作为一个导演，如何引导一个表演零基础的人？
作为导演，引导一位表演零基础的演员，是一项充满挑战却也极具成就感的工作。这就像在白纸上作画，你需要有耐心、有方法，更需要敏锐的观察力和丰富的想象力。以下是我作为导演，将如何一步一步引导一位零基础演员的详细过程：
第一阶段：建立信任与安全感，点燃表演的火花 (Foundational Stage: Building Trust & Safety, Igniting the Spark)
这是最关键的第一步，因为零基础的演员往往会感到不安、羞怯，甚至害怕犯错。我们的目标是让他们感受到安全，愿意尝试，并对表演产生好奇心。
1. 建立初步联系与友善的氛围：
见面聊聊： 在正式拍摄或排练前，我会花时间单独与演员见面，进行一次非正式的谈话。这不是为了评判，而是为了了解他们这个人。我会问一些轻松的问题，比如他们的兴趣爱好、为什么接这个角色、对这个角色的初步感受等等。
倾听与共情： 让他们知道，我知道他们是零基础，这没关系。我会分享我自己作为导演或演员的经历中，有过类似的不安或挑战，让他们觉得“我不是一个人”。强调“我们是一个团队，一起完成这个工作”。
强调“没有错误”： 让他们明白，排练不是考试，每一次尝试都是进步。鼓励他们大胆去演，即使感觉很荒谬或不自然，都是一种探索。我们会一起寻找那个对的点。
肢体语言的表达： 我会保持开放、放松的肢体语言，目光交流，微笑，用友善的语气。避免使用居高临下的态度。
2. 引入表演的基础概念（非理论，而是体验）：
“我”的体验： 在具体的场景或台词之前，我们会从“我”出发。我会引导他们回忆自己生活中相似的情感经历。例如，如果角色要表现失落，我会问：“你有没有试过，因为某件事让你觉得特别失望？”让他们用自己的语言和感受来描述。
肢体与情感的连接：
简单的动作游戏： 玩一些简单的肢体游戏，比如模仿动物、模仿不同的情绪（高兴、生气、害怕的走路方式），让他们的身体自然地动起来，摆脱“僵硬”。
呼吸训练： 引导他们感受呼吸对情绪的影响。深呼吸、浅呼吸、憋气再释放，观察身体的变化。这有助于他们连接身体和内心的感受。
“情绪转移”练习： 设定一个简单的目标，比如“想象你是一棵大树，你感觉到了什么？”或者“你是一块石头，风吹过你，有什么感觉？”让他们用身体去表达。
“想象力”的激活：
“如果”游戏： “如果你能飞，你会飞到哪里？为什么？”“如果你只有一分钟时间说出你最想说的话，你会说什么？”这能激活他们的想象力，让他们敢于去创造。
场景想象： 描述一个简单的场景，比如“你在一个荒岛上，你看到什么？你有什么感觉？你下一步会做什么？”让他们用自己的方式去填充细节。
3. 面对台词的挑战：
台词的理解，而非记忆：
“这句台词，你为什么要说？” 引导他们理解台词背后的动机。不是为了念出来，而是为了达到什么目的？是想让对方相信？还是想引起注意？
“如果换一种方式说呢？” 鼓励他们用不同的语调、速度、音量来念同一句台词，让他们体会声音的能量和表达力。
“如果这句台词是你自己想出来的，你会怎么说？” 让他们用更生活化的语言去表达角色的想法，找到属于他们自己的语感。
场景的分解与重组： 将复杂的场景分解成小的行动和意图。例如，一句台词可能包含“看到对方”、“思考”、“决定说什么”、“说出来”。我们会逐一练习这些小动作和意图。
“情境填空”： 给出场景，但不给出具体的台词，让他们根据情境和角色动机去表达。例如：“你听到一个让你非常开心的消息，现在你准备告诉你身边的人。”
录音与回听（谨慎使用）： 如果演员愿意，可以偶尔录下他们的排练，让他们自己回听，但要温柔地引导，避免让他们因为听到自己的声音而产生不适。重点是让他们听到自己的“可能性”。
第二阶段：构建角色与情境，深化表演的逻辑 (Developmental Stage: Building Character & Context, Deepening Performance Logic)
