有哪些有内涵、有深度，看几遍都觉得不够的电影？
如果要说我心中那种“看几遍都觉得不够”的电影，我会毫不犹豫地提到《搏击俱乐部》（Fight Club）。
第一次看《搏击俱乐部》，我大概是被那种癫狂、叛逆的风格给震撼到了。那个总是失眠、对生活失去意义感的“我”，遇到了那个玩世不恭、充满个人魅力的泰勒·德顿。他们创立了搏击俱乐部，通过拳头发泄生活中的压抑和愤怒，这本身就充满了原始的爆发力。电影里对消费主义的批判、对现代社会男性身份认同的探讨，都让我觉得“哇，这电影好酷！”。
但随着我年龄的增长，以及经历的事情越来越多，再看《搏击俱乐部》，我发现它远不止于此。
首先，关于“我”和泰勒·德顿的“分裂”： 很多人都知道，泰勒是“我”的幻想人格，是“我”内心深处压抑的、想要成为却不敢成为的样子。但深入去看，这不仅仅是简单的精神分裂。它更像是一种对“自由意志”的哲学探讨。当“我”被社会规范、消费主义、以及自身恐惧所束缚时，泰勒就成了那个“打破一切”的化身。他代表了“我”对生命本能的渴望，对僵化生活的反叛。
电影中，泰勒所做的一切，从在公司里说出“你不是你工作的便利贴”开始，到后来的“第一条规则是：你不能谈论搏击俱乐部”，再到最后的“泰勒·德顿计划”，都是在一点点瓦解“我”所处的那个“正常”世界。而“我”在其中，从最初的被动接受，到后来的恐惧、抗拒，再到最终的接受甚至拥抱，这个过程就是“我”在重新认识和接纳自己的过程。
其次，消费主义的深渊： 《搏击俱乐部》对消费主义的批判，可以说是毫不留情。电影中那些琳琅满目的家具、汽车、衣物，被塑造成了“我”用来填补空虚的工具。但这些物品，并没有给“我”带来真正的快乐，反而成了“我”的负担。“我”花了无数时间去工作，赚取金钱，然后花钱去购买那些“不必要”的东西，最终被这些东西所奴役。泰勒所做的，就是把这些“象征”着虚无的物品，一件件地摧毁，比如那句经典的“你拥有的东西，最终会拥有你”。
电影里，泰勒说：“我们是社会多余的产物，我们是这一代人的失业者，被父辈的缺席所培养，但渴望一场伟大的战争去证明我们是人。” 这句话，道出了很多现代人内心的迷茫和焦虑。我们被赋予了太多的选择，却不知道如何去选择，我们追求物质上的富足，却忽略了精神上的贫瘠。
再者，关于“意义”的追寻： 电影最终导向的，是“我”对生命意义的重新定义。搏击俱乐部提供了一种原始的、肉体上的宣泄，它让人们暂时摆脱了社会身份的标签，找回了作为个体的感觉。但泰勒所追求的，是更深层次的“颠覆”，是让人们摆脱对物质和社会的依赖，去寻找真正的自我。
最后，“我”在枪击自己，也就是“击毙”泰勒人格的时候，他所说的话：“我看到了我的人生，我看到了我选择的每条路，我看到了那些本可以更好的选择……但是，我不能这样。” 这里的“我”已经不再是那个被动的、浑浑噩噩的“我”了。他明白了，无论泰勒有多么具有吸引力，他都不是真正的“我”，真正的“我”必须在承认自己所有脆弱、所有不完美的情况下，去创造属于自己的意义。
我特别喜欢电影结尾，当“我”和玛拉站在高楼上，看着城市被炸毁时，“我”对玛拉说：“你认识我吗？” 玛拉回答：“我认识你。” 这一刻，“我”终于可以坦然地面对自己，面对爱人，面对这个被自己“重塑”的世界。
