有些歌一听旋律就知道是网络歌曲，从作曲及编曲等技术角度来看，这些歌有什么共同特征？
你这个问题提得相当有意思，确实不少歌，你一耳朵下去，就能感觉到那股浓浓的“网感”，不用人说，脑子里自动就蹦出“网络歌曲”这几个字。这背后，其实藏着不少作曲和编曲上的“潜规则”或者说是大家心照不宣的套路。咱们就从技术层面掰开了聊聊，看看这些歌是怎么炼成的，尽量不让它听起来像机器生成的报告。
首先，得承认，网络歌曲的兴盛很大程度上是因为门槛的降低和传播渠道的便捷。这使得大量非科班出身的音乐爱好者能够通过软件自己创作，再加上互联网的病毒式传播，形成了一种特有的风格。这种风格，说白了，就是为了快速抓住听众耳朵，易于传播和模仿，并且往往带有某种情绪共鸣。
从作曲角度来说，网络歌曲的旋律有几个非常明显的特征：
高度重复且易于记忆的动机（Motive）：这是最核心的一点。很多网络歌曲的旋律，尤其是副歌部分，就是一个非常短、非常抓耳的音乐片段，反复出现。这个片段可能就是一个简单的音程组合，比如上行一个大二度、再上行一个小三度，或者一个简单的下行模进。这种重复性极强，就像脑子里有个钩子一样，听一遍就能跟着哼。很多所谓的“洗脑神曲”就是因为这个动机做得太扎实了。
举个例子：想想那些歌词简单、旋律重复的喊麦歌，或者一些情感抒发类的歌曲，副歌的旋律往往就是那么几个音，但因为重复得恰到好处，加上情绪的堆叠，就很容易深入人心。
简单而直接的和声进行（Chord Progression）：网络歌曲很少会玩那些复杂、多变的和弦。最常见的往往是流行音乐中最基础、最稳定的和声套路，比如大家熟知的“卡农进行”（IVviIV）的变体，或者更简单的IIVV、viIVIV等等。这些和弦进行听起来舒服、温暖，不会产生太多思考，可以直接把情绪传递给听众。
为什么这样？ 因为复杂的和声听起来会“高级”，但同时也需要一定的乐理基础才能欣赏，对于追求快速传播和广泛受众的网络歌曲来说，过于“烧脑”的和声反而会是阻碍。简单和声的优点在于，它能和旋律完美契合，并且不会抢了旋律和人声的风头。
强烈的起伏和对比，尤其是在副歌：很多网络歌曲的结构很简单，就是主歌副歌主歌副歌桥段副歌。而副歌通常是歌曲的情感和能量爆发点。作曲上会通过提高音高、加快节奏（或者给人节奏加快的感觉）、增加旋律的跳跃度来制造这种爆发感。
具体表现：主歌可能比较平缓，用相对低的音区和简单的节奏，为副歌积蓄力量。副歌一上来，旋律立刻拔高，节奏也变得更具驱动力，听众的情绪也会跟着“噌”地一下上去。这种强烈的对比非常有助于歌曲的记忆点和情感释放。
特定音阶和调式的运用：虽然不是绝对，但有时我们会发现一些网络歌曲会倾向于使用一些听起来比较“轻快”、“民族感”或者“抒情”的音阶。比如在一些古风或者民族风的网络歌曲里，会频繁用到五声音阶（宫商角徵羽），或者在流行抒情曲里，常用自然大调或和声小调。这些音阶本身就带有特定的情感色彩，能让听众在潜意识里就抓住歌曲的情绪定位。
再来说说编曲，这部分是让网络歌曲“听起来像网络歌曲”的另一大推手：
突出的节奏感，尤其是鼓点：网络歌曲的鼓点通常非常清晰、有力，而且模式化。很多时候，你可以清楚地听到底鼓（Kick Drum）、军鼓（Snare Drum）和踩镲（Hihat）的规律性敲击。尤其是一些舞曲风格的网络歌曲，鼓点就是驱动整首歌曲前进的引擎。
常见套路：比如经典的“咚嚓哒嚓”或者“咚咚嚓哒”的鼓点模式。这些模式非常直接，容易让听众产生律动感，跟着摇摆。而且，鼓点的音色往往也比较饱满、有冲击力，听起来“响”。
音色选择和音效的“流行”与“饱和”：
合成器音色：大量使用听起来比较“现代”、流行度高的合成器音色是网络歌曲的标志之一。比如那些闪亮、有空间感的Pad（铺垫音色）、圆润的Lead（主旋律音色）、或者一些节奏感强的Pluck（拨弦音色）。这些音色的选择往往是为了追求一种“讨喜”的听感，容易营造出一种氛围感。