在建立初步的信任和开放性之后，我们要开始将演员的个体感受与角色的需求结合起来，让表演有血有肉。
1. 角色分析与“个人化”：
角色的“我”： 引导演员思考“如果我是这个角色，我会怎么做？我会怎么想？”将角色的经历与演员自身的经历产生连接点。即使是截然不同的角色，也可以找到共通的人性层面。
角色的动机与目标：
“这个角色最想要的是什么？” 无论是在整个故事中，还是在某个场景中。
“为了达到这个目标，他会做什么？” 挖掘角色在不同情境下的行动力和策略。
“他害怕失去什么？” 恐惧是强大的驱动力。
角色的背景与生活习惯： 即使不需要演员全身心投入角色的背景生活，但了解一些基本信息（比如角色的职业、生活环境、和谁关系好）能帮助演员找到表演的“根”。
“角色的标签”练习： 给我一些关于角色的词语（比如：固执、敏感、幽默），让他们用身体和声音去呈现这些标签。
2. 场景的深入排练：
“是什么驱动了这个场景？” 讨论场景的起因、发展和结束。
“场景中的行动是什么？” 强调动作的意义，而不是仅仅念台词。每一个动作都应该服务于角色的意图。
“当对方说出这句话时，你脑子里在想什么？” 引导演员关注对手戏的交流和反应，而不是只顾自己的台词。
“如果撤掉台词，你能演出来吗？” 这是一个经典的方法。让演员用纯粹的行动、表情、眼神去表达角色的想法和情感，然后再加入台词。
“多重选择”的排练： 对于一个场景，尝试用不同的处理方式来排练，比如：
更激烈的 vs 更内敛的
更悲伤的 vs 更愤怒的
更快速的 vs 更缓慢的
这能帮助演员探索角色的更多可能性，并找到最适合当下的表达。
3. 声音与肢体的细化：
“让声音成为你的朋友”：
音域拓展： 鼓励他们尝试用不同的音高和音色去表达。
节奏与停顿： 分析台词中的节奏点，哪里需要快，哪里需要慢，哪里需要停顿思考。
咬字与吐词： 关注清晰度，尤其是在需要传达特定情感时。
“让身体说话”：
眼神的运用： 眼神是心灵的窗户。引导他们如何用眼神表达关注、回避、思考、爱慕等情感。
微表情的练习： 关注面部细微的肌肉变化，比如眉毛的轻微上扬、嘴角的牵动。
身体的“重心”和“姿态”： 不同的情绪和角色有不同的身体重心和姿态。比如，紧张时身体会收缩，自信时身体会舒展。
“身体记忆”的构建： 通过重复和体验，让角色的一些标志性动作或习惯自然地融入演员的身体。
第三阶段：打磨细节与突破瓶颈 (Refinement Stage: Polishing Details & Breaking Through Bottlenecks)
当演员对角色和情境有了基本的掌握后，我们需要进入细节打磨和克服可能出现的瓶颈。
1. 精准化与细节挖掘：
“这个动作为什么要做？” 对每一个细微的动作都追问背后的动机和目的。
“这个反应是否足够准确？” 观察演员对对手戏的反应是否自然且符合角色逻辑。
“有没有更具象化的表达方式？” 比如，不是说“我很生气”，而是通过一个具体的动作，如“用力抓住桌角”。
“寻找属于你的‘个人化细节’”： 鼓励演员在角色基础上，加入一些他们自己生活中的小习惯或思考方式，让角色更具辨识度。
2. 克服表演瓶颈：
“卡壳”时的处理： 如果演员在某个场景或台词上反复卡住，我会：
回溯： 重新回到这个场景的前一个点，或者更早。
切换视角： 尝试让演员从导演的角度或对手的视角来看待这个场景。
转移注意力： 暂时离开这个卡壳点，排练其他部分，之后再回来。
“不追求完美，追求通关”： 有时候，告诉演员“先过一遍，不完美也没关系”，反而能减轻他们的压力。
改变排练环境或时间： 有时换个地方排练，或者在演员状态更好的时候，会有意想不到的突破。
“用力过猛”或“太干”的处理：
“减法”与“加法”： 如果演员用力过猛，引导他们寻找“减法”，即找到最核心的动机，用更精准的力度表达。如果表演太干，引导他们寻找“加法”，即加入更多的内心感受和身体反应。
