有哪些作曲上的事实，没有一定作曲知识的人不会相信？
我跟你讲，有些音乐里的门道，你不是真听进去，不是自己敲打过，那真是体会不到其中的玄妙。就像你只看菜谱，怎么也吃不出大厨那一口滋味一样。有些作曲上的事儿，我说出来，没接触过的人，可能会觉得我在讲天书，甚至有点儿“迷信”。
1. 音程的“力量”与“距离”：
大家可能都知道C大调，CDEFGABC，听着舒服，朗朗上口。但你有没有想过，为什么“Do”和“Mi”合在一起，听起来那么“实”，那么“坚定”？而“Do”和“Re”呢？就带着点儿“向前”的，轻微的“推拉感”。这就是音程的魔力。
作曲里，我们讲“三度”音程（比如C到E）是一种“协和”音程，听起来稳定、柔和。而“二度”音程（比如C到D）是“不协和”音程，听起来有张力，有点儿“挤”的感觉，需要解决。这种“协和”与“不协和”不是我们主观臆断的，而是建立在声音物理振动频率的简单整数比关系上。
比如，C的频率是261.6Hz，G（C的五度）的频率大约是392.4Hz，它们的比例非常接近3:2。而C到D的比例就没那么“纯粹”。这种纯粹的比例，在大脑听觉系统里，就容易被处理成更“舒服”，更“稳定”的声音。反之，比例越复杂，就越有“棱角”，越需要“被引导”。
你可能会觉得，“这不就是听着顺不顺耳的事儿嘛？”其实不是。作曲家就是利用这些声音的“固有属性”，去构建情绪。就像画家用颜料的冷暖去表达心情一样。一个悲伤的段落，作曲家可能会用很多不协和的音程，比如小二度或者增四度（听起来特别“怪”），来制造那种不安、压抑的感觉。而一个欢快的段落，则会大量使用协和的音程，让你感觉“明亮”、“舒畅”。
2. 和弦的“色彩”与“进行”：
很多人听音乐，只会觉得“好听”或者“不好听”，但很少有人会去关注，为什么一个地方会突然变得“忧伤”，另一个地方又突然变得“光明”。这很大程度上取决于和弦的运用。
和弦，你可以理解为好几个音同时响起来，形成一个“声音块”。最基础的和弦叫“三和弦”，由一个根音、一个三音、一个五音组成。根据三音和五音与根音之间的距离，有“大三和弦”（听起来明亮、积极）和“小三和弦”（听起来忧郁、沉静）。
这就好比你手里有红、黄、蓝三种基础颜色，你可以调出各种各样的颜色。作曲家就是用不同的和弦，来给音乐“上色”。例如，从一个明亮的C大调三和弦（CEG）突然转到一个小调的和弦，比如Am（ACE），那种感觉就像从阳光明媚的下午，瞬间进入了傍晚的薄暮，立刻就有了层次感和情感的转折。
更精妙的是“和弦进行”，就是和弦一个接一个地出现，形成一种“走向”。最经典的进行是“属和弦到主和弦”（VI）。比如在C大调里，G大调和弦（GBD）指向C大调和弦（CEG）。这个G和弦（属和弦）就像一个“钩子”，强烈地把你往C和弦（主和弦）拉，让你觉得“找到了归宿”，听起来特别“牢固”和“满足”。
这其中的奥秘在于，很多和弦的解决，都遵循着一种“音响的逻辑”。有些音会倾向于移动到最近的、更稳定的音上。比如G和弦里的“B”音，它会倾向于向上移动到C和弦里的“C”音，听起来特别顺畅。
如果你不了解这个，你可能会觉得，一个和弦接另一个和弦，就是random pick。但实际上，每一次和弦的转换，都是作曲家精心设计的“情感路径”。一个“出人意料”的和弦进行，可能会带来惊喜，甚至是一种“解脱”或“惊吓”。
3. 节奏的“呼吸”与“脉动”：
节奏，可不仅仅是“咚咚哒哒”那么简单。它控制着音乐的“能量流动”，让你不自觉地跟着点头，或者心跳加速。
你可以把节奏想象成人在说话。有停顿，有快有慢，有强调。一句完整的话，需要有起伏，有韵律。音乐也是一样。
比如，一首进行曲，它通常会有规整的拍子，强调“踏步”的感觉，让你有力量往前走。而一首摇篮曲，则会有舒缓、绵长的节奏，让你感觉安心、放松。
更细致一点，即使是同一种节奏型，放在不同的音乐里，感觉也完全不一样。比如，一个四四拍的节奏，可以是一个平缓的叙述，也可以是一个激烈的呐喊。关键在于“重音”的摆放。
在乐谱里，我们用重音符号或者把重音放在拍子的开头来强调。比如，在四四拍里，通常第一拍和第三拍会比较重。这种“强弱”的模式，构成了音乐的“骨架”，也影响着你对音乐“情绪”的感知。
最让一些人感到不可思议的是，作曲家会故意打破这种“惯性”。比如，把一个本该在强拍上的音，移到弱拍上，这叫做“切分音”。听起来就会有种“跳跃感”、“错位感”，让音乐更有“趣味”和“动感”。
