不能这样画素描吗？
这个问题很有意思，也触及了素描的一些核心问题。要说“不能这样画素描吗？”，答案其实是：可以，但具体“这样”指的是什么，以及你想要达到什么样的目的，决定了这种“画法”是否被认为是成功的素描，或者是否符合你对素描的期望。
让我试着用更口语化、更接地气的方式来聊聊这个事儿，就像我们在画室里，或者和喜欢画画的朋友聊天一样。
首先，我们要理解素描到底是什么？
在我看来，素描不是一种僵化的规则，而是一种“观察事物、理解形体、表达体积和光影”的方法。它是一种基础，是让我们能够更准确、更有深度地理解和表现我们所看到的世界的语言。
所以，当我们说“不能这样画素描吗？”的时候，其实是在问：“我这种画法，是不是违背了素描的核心精神，或者是不是无法达到素描所能带来的效果？”
那么，什么情况下，我们可能会觉得“这样画素描是不是不太对”呢？
我们可以从几个方面来分析：
1. 忽视了形体和结构：
“光秃秃的一团”： 比如说，你画一个苹果，但它看起来只是一个模糊的红点，完全看不出它的球形、它的底部有没有被压平、它的果柄长在哪里、果柄和果身连接处是什么样的凹凸关系。素描最基本的一点就是建立起物体的“骨架”，也就是它的形体结构。如果我们画出来的东西，就像被按扁了一样，或者比例完全失调，那它可能就偏离了素描的要求。
“一堆线条的堆砌”： 有时候，我们会看到一些画，虽然线条很多，但这些线条并没有很好地去“勾勒”出物体的轮廓，也没有通过线条的疏密、粗细来表现形体的转折和体积。线条只是随意地覆盖在纸上，看起来杂乱无章，没有章法。这样的画，即使用了铅笔，也很难说它是有效的素描。
2. 缺乏对光影的理解：
“平面的色块”： 素描之所以使用明暗（也就是光影），是为了表现物体的“立体感”。如果一幅素描画，无论是一个球体、一个立方体，还是一个人物的脸，看起来都像一张平面的照片，没有受光面、背光面、反光、投影的区分，那么它就失去了素描表现体积的关键。
“光从奇怪的地方来”： 有时候，我们能看到一些画，光影的方向非常奇怪，甚至在同一个物体上，光影的分布是混乱的，不符合自然光源的规律。虽然素描可以有主观的光影处理，但如果连基本的物理规律都违反了，那么它很可能就不是一次成功的素描练习。
3. 过于追求“写意”而失去了“写实”的基础：
“感觉就像了”： 许多初学者在学习素描时，容易走向一个极端：认为素描就是“随便画画”，或者觉得“只要我感觉到了，画出来就行”。但素描作为基础，恰恰要求我们“实事求是”地去观察。这种“感觉”往往是凭空想象，而不是基于对真实事物的深入观察。
“不仔细看就下笔”： 如果我们不对照真实的物体，只是凭着脑子里的印象去画，那么画出来的东西很可能与现实有很大的差距。素描训练的一个重要环节就是培养我们的“眼”，让我们的眼睛能够捕捉到细微的形体变化和光影关系。
4. 情绪化和主观臆断过重：
“我觉得是这样的”： 素描需要我们放下很多个人的“我认为”，去“看见”事物的本来面貌。比如，画一个人，我们不能因为觉得对方的鼻子应该很挺拔就画得很夸张，而要仔细观察他鼻子的实际形状、光影如何在他脸上投射。
“表达情感过早”： 素描是建立“写实”能力的第一步。在这个阶段，过多的个人情感或者“艺术表达”可能会干扰我们对事物本质的理解。当然，随着技法的成熟，素描也可以融入更多情感，但前提是建立在扎实的观察和造型能力之上。
那么，什么时候“这样画”是合理的，甚至可能是创新呢？
这就回到了我们最开始说的：“这样”具体指的是什么，以及你的目的是什么。
探索性的练习： 如果你是在进行一些实验性的素描练习，比如尝试用非常规的材料，或者用线条来表现非写实的主题，那么“不那么传统”的画法完全是允许的。关键在于，你是否知道自己在做什么，并且这个探索是否有意义。
个人风格的形成： 随着我们素描功底的加深，每个人都会逐渐形成自己的绘画风格。有些人可能会更注重线条的表现力，有些人会更强调明暗的微妙变化。这些风格上的差异，有时候会让人觉得“与众不同”，但这并不是说它就“不是素描”了。
特定风格的模仿或学习： 如果你是在模仿某种特定的绘画风格，比如一些表现主义或者抽象风格的素描作品，那么它们的画法可能就与我们传统意义上的素描有所不同。
总结一下：
“不能这样画素描吗？”这个问题的核心，其实在于问你画的是否能够有效地帮助你：
1. 准确地捕捉和表现形体。
2. 深入地理解和表达体积与空间。
3. 清晰地传达光影的逻辑和节奏。
如果你的“这样画”，能够让你更清晰地认识和表现你所画的对象，并且让你在造型和明暗处理上有所进步，那么它就是有效的素描。反之，如果你的“这样画”让画面变得模糊不清，或者让你离对客观事物的真实理解越来越远，那么我们就会说：“嗯，或许换个方式会更好。”
说到底，素描是一场与我们所见之物以及手中工具的对话。对话的方式有很多种，但目的是为了更清晰地理解和更诚实地表达。所以，大胆去尝试，但也要记得时常回过头来，看看你的“对话”是否真的在有效进行。
让我试着用更口语化、更接地气的方式来聊聊这个事儿，就像我们在画室里，或者和喜欢画画的朋友聊天一样。
首先，我们要理解素描到底是什么？