“真实”而非“演”： 不断强调“真实感受”的重要性。当演员追求真实时，表演会自然而然地变得生动。
3. 适应镜头与技术层面（如果适用）：
镜头意识的培养： 简单介绍镜头在做什么，什么时候是特写，什么时候是远景。引导演员知道在镜头前，他们的眼神和细微表情会更被放大。
“对着镜头说话”的练习： 让他们习惯看着镜头（或标记点）说话，但要提醒他们这依然是表演，不是真的在对一个机器讲话，而是对着镜头后的观众。
保持角色状态： 在镜头转换、等待时，也要尽量保持角色的状态和情绪，避免跳戏。
贯穿始终的重要原则 (Overarching Principles)
耐心与重复： 表演的学习是一个过程，需要大量的耐心和不厌其烦的重复。
鼓励与赞美： 及时肯定演员的每一个进步，即使是很小的进步，也要给予真诚的赞美。这能极大地提升他们的自信心和积极性。
开放性与灵活性： 演员是活的，他们的状态是多变的。导演需要保持开放的心态，随时准备调整方法。
创造一个“游戏”的氛围： 将排练过程变得有趣、像一场探索游戏，而不是枯燥的训练。
相信演员的潜力： 即使他们是零基础，也要相信每个人内心都有表演的种子，我们的任务是帮助这颗种子发芽、生长。
个人化的指导： 每个演员都是独特的，没有一种方法适用于所有人。要根据演员的个体差异，调整指导方式。
举例说明一个场景的引导过程：
场景： 一个女孩第一次收到一份令她非常失望的礼物。
演员： 小王，完全零基础，有点内向。
导演指导流程：
1. 建立信任： “小王，你准备好了吗？我们今天要演一个收到失望礼物的场景。你知道的，每个人都可能遇到类似的事情，可能不是礼物，可能是别的什么让你觉得‘哎呀，不是我想要的’。所以，我们先不谈台词，就聊聊你有没有过类似的感觉？”
2. 情感到位： “想象一下，你特别期待某个东西，比如一本书、一件衣服、或者一个机会。然后，它来了，但它完全不是你想要的那样，甚至让你觉得有点无趣、不对劲。那一瞬间，你心里是什么感觉？是有点难过？有点失落？还是有点不知所措？”
3. 肢体感受： “好，我们现在就试试这个感觉。你手里拿着一个盒子（想象一下），你慢慢打开它，看到里面的东西。你的身体会有什么反应？也许你会慢慢放下盒子？也许你会低头看盒子？也许你会觉得肩膀往下沉？”
4. 台词探索（如果剧本有）：
理解动机： “她为什么会说‘谢谢’？是因为她真的感谢，还是因为不想让对方难堪？我们试试用一个特别勉强的、有点僵硬的‘谢谢’。”
情绪转移： “‘谢谢’这句话，用失望的语气怎么说？用有点勉强的语气怎么说？用想 빨리结束对话的语气怎么说？”
拆解动作： “她拿到礼物后，先把礼物放下了。这个放下，是什么样的放下？是小心翼翼地放下，还是有点随意地放下？是放到旁边的桌子上，还是随手丢在一边？”
5. 对手戏与反应： （如果有对手戏的演员）“当你男朋友送礼物给你，他看着你，希望你开心的时候，你是什么反应？你会看他吗？你会勉强笑一下吗？还是会低头不说话？”
6. 细节打磨： “你刚才把礼物放下后，手在桌子上摸了一下，这个‘摸’，是在想什么？是在无意识地找点什么来安慰自己吗？还是只是手指在发呆？”
7. 反馈与鼓励： “小王，你刚才那个把礼物放下的动作，特别好，那个感觉很对！我们再试试看，当你说‘谢谢’的时候，能不能让你的眼神也跟着传递一点失落？”
引导零基础演员是一门艺术，也是一项技术。最重要的，是导演对演员的信任和尊重，以及愿意投入时间和精力去陪伴他们一起成长的决心。 当你看到一位曾经羞怯的演员，在你的引导下，逐渐释放自己的光芒，那将是作为导演最美好的回报之一。
第一阶段：建立信任与安全感，点燃表演的火花 (Foundational Stage: Building Trust & Safety, Igniting the Spark)