每次看《搏击俱乐部》，我都会注意到一些新的东西。有时候是某个眼神，某个台词的潜台词，或者是镜头切换的暗示。它就像一个巨大的迷宫，每一次进入，你都能发现一条新的通道，去理解人物更深层次的心理动机，去体会导演和编剧对于现代社会、对于人性的深刻洞察。它不是一部让人看了就觉得“爽”的电影，它更像是一种思考的邀请，一种对自我追问的启蒙。我总觉得，我还没有完全理解它，或者说，我还没有完全理解它对我的意义。
网友意见
推荐10部吧，绝对有内涵、有深度！
《小丑》
高超娴熟的掌镜功力，精湛绝伦的表演技艺，造就了一部超凡脱俗的《小丑》。它不同于漫威的任何一部电影，甚至也不同于DC的任何一部电影。因为《小丑》并非俗套的超级英雄片，导演跳出窠臼，转而去挖掘小丑成长的起源，分析小丑之所以成为小丑的深层因素。
这是一部糅合社会现实、道德伦理和人文关怀的犯罪片，严肃的社会关切，紧张的心理冲突，郑重的底层关注，深刻的人性剖析，告诉我们是千疮百孔的社会和冷漠无情的人世“制造”出了小丑。
病态的社会造成了反社会，缺位的政府导致了无政府。用大笑来表现痛苦，用癫狂来释放压抑，又岂止是小丑一人。最后一幕，千千万万个“小丑”从地下走上了舞台，乌合之众走向了集体狂欢。
华金·菲尼克斯以其出神入化、炉火纯青的表演使得小丑这一人物形象全面立体化，以前我们说“希斯·莱杰之后再无小丑”，现在也许可以修正为“凤凰之后再无小丑”。
最后将拙诗《小丑》献给这本佳作：
不要给我希望
只给我糊口的食粮
不要给我梦想
只给我过冬的衣裳
我是冬天的知了
传达生死不明的聒噪
我是夏天的小丑
将酷暑滚成一个雪球
《阿尔法城》
作为魅力型统治者克里斯玛的化身，阿尔法60是阿尔法城的主宰者，这里不允许哭泣，违反逻辑即可入罪。一位化外之人闯入，带来了爱和良知，带来了黎明的曙光。
《阿尔法城》是最早的反乌托邦影片之一，有乔治·奥威尔和汉娜·阿伦特的影子。阿尔法城就是“大洋国”，阿尔法60就是“老大哥”，极权主义的统治方式表现为对逻辑的严格遵循。
当然还有马克斯·韦伯的影子，形式理性与实质理性的冲突，工具理性与价值理性的对峙。《阿尔法城》是部惊悚的黑色科幻，也是警世的人类寓言。
《黑炮事件》
西方学者哈贝马斯提出了“技术理性”这一概念，认为技术规则是作为一种目的理性的（或工具的和战略的）活动系统。但在中国，传统上占主导地位的是人际理性，普遍缺乏技术理性和科学理性。
《黑炮事件》是这一典型特征的影像化表达，讲述了技术工人赵书信丢失象棋上的一枚“黑炮”而引发的一系列啼笑皆非的连锁反应。影片虽一派冷峻严肃的气象，本质上却是一出反话正说的讽刺剧和荒诞不经的滑稽剧。
罗伯特·C·埃里克森在其著作《无需法律的秩序》中提出了“法律更多但秩序更少”的吊诡命题。或许我们也需要反思，为何规则（规章）更多但秩序更少。
《通天塔》
人类希望能够建立起通往天堂的巴别塔，上帝却让人类说不同语言，导致无法沟通，筑塔计划最终失败，人类各散东西。
三个故事，遥相呼应却又息息相关，《通天塔》以多线叙事的方式，为电影文本构建了一个网状结构。即使语言不同，种族不同，国度不同，却被同样的命运支配着。即使身份不同，经历不同，思想不同，却被同样的悲苦裹挟着。
无处安放的悲苦，无法消除的芥蒂，无从消解的情绪，终于累积成“悲剧的诞生”。
