如何正确评价一个演员的演技？
一、情感的传递与共鸣：演员是否触动了你的心弦？
这是最直接也最核心的评价标准。一个好演员，不仅仅是在念台词、做表情，他是在用自己的生命去体验角色的情绪，并将这份情感以真实可信的方式传递给你。
情绪的层次感与细腻度： 喜怒哀乐，绝非只有一种表情。悲伤可以是隐忍的、绝望的、释然的；愤怒可以是爆发的、隐匿的、心冷的。观察演员是否能将角色的情绪变化表现得有层次，有没有那些难以言喻的细微之处——比如一个眼神的闪躲、一个嘴角不易察觉的抽动、一声轻微的叹息，这些细微末节往往是情感最真实也最动人的流露。他是否能让你感受到角色的内心世界波涛汹涌，而不是仅仅停留在表面。
情感的真挚与感染力： 你是否被角色的情绪所牵动？当你看到角色痛苦时，你是否也感同身受？当你看到角色喜悦时，你是否也跟着开心？这种情感的共鸣，是演员演技最有力的证明。这意味着他不仅仅是在“演”，而是在“成为”那个角色，他的情感是发自内心的，能够穿透屏幕，触碰到观众的灵魂。
情绪的稳定与一致性： 在一部剧或一部电影中，角色的情绪是有其发展脉络的。演员是否能保持角色的情感基调在大部分时间内是一致的，即使有转变，也是符合人物逻辑的？一个演员突然情绪失控，或者前后表现出截然不同的状态而没有合理解释，那很可能是在演技上“翻车”了。
二、对角色的理解与塑造：演员是否真正读懂了剧本和角色？
演技的深度，在于演员对角色内核的挖掘和理解。这不仅仅是记住台词，而是要理解角色的背景、动机、性格，并将这些内化到自己的表演之中。
人物的立体感与复杂性： 一个好的角色，往往不是非黑即白的。他可能有优点也有缺点，有光明的一面也有阴影。演员是否能将角色的这种复杂性呈现出来？他有没有让角色的人物弧光变得饱满？比如，一个反派角色，如果演员能演出他内心的挣扎、他的动机，甚至让你对他的遭遇产生一丝同情，那他的演技就已经超越了简单的“坏”。
动机的合理性与逻辑性： 角色的每一个行为，每一个决定，都应该有其内在的动机。演员是否能让这些动机在表演中得以体现？观众是否能理解角色为什么会这样做？一个表演得当的角色，他的行为逻辑是清晰的，即使是看似冲动的行为，观众也能从中找到铺垫和原因。
性格的把握与统一性： 从角色的言谈举止、思维方式、行为模式，演员是否能将角色的性格特征展现得清晰而统一？例如，一个内向的角色，他的肢体语言和说话方式是否都体现出这一点？一个外向的角色，他的张力和表现力是否恰到好处？
三、技巧的运用与内化：演员是否掌握了表演的“内功”？
演技的技巧是支撑情感和理解的载体。这些技巧不是炫技，而是为了更好地服务于角色，让表演更具说服力。
台词的功力： 台词不仅是吐字清晰，更在于其韵律、语速、语气，以及情感的注入。演员如何处理台词中的停顿、轻重缓急，是否能让台词充满生命力，甚至通过台词传达出言外之意？比如，同样一句“我爱你”，不同的语气和情境，可以传达出截然不同的情感深度。
肢体语言与面部表情： 演员的身体是表达情感的重要工具。他的站姿、走姿、手势，甚至是微小的身体动作，是否都与角色性格和当前情绪相符？面部表情是否丰富而自然，能否捕捉到眼睛里传递的情绪？有时，一个演员的眼神，就能讲述一个故事。
与对手演员的化学反应： 演技的较量，往往体现在对手戏中。演员是否能与其他演员产生良好的互动？他是否能接住对手抛来的“球”，并进行精彩的回击？这种默契和化学反应，能让整场戏的张力提升，让角色之间的关系更加真实可感。
节奏的把控： 表演是有节奏的，一场戏、一个镜头，都需要演员对节奏有敏锐的感知。他是否能在需要沉寂时沉寂，在需要爆发时爆发？他是否能让观众随着他的表演节奏，一起进入情境。
四、整体的完成度与个人风格：演员是否贡献了一次令人难忘的表演？
角色的“完成度”： 最终的评价，是将演员的表演放在整个作品中来看。他是否成功地塑造了一个鲜活的角色，并且这个角色在整部作品中扮演了重要的作用？这个角色是否给你留下了深刻的印象？
是否“出圈”或“成为经典”： 有些演员的表演，会超越作品本身，成为一种文化符号或被大众广泛认可的经典。这往往是其演技达到一定高度的体现。当然，并非所有优秀的表演都能如此，但能否在一段时间内引起讨论和共鸣，也是一个参考。