这是最关键的第一步，因为零基础的演员往往会感到不安、羞怯，甚至害怕犯错。我们的目标是让他们感受到安全，愿意尝试，并对表演产生好奇心。
1. 建立初步联系与友善的氛围：
见面聊聊： 在正式拍摄或排练前，我会花时间单独与演员见面，进行一次非正式的谈话。这不是为了评判，而是为了了解他们这个人。我会问一些轻松的问题，比如他们的兴趣爱好、为什么接这个角色、对这个角色的初步感受等等。
倾听与共情： 让他们知道，我知道他们是零基础，这没关系。我会分享我自己作为导演或演员的经历中，有过类似的不安或挑战，让他们觉得“我不是一个人”。强调“我们是一个团队，一起完成这个工作”。
强调“没有错误”： 让他们明白，排练不是考试，每一次尝试都是进步。鼓励他们大胆去演，即使感觉很荒谬或不自然，都是一种探索。我们会一起寻找那个对的点。
肢体语言的表达： 我会保持开放、放松的肢体语言，目光交流，微笑，用友善的语气。避免使用居高临下的态度。
2. 引入表演的基础概念（非理论，而是体验）：
“我”的体验： 在具体的场景或台词之前，我们会从“我”出发。我会引导他们回忆自己生活中相似的情感经历。例如，如果角色要表现失落，我会问：“你有没有试过，因为某件事让你觉得特别失望？”让他们用自己的语言和感受来描述。
肢体与情感的连接：
简单的动作游戏： 玩一些简单的肢体游戏，比如模仿动物、模仿不同的情绪（高兴、生气、害怕的走路方式），让他们的身体自然地动起来，摆脱“僵硬”。
呼吸训练： 引导他们感受呼吸对情绪的影响。深呼吸、浅呼吸、憋气再释放，观察身体的变化。这有助于他们连接身体和内心的感受。
“情绪转移”练习： 设定一个简单的目标，比如“想象你是一棵大树，你感觉到了什么？”或者“你是一块石头，风吹过你，有什么感觉？”让他们用身体去表达。
“想象力”的激活：
“如果”游戏： “如果你能飞，你会飞到哪里？为什么？”“如果你只有一分钟时间说出你最想说的话，你会说什么？”这能激活他们的想象力，让他们敢于去创造。
场景想象： 描述一个简单的场景，比如“你在一个荒岛上，你看到什么？你有什么感觉？你下一步会做什么？”让他们用自己的方式去填充细节。
3. 面对台词的挑战：
台词的理解，而非记忆：
“这句台词，你为什么要说？” 引导他们理解台词背后的动机。不是为了念出来，而是为了达到什么目的？是想让对方相信？还是想引起注意？
“如果换一种方式说呢？” 鼓励他们用不同的语调、速度、音量来念同一句台词，让他们体会声音的能量和表达力。
“如果这句台词是你自己想出来的，你会怎么说？” 让他们用更生活化的语言去表达角色的想法，找到属于他们自己的语感。
场景的分解与重组： 将复杂的场景分解成小的行动和意图。例如，一句台词可能包含“看到对方”、“思考”、“决定说什么”、“说出来”。我们会逐一练习这些小动作和意图。
“情境填空”： 给出场景，但不给出具体的台词，让他们根据情境和角色动机去表达。例如：“你听到一个让你非常开心的消息，现在你准备告诉你身边的人。”
录音与回听（谨慎使用）： 如果演员愿意，可以偶尔录下他们的排练，让他们自己回听，但要温柔地引导，避免让他们因为听到自己的声音而产生不适。重点是让他们听到自己的“可能性”。
第二阶段：构建角色与情境，深化表演的逻辑 (Developmental Stage: Building Character & Context, Deepening Performance Logic)
在建立初步的信任和开放性之后，我们要开始将演员的个体感受与角色的需求结合起来，让表演有血有肉。
1. 角色分析与“个人化”：
角色的“我”： 引导演员思考“如果我是这个角色，我会怎么做？我会怎么想？”将角色的经历与演员自身的经历产生连接点。即使是截然不同的角色，也可以找到共通的人性层面。
角色的动机与目标：
“这个角色最想要的是什么？” 无论是在整个故事中，还是在某个场景中。
“为了达到这个目标，他会做什么？” 挖掘角色在不同情境下的行动力和策略。