你可能会觉得，“这不就是把音放在不一样的时间点上嘛，能有多大区别？”但实际上，这种细微的改变，会让你大脑里的“预期”落空，产生一种“惊喜”或者“不安”，从而让音乐更加鲜活。
4. 旋律的“骨骼”与“肌肉”：
旋律，就是我们哼唱的那条线。但构成一条令人难忘的旋律，里面有很多“套路”和“巧思”。
我们前面讲了音程，旋律就是音程的线性连接。一条好的旋律，不会是随便的音符堆砌，它有自己的“逻辑”和“走向”。
一个简单的旋律，通常会有“起伏”，有“高潮”。比如，从低音区开始，逐渐升高，达到一个最高音，然后又逐渐下降。这种“弧线”，符合我们人类对“运动”和“发展”的认知。
更重要的是“动机”。动机，你可以理解为一段简短的、有特点的旋律片段，就像音乐里的“种子”。作曲家会不断地发展、变化这个动机，让它贯穿整首乐曲。比如，你听贝多芬的《命运交响曲》，开头那段“塔塔塔…哒…”的动机，你一听就知道是它。
这种“重复”和“变化”，让音乐有“辨识度”和“连贯性”。它不是一成不变的，但又不是毫无关联。
最让人觉得“神奇”的是，旋律的“节奏”和“音高”的结合，会产生极其复杂的情感。为什么有时候一个简单的音符组合，能让你流泪？那是因为它连接了你的某种听觉记忆，或者它正好触碰到了你内心深处某种微妙的情感共鸣。
总结一下，
这些听起来可能有点“玄乎”的东西，比如音程的比例、和弦的进行、节奏的重音，都不是凭空想象的。它们背后都有声音的物理规律，也有我们大脑对声音信号处理的心理机制。
作曲家就是熟练运用这些“工具”，去“雕刻”声音，去“编织”情绪。他们就像一个经验丰富的建筑师，知道哪块砖头往哪儿砌，才能搭起稳固而美丽的建筑。
你听音乐的时候，如果能稍微留意一下这些细节，你会发现，原来那些动人心弦的乐章，背后是如此精密的思考和巧妙的设计。这可不是什么“天赋异禀”就能随便做到的，那里面有扎实的知识，也有无数次的尝试和打磨。下次你再听到一首让你感动的乐曲，不妨想想，这背后可能藏着什么你不知道的“作曲奥秘”。
1. 音程的“力量”与“距离”：
大家可能都知道C大调，CDEFGABC，听着舒服，朗朗上口。但你有没有想过，为什么“Do”和“Mi”合在一起，听起来那么“实”，那么“坚定”？而“Do”和“Re”呢？就带着点儿“向前”的，轻微的“推拉感”。这就是音程的魔力。
作曲里，我们讲“三度”音程（比如C到E）是一种“协和”音程，听起来稳定、柔和。而“二度”音程（比如C到D）是“不协和”音程，听起来有张力，有点儿“挤”的感觉，需要解决。这种“协和”与“不协和”不是我们主观臆断的，而是建立在声音物理振动频率的简单整数比关系上。
比如，C的频率是261.6Hz，G（C的五度）的频率大约是392.4Hz，它们的比例非常接近3:2。而C到D的比例就没那么“纯粹”。这种纯粹的比例，在大脑听觉系统里，就容易被处理成更“舒服”，更“稳定”的声音。反之，比例越复杂，就越有“棱角”，越需要“被引导”。
你可能会觉得，“这不就是听着顺不顺耳的事儿嘛？”其实不是。作曲家就是利用这些声音的“固有属性”，去构建情绪。就像画家用颜料的冷暖去表达心情一样。一个悲伤的段落，作曲家可能会用很多不协和的音程，比如小二度或者增四度（听起来特别“怪”），来制造那种不安、压抑的感觉。而一个欢快的段落，则会大量使用协和的音程，让你感觉“明亮”、“舒畅”。
2. 和弦的“色彩”与“进行”：
很多人听音乐，只会觉得“好听”或者“不好听”，但很少有人会去关注，为什么一个地方会突然变得“忧伤”，另一个地方又突然变得“光明”。这很大程度上取决于和弦的运用。
和弦，你可以理解为好几个音同时响起来，形成一个“声音块”。最基础的和弦叫“三和弦”，由一个根音、一个三音、一个五音组成。根据三音和五音与根音之间的距离，有“大三和弦”（听起来明亮、积极）和“小三和弦”（听起来忧郁、沉静）。
这就好比你手里有红、黄、蓝三种基础颜色，你可以调出各种各样的颜色。作曲家就是用不同的和弦，来给音乐“上色”。例如，从一个明亮的C大调三和弦（CEG）突然转到一个小调的和弦，比如Am（ACE），那种感觉就像从阳光明媚的下午，瞬间进入了傍晚的薄暮，立刻就有了层次感和情感的转折。