个人风格与可塑性： 有些演员有独特的个人风格，这让他们在某些类型的角色上特别出色。但同时，一个真正优秀的演员，也应该具备一定的可塑性，能够挑战不同类型的角色，并且都能演得出彩。评价时可以看他是否能跳出自己固有的舒适区，去尝试和驾驭不同的角色。
如何避免“AI味”的评价？
要让评价显得真实、有血有肉，而不是机械的堆砌词汇，关键在于：
引入具体例证： 不要只说“他演得很好”，要具体到“在xxx场景中，他通过一个微小的眼神变化，将角色内心深处的犹豫不决表现得淋漓尽致，那一刻我仿佛能感受到他内心的挣扎。”
使用比喻和联想： 比如“他的表演就像一首精心谱写的乐章，有高潮有低谷，细腻得如同丝线缠绕”，或者“他的眼神仿佛能诉说千言万语”。
融入个人感受： “我当时看得非常感动/紧张/心疼”，将自己的主观情感带入评价，更能体现评价的真实性。
保持语气的自然： 避免使用过于书面化、过于官方的词汇，像平时聊天一样，表达自己的真实看法。
注重细节的描写： 对演员的某个动作、某个表情、某个语气的处理进行细致的描述和分析。
总而言之，评价一个演员的演技，是一个从理性分析到感性体会的综合过程。它要求我们既要懂得欣赏，也要懂得剖析，更要带着一颗真诚的心去感受演员在角色中付出的努力和传递的情感。只有这样，我们的评价才能既有深度，又有温度。
网友意见
In your choices lies your talent. -- Stella Adler
“在你的选择之中，说明了你的才能。”Stella Adler是与Lee Strasberg以及Sanford Meisner并列的美国现实主义表演三大奠基大师之一（Lee就是大名鼎鼎的方法派的开创者），而她的这句话就是我观察演员表演时使用的标准。
对普通的观众来说，开心的剧情里要笑，悲伤的剧情里要哭，这是理所应当的事。但他们不知道的是，这些笑和哭都是一种“选择”，而笑也有一千种笑法，哭也有一千种哭法，这背后有无数次的排练，才会决定最终舞台上呈现出的是哪一种。很多人误以为表情自然、情绪真挚便是演技，但那只是演员的基本功而已。真正考验功夫的，正是同样的剧情下，不同演员会作出如何的选择，这也是莎剧等经典戏剧久演不衰的道理。
凯特·温丝莱特就说过，现在回头看《泰坦尼克号》，会为自己当年青涩的很多选择而羞愧。在《理智与情感》中她与演技精湛的艾玛·汤普森对戏，李安在自传中曾如此评价两位女演员的演技：“我拍摄《理智与情感》时，凯特·温斯莱特只有19岁，这是她的第二部电影，所以有些事情对她就会比较困难，比如说应付摄像机，还不能意识到它……艾玛的演技是很纯熟的。她可以毫不费力地，一次就表达四五层的情感。但是，尽管凯特相对还比较稚嫩，她却有着打动人心的力量，可以让观众不自觉地为她担忧。这对凯特来说很简单，但是对艾玛来说就比较难了。”这就是本色与演技的分别。
而艾玛在《理智与情感》中妹妹濒危那场戏中，也遇到了困难。李安告诉她，不要去演“悲伤”或者“感动”，而是演“恐惧”，恐惧失去那个灵魂。而“恐惧”这个“动作”(action)，正是让这场戏能够打动人心的“选择”。
但凡了解一点表演，就会知道，情绪是不能表演的。你永远不能演出快乐、悲伤或者害怕（李安说的"fear"在英语中是个动词），而要去演“动作”和“潜台词”(subtext)。而“动作”大部分时候都是“反应”(reaction)——对想象出来的“刺激”(stimuli)，比如声、光、情绪，去给出真实的反馈。这就是为什么两个演员配戏时要不断地“给”对方东西，因为这样对方才能更好地“反应”，就像打球一样。所以我国很多电视剧中的演员照这个标准看，都是不合格的。他们大多只是程式化地微笑或者哭喊，而不是针对剧情的刺激给出相应的有机反应。
表演并不在于碎片式的一词一句，更在于全面塑造一个合情合理的“人”。角色为什么会在此处说此话，为什么会对此情有此“选择”，背后都有来龙去脉，必须逻辑自洽，否则就难以说服观众。这就是为什么Stella Adler还说，“一个演员要锻炼自己的形体，要训练自己的声音，但最重要的是塑造自己的头脑。” 演员一般都会给角色写小传，分析人物的前史，来塑造最终演出中的冰山一角。很多人提到优秀的演员“演什么像什么”，仿佛可以在不同的人格间变换，就是因为演员通过连贯的细节设定，让逻辑“立体”了起来。