“他害怕失去什么？” 恐惧是强大的驱动力。
角色的背景与生活习惯： 即使不需要演员全身心投入角色的背景生活，但了解一些基本信息（比如角色的职业、生活环境、和谁关系好）能帮助演员找到表演的“根”。
“角色的标签”练习： 给我一些关于角色的词语（比如：固执、敏感、幽默），让他们用身体和声音去呈现这些标签。
2. 场景的深入排练：
“是什么驱动了这个场景？” 讨论场景的起因、发展和结束。
“场景中的行动是什么？” 强调动作的意义，而不是仅仅念台词。每一个动作都应该服务于角色的意图。
“当对方说出这句话时，你脑子里在想什么？” 引导演员关注对手戏的交流和反应，而不是只顾自己的台词。
“如果撤掉台词，你能演出来吗？” 这是一个经典的方法。让演员用纯粹的行动、表情、眼神去表达角色的想法和情感，然后再加入台词。
“多重选择”的排练： 对于一个场景，尝试用不同的处理方式来排练，比如：
更激烈的 vs 更内敛的
更悲伤的 vs 更愤怒的
更快速的 vs 更缓慢的
这能帮助演员探索角色的更多可能性，并找到最适合当下的表达。
3. 声音与肢体的细化：
“让声音成为你的朋友”：
音域拓展： 鼓励他们尝试用不同的音高和音色去表达。
节奏与停顿： 分析台词中的节奏点，哪里需要快，哪里需要慢，哪里需要停顿思考。
咬字与吐词： 关注清晰度，尤其是在需要传达特定情感时。
“让身体说话”：
眼神的运用： 眼神是心灵的窗户。引导他们如何用眼神表达关注、回避、思考、爱慕等情感。
微表情的练习： 关注面部细微的肌肉变化，比如眉毛的轻微上扬、嘴角的牵动。
身体的“重心”和“姿态”： 不同的情绪和角色有不同的身体重心和姿态。比如，紧张时身体会收缩，自信时身体会舒展。
“身体记忆”的构建： 通过重复和体验，让角色的一些标志性动作或习惯自然地融入演员的身体。
第三阶段：打磨细节与突破瓶颈 (Refinement Stage: Polishing Details & Breaking Through Bottlenecks)
当演员对角色和情境有了基本的掌握后，我们需要进入细节打磨和克服可能出现的瓶颈。
1. 精准化与细节挖掘：
“这个动作为什么要做？” 对每一个细微的动作都追问背后的动机和目的。
“这个反应是否足够准确？” 观察演员对对手戏的反应是否自然且符合角色逻辑。
“有没有更具象化的表达方式？” 比如，不是说“我很生气”，而是通过一个具体的动作，如“用力抓住桌角”。
“寻找属于你的‘个人化细节’”： 鼓励演员在角色基础上，加入一些他们自己生活中的小习惯或思考方式，让角色更具辨识度。
2. 克服表演瓶颈：
“卡壳”时的处理： 如果演员在某个场景或台词上反复卡住，我会：
回溯： 重新回到这个场景的前一个点，或者更早。
切换视角： 尝试让演员从导演的角度或对手的视角来看待这个场景。
转移注意力： 暂时离开这个卡壳点，排练其他部分，之后再回来。
“不追求完美，追求通关”： 有时候，告诉演员“先过一遍，不完美也没关系”，反而能减轻他们的压力。
改变排练环境或时间： 有时换个地方排练，或者在演员状态更好的时候，会有意想不到的突破。
“用力过猛”或“太干”的处理：
“减法”与“加法”： 如果演员用力过猛，引导他们寻找“减法”，即找到最核心的动机，用更精准的力度表达。如果表演太干，引导他们寻找“加法”，即加入更多的内心感受和身体反应。
“真实”而非“演”： 不断强调“真实感受”的重要性。当演员追求真实时，表演会自然而然地变得生动。
3. 适应镜头与技术层面（如果适用）：
镜头意识的培养： 简单介绍镜头在做什么，什么时候是特写，什么时候是远景。引导演员知道在镜头前，他们的眼神和细微表情会更被放大。
“对着镜头说话”的练习： 让他们习惯看着镜头（或标记点）说话，但要提醒他们这依然是表演，不是真的在对一个机器讲话，而是对着镜头后的观众。