但我仍愿相信，人类的悲欢虽不相通，但众生皆苦，我并不觉得他们吵闹。也坚信，在最黑暗的夜里，一定会有最明亮的光。
《野战排》
由于越战对美国社会运动的发展与衍变产生巨大影响，好莱坞许多电影便以此为题展开批判、反思与建构。其中奥利弗·斯通的“越战三部曲”可谓越战题材电影的代表作，包括《野战排》《生于七月四日》《天与地》。
《野战排》大概七八年前就已经看过，却没有留下深刻印象。重看此片，诸多镜头逐渐将旧时的记忆碎片一一打捞上来，尤其是片中士兵们在越南村庄的小型屠杀，以及伊莱亚斯被众多越南士兵追杀时孤独而又悲壮的身影。
在好莱坞一众大牌导演中，奥利弗·斯通尤其偏爱政治类题材并拍摄出了许多经典作品。最为可贵的是，导演面对电影、面对观众、面对国家时无所畏惧、十分诚实，不美化丑恶，不掩饰弊病，不隐瞒真相。正如《野战排》，影片毫不掩饰对越战的反省和对政府的批判——最大的敌人其实是自己，敌人就在自己心中。
即使如此，抑或也正因为如此，奥利弗·斯通才是一个真正且伟大的爱国者。
《机械姬》
我一直认为，一流的影片构建世界观，二流的影片树立人生观，三流的影片灌输价值观。从这个角度来看，《机械姬》属于一流影片无疑。《机械姬》可以说是近年来最好的硬科幻之一，它有着冷静稳重的外壳，更有着残酷深刻的内核；它展现了人机互动的表象，更昭示了人机冲突的本质。
影片对人工智能的探讨，就是对人类未来的思索，尽管这个探讨有个悲观甚至绝望的结局，但这个结局足以使人类复盘人工智能的起源，思考人工智能的发展。
也许我们无法猜到人工智能的最高阶段是什么，但大概可以猜到其最终结果，那很可能是人类成了自身的掘墓人，而人工智能则是这个世界上的新物种，也是唯一的物种。
这就是《机械姬》的存在意义，它有大胆的假设，也有小心的求证，容量虽小却格局宏大，对白虽浅却立意深刻。
影片自始至终弥漫着一股文艺气息，但从更深层次上讲，本片更像是一篇寓意深长的科幻寓言，它警示我们，即使人类创造了人工智能，也不应以造物者自居，而应时刻保持谦卑的姿态，因为这种姿态不仅牵引着人工智能的走向，更决定着人类的生死存亡。
《痛苦与荣耀》
弗洛伊德在《梦的解析》中认为，童年时受到压抑的愿望，治愈过程伴随一生。同时也认为，梦是愿望的达成。安东尼·班德拉斯在知天命之年受到生理和心理痛苦的困扰，在吸食海洛因时，不时回忆起童年的场景。回忆难道不也是一场梦？
在《痛苦与荣耀》中，阿莫多瓦一如既往地倾注了大量的私人情感和个人体验。这是一部彻彻底底的作者电影，观者只有做到感同身受的语境代入，方能做出恰如其分的客观解读。
影片不是毕加索式的野兽派表达，而是更类似于超现实主义梦幻派。超现实主义画家强调梦幻与现实的统一才是绝对的真实，力图把生与死、梦境与现实结合起来，具有神秘、恐怖、怪诞等特点，其渊薮便在于弗罗伊德以梦的解释开创的精神分析新时代。如此，这与《痛苦与荣耀》的影像风格十分契合。
淅淅沥沥的夜晚，雨声不绝于耳，甚是动听。在这样一个大夏天，躲在房间，偷偷看欧洲闷片，谁说这不是一种“审慎魅力”呢？
《成为约翰·马尔科维奇》
《成为约翰·马尔科维奇》可以说是我看过的最深奥的电影之一，它不同于《盗梦空间》《禁闭岛》需要充分调动脑细胞的电影，也不同于《星际穿越》《超时空接触》需要储备大量硬知识的电影。想理解这部电影，不仅需要屏气凝神地静心观看，还需要充分展开自己的想象力，不过最重要的是要看一遍一遍再一遍。当然，理解并不等于看懂，不过理解就够了，也许这部电影本来就没有标准答案。