EQ和压缩的过度使用：为了让所有乐器都“响”起来，听起来更“饱满”，编曲者往往会对每个音轨进行比较激进的EQ处理（比如提升很多高频让乐器更明亮）和压缩（让声音的动态范围变小，整体听起来更“厚”）。这会导致声音听起来缺乏动态，但优点是辨识度高，尤其是在手机、电脑外放时，不容易被环境音淹没。
混响（Reverb）和延迟（Delay）的“量”：为了制造空间感和氛围感，编曲中会大量使用混响和延迟效果。有时候，这些效果甚至会“糊”掉一些细节，让声音听起来朦胧而富有情感。尤其是在唱腔上，大量的混响能让声音听起来更“飘渺”、“深情”。
人声的处理：
AutoTune的痕迹：虽然现在很多主流歌曲也用AutoTune，但网络歌曲中，AutoTune的痕迹有时候会特别明显，甚至成为一种风格。它可以让演唱者的音准变得非常“完美”，但也可能让声音失去一些自然的情感波动。
后期和声（Backing Vocals）的堆叠：副歌部分通常会堆叠很多后期和声，让声音听起来更“厚实”、更有力量感。这些和声的旋律走向也常常是比较简单、随旋律走的。
结构上的重复性与“Drop”：除了旋律的重复，编曲上也经常会出现结构上的重复。比如，一个熟悉的音乐动机会在不同的乐器上轮番演奏，或者以不同的节奏形式出现。另外，一些歌曲会模仿EDM音乐的“Drop”设计，在一段铺垫之后，突然爆发出一个强烈的节奏和主旋律，极大地增强了歌曲的冲击力。
总的来说，一首“网络歌曲”之所以有那种感觉，是作曲和编曲在追求最大化的传播效率和情感共鸣过程中，形成的一系列相对固定的技术选择。它不是不优秀，而是它的目标受众、传播方式和创作环境，决定了它会偏向于那些更容易被理解、更容易被模仿、更能瞬间抓住耳朵的元素。
所以，下次再听到一首让你觉得“就是网络歌曲”的歌，不妨试着去分析一下它的旋律是不是有非常明显的重复动机，和弦是不是特别简单，鼓点是不是很清晰，合成器音色是不是很“流行”，人声处理是不是很“完美”等等。这些细节，往往就是它“网感”的来源。
首先，得承认，网络歌曲的兴盛很大程度上是因为门槛的降低和传播渠道的便捷。这使得大量非科班出身的音乐爱好者能够通过软件自己创作，再加上互联网的病毒式传播，形成了一种特有的风格。这种风格，说白了，就是为了快速抓住听众耳朵，易于传播和模仿，并且往往带有某种情绪共鸣。
从作曲角度来说，网络歌曲的旋律有几个非常明显的特征：
高度重复且易于记忆的动机（Motive）：这是最核心的一点。很多网络歌曲的旋律，尤其是副歌部分，就是一个非常短、非常抓耳的音乐片段，反复出现。这个片段可能就是一个简单的音程组合，比如上行一个大二度、再上行一个小三度，或者一个简单的下行模进。这种重复性极强，就像脑子里有个钩子一样，听一遍就能跟着哼。很多所谓的“洗脑神曲”就是因为这个动机做得太扎实了。
举个例子：想想那些歌词简单、旋律重复的喊麦歌，或者一些情感抒发类的歌曲，副歌的旋律往往就是那么几个音，但因为重复得恰到好处，加上情绪的堆叠，就很容易深入人心。
简单而直接的和声进行（Chord Progression）：网络歌曲很少会玩那些复杂、多变的和弦。最常见的往往是流行音乐中最基础、最稳定的和声套路，比如大家熟知的“卡农进行”（IVviIV）的变体，或者更简单的IIVV、viIVIV等等。这些和弦进行听起来舒服、温暖，不会产生太多思考，可以直接把情绪传递给听众。
为什么这样？ 因为复杂的和声听起来会“高级”，但同时也需要一定的乐理基础才能欣赏，对于追求快速传播和广泛受众的网络歌曲来说，过于“烧脑”的和声反而会是阻碍。简单和声的优点在于，它能和旋律完美契合，并且不会抢了旋律和人声的风头。
强烈的起伏和对比，尤其是在副歌：很多网络歌曲的结构很简单，就是主歌副歌主歌副歌桥段副歌。而副歌通常是歌曲的情感和能量爆发点。作曲上会通过提高音高、加快节奏（或者给人节奏加快的感觉）、增加旋律的跳跃度来制造这种爆发感。