保持角色状态： 在镜头转换、等待时，也要尽量保持角色的状态和情绪，避免跳戏。
贯穿始终的重要原则 (Overarching Principles)
耐心与重复： 表演的学习是一个过程，需要大量的耐心和不厌其烦的重复。
鼓励与赞美： 及时肯定演员的每一个进步，即使是很小的进步，也要给予真诚的赞美。这能极大地提升他们的自信心和积极性。
开放性与灵活性： 演员是活的，他们的状态是多变的。导演需要保持开放的心态，随时准备调整方法。
创造一个“游戏”的氛围： 将排练过程变得有趣、像一场探索游戏，而不是枯燥的训练。
相信演员的潜力： 即使他们是零基础，也要相信每个人内心都有表演的种子，我们的任务是帮助这颗种子发芽、生长。
个人化的指导： 每个演员都是独特的，没有一种方法适用于所有人。要根据演员的个体差异，调整指导方式。
举例说明一个场景的引导过程：
场景： 一个女孩第一次收到一份令她非常失望的礼物。
演员： 小王，完全零基础，有点内向。
导演指导流程：
1. 建立信任： “小王，你准备好了吗？我们今天要演一个收到失望礼物的场景。你知道的，每个人都可能遇到类似的事情，可能不是礼物，可能是别的什么让你觉得‘哎呀，不是我想要的’。所以，我们先不谈台词，就聊聊你有没有过类似的感觉？”
2. 情感到位： “想象一下，你特别期待某个东西，比如一本书、一件衣服、或者一个机会。然后，它来了，但它完全不是你想要的那样，甚至让你觉得有点无趣、不对劲。那一瞬间，你心里是什么感觉？是有点难过？有点失落？还是有点不知所措？”
3. 肢体感受： “好，我们现在就试试这个感觉。你手里拿着一个盒子（想象一下），你慢慢打开它，看到里面的东西。你的身体会有什么反应？也许你会慢慢放下盒子？也许你会低头看盒子？也许你会觉得肩膀往下沉？”
4. 台词探索（如果剧本有）：
理解动机： “她为什么会说‘谢谢’？是因为她真的感谢，还是因为不想让对方难堪？我们试试用一个特别勉强的、有点僵硬的‘谢谢’。”
情绪转移： “‘谢谢’这句话，用失望的语气怎么说？用有点勉强的语气怎么说？用想 빨리结束对话的语气怎么说？”
拆解动作： “她拿到礼物后，先把礼物放下了。这个放下，是什么样的放下？是小心翼翼地放下，还是有点随意地放下？是放到旁边的桌子上，还是随手丢在一边？”
5. 对手戏与反应： （如果有对手戏的演员）“当你男朋友送礼物给你，他看着你，希望你开心的时候，你是什么反应？你会看他吗？你会勉强笑一下吗？还是会低头不说话？”
6. 细节打磨： “你刚才把礼物放下后，手在桌子上摸了一下，这个‘摸’，是在想什么？是在无意识地找点什么来安慰自己吗？还是只是手指在发呆？”
7. 反馈与鼓励： “小王，你刚才那个把礼物放下的动作，特别好，那个感觉很对！我们再试试看，当你说‘谢谢’的时候，能不能让你的眼神也跟着传递一点失落？”
引导零基础演员是一门艺术，也是一项技术。最重要的，是导演对演员的信任和尊重，以及愿意投入时间和精力去陪伴他们一起成长的决心。 当你看到一位曾经羞怯的演员，在你的引导下，逐渐释放自己的光芒，那将是作为导演最美好的回报之一。
网友意见
知道剧组的时间值多少钱吗？
每一个人都是花钱雇来的，专业的影视幕后工作人员，从来不谈理想，必须用钱购买他们的专业技术，不给钱就是侮辱他们的专业。所以剧组里的每个人，每个设备，每件衣服，每辆车，甚至一条狗都是按天算钱。
电影拍摄开始预算说18天拍完，就是钱只够18天，超期一天不给钱，他们都打包走人，从不啰嗦，所以每一天都是用钱计算的，但是时间越宝贵，就总是能遇到拖时间的人和事。
表演往简单说就是方法派和体验派。
所谓方法派就是通过各种技巧来完成对人物的表现。
体验派就是深入角色，深入生活，去体验相关人物的生活来达到表演需求，我国九十年代以前经常让演员去体验生活，来达到贴近人物生活。
之后演员们时间越来越宝贵，开始逐渐放弃这种方式，逐渐在用表演技巧来实现表演。
