个的关卡，step by step的。第一个是爱好，自己是不是喜欢音乐；然后是第一次登台；第一次参加比赛；第一次考到音乐学院；参加国际比赛；然后进入professional training；走到职业路上后，就是怎样如何提高水准，超越一些旧有比如种族的偏见，然后进入到大的世界……
每一关都要突破自己，突破一个状态。我现在也在学习，学新曲子，学新的东西。所以，学琴时，一定要一步一步打好基础，不要着急。尤其是小孩子，不要因为一次两次比赛结果不理想而消极失落。
参加比赛，对大家学琴会很有帮助，但要注意，比赛不过是一种方式，不是一个结果。最重要的是，你能从参赛中总结到什么，不管是第一名还是最后一名。
就像我七岁时，第一次参加全国比赛，连前三名都没进去，就是第七第八名这种荣誉奖安慰奖。当时我非常失望，有一种小孩子的自信心膨胀到一定程度后，遇到失败的失落，很可怕。我当时居然冲到考场里，跟评委说：不公平！现在想起来，也觉得很可笑，那时候实在是非常不冷静。
现在，有时候我也会看到一些小朋友，会有我当时那种状态，就是当比赛没进决赛，或者最后没拿奖时，比较消极。
我们从事艺术的人，千万不能有所谓的输在起跑线上的想法。有可能有些人在开始那几年会落后一些，但有可能因为积累足够深厚，到了一定年龄，每个方面都成熟起来后，一年之内就超越过去。有些时候，因为积累够深，随着理解程度的提高，一旦悟到了，就很快能超越。
因此，我希望大家不要着急，不要太看重比赛成绩。参加比赛后，一定要找到自己的不足，比如老师和评委对参赛学员的想法，有什么意见，这些参赛的人都需要知道。不管是好的优势方面，还是缺点方面，大家都要清楚的知道。只有知道自己的优势在什么地方，缺点在什么地方，才能知道怎么去解决问题。
我认为，飞跃必须是在一步一个脚印积累的基础上，从跟其他人，包括跟老师交流的过程中，也包括跟其他音乐形式，甚至其他艺术形式，以开放的心态交流过程中，领悟到一些东西之后的产物。
先说到这里吧。
当有个人问我，你确定你学的那些东西都是对的？你真的懂涅高兹书里写的东西吗？然后就是一个巨大顿悟。那人是我这辈子最感激的恩师。
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