更精妙的是“和弦进行”，就是和弦一个接一个地出现，形成一种“走向”。最经典的进行是“属和弦到主和弦”（VI）。比如在C大调里，G大调和弦（GBD）指向C大调和弦（CEG）。这个G和弦（属和弦）就像一个“钩子”，强烈地把你往C和弦（主和弦）拉，让你觉得“找到了归宿”，听起来特别“牢固”和“满足”。
这其中的奥秘在于，很多和弦的解决，都遵循着一种“音响的逻辑”。有些音会倾向于移动到最近的、更稳定的音上。比如G和弦里的“B”音，它会倾向于向上移动到C和弦里的“C”音，听起来特别顺畅。
如果你不了解这个，你可能会觉得，一个和弦接另一个和弦，就是random pick。但实际上，每一次和弦的转换，都是作曲家精心设计的“情感路径”。一个“出人意料”的和弦进行，可能会带来惊喜，甚至是一种“解脱”或“惊吓”。
3. 节奏的“呼吸”与“脉动”：
节奏，可不仅仅是“咚咚哒哒”那么简单。它控制着音乐的“能量流动”，让你不自觉地跟着点头，或者心跳加速。
你可以把节奏想象成人在说话。有停顿，有快有慢，有强调。一句完整的话，需要有起伏，有韵律。音乐也是一样。
比如，一首进行曲，它通常会有规整的拍子，强调“踏步”的感觉，让你有力量往前走。而一首摇篮曲，则会有舒缓、绵长的节奏，让你感觉安心、放松。
更细致一点，即使是同一种节奏型，放在不同的音乐里，感觉也完全不一样。比如，一个四四拍的节奏，可以是一个平缓的叙述，也可以是一个激烈的呐喊。关键在于“重音”的摆放。
在乐谱里，我们用重音符号或者把重音放在拍子的开头来强调。比如，在四四拍里，通常第一拍和第三拍会比较重。这种“强弱”的模式，构成了音乐的“骨架”，也影响着你对音乐“情绪”的感知。
最让一些人感到不可思议的是，作曲家会故意打破这种“惯性”。比如，把一个本该在强拍上的音，移到弱拍上，这叫做“切分音”。听起来就会有种“跳跃感”、“错位感”，让音乐更有“趣味”和“动感”。
你可能会觉得，“这不就是把音放在不一样的时间点上嘛，能有多大区别？”但实际上，这种细微的改变，会让你大脑里的“预期”落空，产生一种“惊喜”或者“不安”，从而让音乐更加鲜活。
4. 旋律的“骨骼”与“肌肉”：
旋律，就是我们哼唱的那条线。但构成一条令人难忘的旋律，里面有很多“套路”和“巧思”。
我们前面讲了音程，旋律就是音程的线性连接。一条好的旋律，不会是随便的音符堆砌，它有自己的“逻辑”和“走向”。
一个简单的旋律，通常会有“起伏”，有“高潮”。比如，从低音区开始，逐渐升高，达到一个最高音，然后又逐渐下降。这种“弧线”，符合我们人类对“运动”和“发展”的认知。
更重要的是“动机”。动机，你可以理解为一段简短的、有特点的旋律片段，就像音乐里的“种子”。作曲家会不断地发展、变化这个动机，让它贯穿整首乐曲。比如，你听贝多芬的《命运交响曲》，开头那段“塔塔塔…哒…”的动机，你一听就知道是它。
这种“重复”和“变化”，让音乐有“辨识度”和“连贯性”。它不是一成不变的，但又不是毫无关联。
最让人觉得“神奇”的是，旋律的“节奏”和“音高”的结合，会产生极其复杂的情感。为什么有时候一个简单的音符组合，能让你流泪？那是因为它连接了你的某种听觉记忆，或者它正好触碰到了你内心深处某种微妙的情感共鸣。
总结一下，
这些听起来可能有点“玄乎”的东西，比如音程的比例、和弦的进行、节奏的重音，都不是凭空想象的。它们背后都有声音的物理规律，也有我们大脑对声音信号处理的心理机制。
作曲家就是熟练运用这些“工具”，去“雕刻”声音，去“编织”情绪。他们就像一个经验丰富的建筑师，知道哪块砖头往哪儿砌，才能搭起稳固而美丽的建筑。
你听音乐的时候，如果能稍微留意一下这些细节，你会发现，原来那些动人心弦的乐章，背后是如此精密的思考和巧妙的设计。这可不是什么“天赋异禀”就能随便做到的，那里面有扎实的知识，也有无数次的尝试和打磨。下次你再听到一首让你感动的乐曲，不妨想想，这背后可能藏着什么你不知道的“作曲奥秘”。
网友意见
说出来你可能不信:
作曲家是靠贩卖自己的作品赚钱来生活的，不是靠通过作品与听众交流灵魂然后使听众精神升华所以这么高尚的事情不要谈钱来生活的。
当然，知乎上有自称中央音乐学院研究员的朋友坚称，为了钱写不出好东西。这种人，怎么说呢，十有八九，不管自己写东西是不是为了钱，作品也没什么演出的机会。连进入音乐市场的资格和能力首先还没具备，就开始评头论足别的在市场上受欢迎的作品好不好。
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