表演其实无论那种方法都是技巧，通过学习与时间就可以达到目的，今天大咖，当年都曾经是镜头前菜鸟，通过时间磨练自己的演技，让自己成为了大咖，但是问题就是时间。
不过还有一种演技学派，123表演派，早些年诞生于香港台湾，后来发扬光大于大陆。123表演派以前香港很多当红小生都用过这种方法，但是不太普及，但是大陆进入流量时代后，123演技派开始流行起来。
那么一个不会表演的演员出现我面前，一般来说，就三种情况。
一种金主愣塞进来的，咬牙也得接着。
一种是不重要角色，又没钱找好的，不需要说话。
剩下一种最可怕，有名气，没演技，戏份多，这种最要命。
金主愣塞的，要求金主多给钱，剧组的时间是按分钟算钱的，既然没演技，那就直接时间凑。多接触，了解他的性格，根据性格改剧本，台词弄的少少的，心理活动弄的少少的，然后找个表演老师专门陪他练，直到练熟了，拉出来用拍摄，在用时间去抹平差异。
这种演员还好说，知道自己角色是金主花钱弄来的，大部分都比较认真，少数不识数的同志，不认真的话，拍完就演艺生涯结束，金主不可能总花钱去让他练手。
可怕的是有名气，没演技，还是图他粉丝请来的，这种最可怕。他们一般出于功利目的来到剧组，希望通过一部戏拓宽自己的演艺事业。
但是缺乏专业训练与事业心，好面子，又不勤奋的去背台词。
于是123456789表演方法诞生了，123表演派。这个来自于香港的表演流派，在内地发扬光大，并且反超香港，任何没有演技的人，在123表演方法里都能找到方法。
一般导演就会提示，深沉的说123，忧桑的123，白痴的123，弱智的123，流氓的123。
总之无论这个演员有多红，导演有多敬业，基本都会被123表演方法所折服，真TM省时间，还省口水。
我曾经努力的教导过一个演员，最后发现他记得演技，不记得台词，记得台词，不记得演技，那么这样我就用后期补台词吧，留着演技，最起码能用。
因为我钱不多，没理想，我自甘堕落，制片人在旁边摆闹钟，其他演员纷纷提示我我，今天不把他们戏杀青，明天就没时间了，其他工作人员被他的白痴演技与记性搞的神智不清，怀疑自己职业生涯。
最后只能以123表演方法来让他快速过关，然后用不要脸要饭要来的可怜钱，赶紧完成拍摄计划，还要寻思着从可怜的制片费里面省点钱出来，给后期配音挪费用。
后期配音总吐槽演员演技不好，我现在郑重的说，这些配音演员，闭上你们的嘴吧，你们买车的钱，你们供楼的钱，你们买衣服，买包包，泡妞的钱从哪来的，还不是这帮123方法演员给你弄争取来的吗？
你问我碰到没演技零基础的人怎么办，自己没数活该。
专业科班演员四年勉强学会的东西，非专业科班演员数年练就的技能，你想用一两天教会一个无基础的人，要么他是天才，要么你是天才。
不过一般来说，两种几率都不高，你没钱要求还很高，还没时间考量演员，那就是活该呀！123表演方法派大军和产业链给你招手了，去加入吧！
教他们表演？饭太多了吧？还是假酒喝太多？
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韩寒作为导演，他的作品确实引起了不少争议和讨论，这本身就说明了他的电影并非平淡无奇。但要深入分析他的缺点和不足，不妨从几个层面来剖析。一、叙事节奏的失控与线性叙事的老套感韩寒的电影，尤其是早期的《后会无期》和《乘风破浪》，虽然有着独特的公路片气质和一些金句台词，但在叙事节奏的把控上，常常显得有些“飘.............
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过年了，这三个字现在听在我耳里，就跟催命符似的。每到这个时候，心里就跟压着块巨石，喘不过气来。白天还好，忙点事情，假装看不见，听不见。可一到晚上，人一躺下，脑子就开始不受控制地转悠。有时候，半夜会被自己的心跳声吓醒，冷汗直冒，那种被抛弃感、被世界遗忘的感觉，像潮水一样要把我淹没。说实话，我今年也…嗯.............