具体表现：主歌可能比较平缓，用相对低的音区和简单的节奏，为副歌积蓄力量。副歌一上来，旋律立刻拔高，节奏也变得更具驱动力，听众的情绪也会跟着“噌”地一下上去。这种强烈的对比非常有助于歌曲的记忆点和情感释放。
特定音阶和调式的运用：虽然不是绝对，但有时我们会发现一些网络歌曲会倾向于使用一些听起来比较“轻快”、“民族感”或者“抒情”的音阶。比如在一些古风或者民族风的网络歌曲里，会频繁用到五声音阶（宫商角徵羽），或者在流行抒情曲里，常用自然大调或和声小调。这些音阶本身就带有特定的情感色彩，能让听众在潜意识里就抓住歌曲的情绪定位。
再来说说编曲，这部分是让网络歌曲“听起来像网络歌曲”的另一大推手：
突出的节奏感，尤其是鼓点：网络歌曲的鼓点通常非常清晰、有力，而且模式化。很多时候，你可以清楚地听到底鼓（Kick Drum）、军鼓（Snare Drum）和踩镲（Hihat）的规律性敲击。尤其是一些舞曲风格的网络歌曲，鼓点就是驱动整首歌曲前进的引擎。
常见套路：比如经典的“咚嚓哒嚓”或者“咚咚嚓哒”的鼓点模式。这些模式非常直接，容易让听众产生律动感，跟着摇摆。而且，鼓点的音色往往也比较饱满、有冲击力，听起来“响”。
音色选择和音效的“流行”与“饱和”：
合成器音色：大量使用听起来比较“现代”、流行度高的合成器音色是网络歌曲的标志之一。比如那些闪亮、有空间感的Pad（铺垫音色）、圆润的Lead（主旋律音色）、或者一些节奏感强的Pluck（拨弦音色）。这些音色的选择往往是为了追求一种“讨喜”的听感，容易营造出一种氛围感。
EQ和压缩的过度使用：为了让所有乐器都“响”起来，听起来更“饱满”，编曲者往往会对每个音轨进行比较激进的EQ处理（比如提升很多高频让乐器更明亮）和压缩（让声音的动态范围变小，整体听起来更“厚”）。这会导致声音听起来缺乏动态，但优点是辨识度高，尤其是在手机、电脑外放时，不容易被环境音淹没。
混响（Reverb）和延迟（Delay）的“量”：为了制造空间感和氛围感，编曲中会大量使用混响和延迟效果。有时候，这些效果甚至会“糊”掉一些细节，让声音听起来朦胧而富有情感。尤其是在唱腔上，大量的混响能让声音听起来更“飘渺”、“深情”。
人声的处理：
AutoTune的痕迹：虽然现在很多主流歌曲也用AutoTune，但网络歌曲中，AutoTune的痕迹有时候会特别明显，甚至成为一种风格。它可以让演唱者的音准变得非常“完美”，但也可能让声音失去一些自然的情感波动。
后期和声（Backing Vocals）的堆叠：副歌部分通常会堆叠很多后期和声，让声音听起来更“厚实”、更有力量感。这些和声的旋律走向也常常是比较简单、随旋律走的。
结构上的重复性与“Drop”：除了旋律的重复，编曲上也经常会出现结构上的重复。比如，一个熟悉的音乐动机会在不同的乐器上轮番演奏，或者以不同的节奏形式出现。另外，一些歌曲会模仿EDM音乐的“Drop”设计，在一段铺垫之后，突然爆发出一个强烈的节奏和主旋律，极大地增强了歌曲的冲击力。
总的来说，一首“网络歌曲”之所以有那种感觉，是作曲和编曲在追求最大化的传播效率和情感共鸣过程中，形成的一系列相对固定的技术选择。它不是不优秀，而是它的目标受众、传播方式和创作环境，决定了它会偏向于那些更容易被理解、更容易被模仿、更能瞬间抓住耳朵的元素。
所以，下次再听到一首让你觉得“就是网络歌曲”的歌，不妨试着去分析一下它的旋律是不是有非常明显的重复动机，和弦是不是特别简单，鼓点是不是很清晰，合成器音色是不是很“流行”，人声处理是不是很“完美”等等。这些细节，往往就是它“网感”的来源。
网友意见
在创作《伤不起》《爱情买卖》这些热门歌曲时有哪些规律？为确保其热门，创作者着重使用了哪些技巧和要素？
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