举几个反例，周迅虽然是个好演员，但我对她在《红高粱》中的表演完全无法苟同——她只是一贯地在演自己的小家碧玉气，遇到什么情况都是一副倔倔的样子。更加明显的例子是徐克近年来的片子，包括《狄仁杰》和《智取威虎山》，角色完全被脸谱化，完全看不出完整的动机和人格，白白浪费了众多好演员。看《智取威虎山》的幕后花絮，徐导似乎是个“结果指导”(result directing)派，直接要求效果，很少讲解动机。这在当年一个月赶三个戏的香港电影界可能有它的好处，但对现实主义表演来说可谓大忌——跑偏讲到导演去了，不过詹姆斯·弗兰科（人家可有一个奥斯卡影帝提名哦）也说过，“（作为演员）你只可能和你的导演一样好。”
一个优秀的演员内心一定要有很大的容量，能够接纳和诠释各种角色与他们过山车一般的情绪。引用自己的一篇
系统地学习表演，提高演技，会对日常生活有什么帮助？ - 卓扬的回答：“而学习表演，就是学习如何把脆弱暴露在人前。在外人面前剖开胸膛，伸手进去戳动自己的心，从中爆发出的歌哭言笑，既是角色，也是自己。正常的成年人要在这世界上生存，都早已穿上了铠甲，隐藏起软肋，不会总是让自己血淋淋。”
演员也是人，会反感正常人都反感的东西，比如裸露，比如注视，比如丢面子；而表演必须抛弃这一切，做一个赤子。我的表演老师有个两岁的女儿，她说她非常喜欢观察女儿对各种“刺激”的反应，因为孩子的表达尚未经过社会礼仪的过滤，是完全开放而天然的。表演就是一个抛弃自我过滤的过程。
所以即便没有看过李·佩斯其他的作品，仅凭《霍比特人》我也认为他是个好演员。他在与角色索林对峙时选择了表现脆弱，仅仅这个瞬间就让我回味不已。还有瑟兰迪尔最后与莱格拉斯的告别，他居然选择了微笑行礼，隐忍不发的离别之情令人心碎。李·佩斯自己也说那是他最喜欢的一个场景。
梅丽尔·斯特里普说过：“表演并不是关于变成一个不同的人，而是找到表面不同中的相似之处，然后在其中找到自己。”在这个核心面前，口音的模仿、形体的转变都只是“器”而已。
诚然，在真实表演的基础上加入声音、形体的变化，难度会上一个量级。就像我老师说的，表演就好像在抛接球(juggle balls)，在舞台上随时要在多个任务间转换。练习越多，抛接的技巧便会越纯熟。
知乎很多伪表演评论会从粉丝的角度出发，过多关注演员的形象气质。这从某方面来说其实也不无道理，演员的确是有类型的。有句话说，导演的工作中90%都在选角上，如果演员选对了，导戏就会很轻松。在《雷神》中饰演奥丁的老戏骨安东尼·霍普金斯，在第一眼见到锤哥全副带妆时说：“这根本就不需要任何表演了！”后来影片的成功当然证明了导演选角的眼光——要知道，当时锤哥和抖森都是名不见经传的小演员，要在好莱坞大片中担纲主角，还曾受到制片人的怀疑。但是如果完全把角色塑造的成功归功于演员的自身气质，也就是所谓的“本色出演”，未免太低估演员的工作了。
话说回来，“选择”并不仅仅是对“动作”和“潜台词”的诠释，还有很多质性在演员的工具箱里可供选择，比如位置高低、动作节奏（这个很重要！）、标志性动作……比如《逆转未来》中的詹姆斯·麦卡沃伊（就是一美）在听金刚狼讲述来意的时候，隔着台灯一弯腰，立刻改变了两人之间的势能，实在是个很有意思的选择（好了你们都知道我是marvel脑残粉了）。
最后推荐大家我最近的心头好，爱德华·诺顿——他在《鸟人》中的表演无与伦比，从现实穿越到戏剧，可以清晰地看到他表演意图(objective)的转换。大美无言，只有跪舔。
另外再说一句，面瘫也未必是坏表演啊，可能是导演的风格问题——君不见《白日焰火》里的廖凡，还拿了柏林影帝呢？
除知乎日报，请勿转载
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上日报了，谢谢大家，欢迎私信勾搭，也欢迎加我公众号misseris_13
P.S. 我只受过美国现实主义表演训练，对国内的表演体系不太了解，若有错漏之处望海涵：D
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