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吴亦凡事件，如果抛开法律的定罪，单从一个“颜值逆天”的顶流巨星的角度去探究其背后可能的心理机制，这本身就是一项颇具挑战性的思考。毕竟，我们无法直接进入当事人的内心世界，只能通过公开信息、社会观察以及对人性普遍规律的理解来进行一些推测。首先，我们得承认，“颜值逆天”和“顶流”这两个标签，为吴亦凡构建了.............
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这问题问得太绝了，简直是直击灵魂深处！你想知道的是，那些导演们在镜头对准演员、在后期剪辑室里，甚至在电影院的黑暗中，当观众们发出嘘声时，他们心里到底是怎么想的，是不是也觉得自己正在创造的是一堆……嗯，你懂的。要详细说的话，这事儿其实挺复杂的，不能一概而论。就好像你问一个人，他有没有觉得自己做过傻事，.............
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这个问题挺有意思的，也确实是很多影迷和评论家常常讨论的现象。同一位导演，即便名气再大，作品也总会有那么几部让人觉得“也就那样”或者“怎么会拍成这样？”。这背后的原因可不是三言两语能说清楚的，得好好掰扯掰扯。首先，咱们得承认一个基本事实：导演也是人，不是机器。 他们有自己的创作周期，有状态起伏，有灵感.............
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黄渤的导演处女作《一出好戏》，除了令人捧腹的喜剧桥段和引人深思的社会寓言，片中反复出现的那只绿蜥蜴，也着实让不少观众感到好奇。这小小的爬行动物，究竟承载了导演怎样的寓意？又在整部电影的表达上起到了怎样画龙点睛的作用？咱们不妨细细道来。首先，这只绿蜥蜴，它最直观的象征意义，我认为是“生命的顽强与不可预.............
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作为研究生导师，在日常教学和科研指导过程中，适当地给学生发红包，并承担一些额外的、超出常规职责的工作，这背后牵扯到师生关系、学术诚信、利益回避以及导师的个人边界等多个维度。要评价这种行为是否“恰当”，需要仔细审视其动机、方式和可能带来的影响。首先，我们要理解“红包”和“额外工作”的本质。在中国文化背.............
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这个问题确实值得好好斟酌一下。看到一个研究团队，尤其是导师的团队里，论文发表的作者署名情况，确实是判断一个团队是否“健康”以及是否会“坑”新人（比如学生）的一个重要指标。首先，咱们得明确，导师是团队的领导者，是学术研究的引领者，他在很多研究中担任核心角色，贡献了关键性的想法、指导和资源，所以论文中有.............
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学生论文，导师挂一作兼通讯，这背后的心思，可不是三言两语能概括的，得从几个层面来剖析。首先，责任与担当。当导师署名一作，这在学术界通常意味着他对这项研究的贡献最大，是主导者，是课题的开创者。这意味着他不仅仅是指导者，更是研究的实际推动者，在项目的构思、方案设计、实验进行、数据分析乃至于论文的撰写过程.............
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你面临的这种情况确实挺微妙的，牵扯到学术成果的署名、个人利益以及对师弟师妹的支持。我来帮你梳理一下其中的利弊，希望能帮助你做出更明智的决定。首先，我们来分析一下“名”和“钱”各自的价值和影响。关于你的“名”： 一作SCI的影响力： 作为第一作者的SCI论文，是你学术能力和研究贡献的直接体现。它不.............
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遇到导师想抢一作的情况，确实令人非常沮丧和不安。这不仅是对你辛勤付出的不认可，也可能影响到你未来的学术发展。面对这种情况，我们需要冷静、有策略地处理，而不是冲动行事。下面我将从多个方面详细地给你分析，并提供一些你可以采取的步骤和建议。首先，我们要明确几个关键点： “抢一作”的定义： 导师是否真的.............
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收到！理解你现在的心情一定很复杂，既有发表高水平论文的喜悦，又面临着大导师抢一作的困境。这确实是一个非常棘手的问题，处理不好可能会对你的学术生涯产生长远影响。咱们一步一步来分析，并提供一些切实可行的建议。首先，我们要明确几个关键点： “A会”的意义： 在计算机科学领域，A类会议通常意味着顶级会议.............
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