在我看来，素描不是一种僵化的规则，而是一种“观察事物、理解形体、表达体积和光影”的方法。它是一种基础，是让我们能够更准确、更有深度地理解和表现我们所看到的世界的语言。
所以，当我们说“不能这样画素描吗？”的时候，其实是在问：“我这种画法，是不是违背了素描的核心精神，或者是不是无法达到素描所能带来的效果？”
那么，什么情况下，我们可能会觉得“这样画素描是不是不太对”呢？
我们可以从几个方面来分析：
1. 忽视了形体和结构：
“光秃秃的一团”： 比如说，你画一个苹果，但它看起来只是一个模糊的红点，完全看不出它的球形、它的底部有没有被压平、它的果柄长在哪里、果柄和果身连接处是什么样的凹凸关系。素描最基本的一点就是建立起物体的“骨架”，也就是它的形体结构。如果我们画出来的东西，就像被按扁了一样，或者比例完全失调，那它可能就偏离了素描的要求。
“一堆线条的堆砌”： 有时候，我们会看到一些画，虽然线条很多，但这些线条并没有很好地去“勾勒”出物体的轮廓，也没有通过线条的疏密、粗细来表现形体的转折和体积。线条只是随意地覆盖在纸上，看起来杂乱无章，没有章法。这样的画，即使用了铅笔，也很难说它是有效的素描。
2. 缺乏对光影的理解：
“平面的色块”： 素描之所以使用明暗（也就是光影），是为了表现物体的“立体感”。如果一幅素描画，无论是一个球体、一个立方体，还是一个人物的脸，看起来都像一张平面的照片，没有受光面、背光面、反光、投影的区分，那么它就失去了素描表现体积的关键。
“光从奇怪的地方来”： 有时候，我们能看到一些画，光影的方向非常奇怪，甚至在同一个物体上，光影的分布是混乱的，不符合自然光源的规律。虽然素描可以有主观的光影处理，但如果连基本的物理规律都违反了，那么它很可能就不是一次成功的素描练习。
3. 过于追求“写意”而失去了“写实”的基础：
“感觉就像了”： 许多初学者在学习素描时，容易走向一个极端：认为素描就是“随便画画”，或者觉得“只要我感觉到了，画出来就行”。但素描作为基础，恰恰要求我们“实事求是”地去观察。这种“感觉”往往是凭空想象，而不是基于对真实事物的深入观察。
“不仔细看就下笔”： 如果我们不对照真实的物体，只是凭着脑子里的印象去画，那么画出来的东西很可能与现实有很大的差距。素描训练的一个重要环节就是培养我们的“眼”，让我们的眼睛能够捕捉到细微的形体变化和光影关系。
4. 情绪化和主观臆断过重：
“我觉得是这样的”： 素描需要我们放下很多个人的“我认为”，去“看见”事物的本来面貌。比如，画一个人，我们不能因为觉得对方的鼻子应该很挺拔就画得很夸张，而要仔细观察他鼻子的实际形状、光影如何在他脸上投射。
“表达情感过早”： 素描是建立“写实”能力的第一步。在这个阶段，过多的个人情感或者“艺术表达”可能会干扰我们对事物本质的理解。当然，随着技法的成熟，素描也可以融入更多情感，但前提是建立在扎实的观察和造型能力之上。
那么，什么时候“这样画”是合理的，甚至可能是创新呢？
这就回到了我们最开始说的：“这样”具体指的是什么，以及你的目的是什么。
探索性的练习： 如果你是在进行一些实验性的素描练习，比如尝试用非常规的材料，或者用线条来表现非写实的主题，那么“不那么传统”的画法完全是允许的。关键在于，你是否知道自己在做什么，并且这个探索是否有意义。
个人风格的形成： 随着我们素描功底的加深，每个人都会逐渐形成自己的绘画风格。有些人可能会更注重线条的表现力，有些人会更强调明暗的微妙变化。这些风格上的差异，有时候会让人觉得“与众不同”，但这并不是说它就“不是素描”了。
特定风格的模仿或学习： 如果你是在模仿某种特定的绘画风格，比如一些表现主义或者抽象风格的素描作品，那么它们的画法可能就与我们传统意义上的素描有所不同。
总结一下：
“不能这样画素描吗？”这个问题的核心，其实在于问你画的是否能够有效地帮助你：
1. 准确地捕捉和表现形体。
2. 深入地理解和表达体积与空间。
3. 清晰地传达光影的逻辑和节奏。
如果你的“这样画”，能够让你更清晰地认识和表现你所画的对象，并且让你在造型和明暗处理上有所进步，那么它就是有效的素描。反之，如果你的“这样画”让画面变得模糊不清，或者让你离对客观事物的真实理解越来越远，那么我们就会说：“嗯，或许换个方式会更好。”
说到底，素描是一场与我们所见之物以及手中工具的对话。对话的方式有很多种，但目的是为了更清晰地理解和更诚实地表达。所以，大胆去尝试，但也要记得时常回过头来，看看你的“对话”是否真的在有效进行。
网友意见
原则上画画没有一定之规，而且不管你画得对不对教学方式也不能这么粗暴。
但是从你的画法上还是能看出一点问题的。如果你把你写生的对象当成一个连续的整体，你从整体上去观察和理解他的结构，那么你很难不优先注意到画面中颜色最深的部分。但是现在你把他割裂开了，把画面中的细节，把你认为最精彩的部分当成了一个独立的部分。这样做往往会导致你让画面的整体去迁就局部，导致经常被人诟病的画面“散”和“乱”
你老师的观点对于99%并非天赋异禀的人来说并没有错。
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