主角是一个失业的木偶师，在档案管理员的新工作上无意中发现了墙角的一个入口，而这个入口正好可以进入演员约翰·马尔科维奇的意识之中，从而可以感受和体会到约翰·马尔科维奇所经历的一切。之后的戏剧冲突正是围绕这一入口而展开。因这一入口，产生了爱与背叛，也产生了怪异和荒诞。
这正是一部怪异的电影，不落窠臼，不入流俗，展现了一股荒唐的正经；这也是一部荒诞的电影，奇异诡谲，如梦如幻，透露着一股邪魅的气质。电影中充满了过多的隐喻，每个隐喻又有不同角度的解读，从而使影片极大地拓展了自身的容量，散发着经久不衰的魅力，为影迷所津津乐道。
人的意识是可怕的诅咒，或许影片中的这句台词就是本片的点睛之语。猩猩蜥蜴没有思想，依然可以了此一生；而即使是一个著名演员，在某种情况下也不过是一个提线木偶，为别人提供了一个寄生的躯壳。
现实生活中我们都坚定不移地相信我们每个人都是独立的个体，你是你，我是我。看完本片，或许你我都会有一丝动摇。
《巴顿·芬克》
《巴顿·芬克》可以说是是科恩兄弟所有作品中最为含蓄隐晦的一部电影，它理性缺失，真亦假时假亦真，有着后现代主义的的诡异荒诞；它逻辑断裂，无为有处有还无，有着超现实主义的虚无缥缈。
一个小有名气的剧作家来到好莱坞，渴望实现个人抱负，却遭遇了创作上的匮乏和思想上的桎梏，以至于游离于现实与虚幻之间。也许这就是剧作家的真实处境，局促不安的现实生活与苦闷乏味的精神世界无法调节，从而出现了神经质般的状态。而虚伪功利的好莱坞无疑也是加害者，大名鼎鼎的剧作家竟是欺世盗名的酒鬼，礼贤下士的电影公司老板也不过是刻薄势利的伪君子。这一切都说明了好莱坞不是一尘不染的天堂，这里只是鱼龙混杂的闹市，每天都在上演着闹剧而已。
这就是科恩兄弟眼中的好莱坞，人物是假的，故事是假的，甚至于电影也可以是假的，但现实是真的。这就是科恩兄弟的风格，他们不会苦口婆心地教给你怎么做，他们只会把血淋淋的事实展现给你，告诉你，这不是电影，这就是人生，这就是生活。这就是科恩兄弟的态度，他们从来不会摇尾乞怜地讨好观众，也不会居高临下地蔑视观众，他们只是用一部又一部的优质作品赢得了所有观众的尊重。
《心理游戏》
大卫·芬奇是少数几个无视观众大脑开发水平、藐视观众观影体验的导演，这次他又用《心理游戏》再次压榨了我们的智商。看懂了不必沾沾自喜，因为结局依然会颠覆你的自以为是；看不懂也不必抓耳挠腮，因为每人自有其角度的“哈姆雷特”。
影片主人公是一个事业上较为成功的投资银行家，可生活上却是一个彻彻底底的失败者。与妻子婚姻破裂，也没有友谊的存在，唯一的朋友或许就是他的弟弟。他的弟弟为了帮助他更好地认识这个世界，也重新认识自身，从而设计了一系列诡异的游戏。男主在这些游戏的操纵下，由期待转为愤怒，由愤怒转为绝望，而最后男主从高楼的奋力一跳，划出了一道反转的弧线，弧线两段则是迥然不同的人生。
客观的说，影片在剧情方面有不少硬伤，不过依然是一部悬疑佳作。片中的游戏不止是为主角设置，其实也是给所有人设置的。通过这个游戏，挖苦了人际关系的物化，讽刺了人情的冷漠，也狠狠戏谑了现实生活一把。
也许这就是大卫·芬奇的悬疑片，它蕴藏着冷酷，裹挟着不安，也传达着绝望。即使撕开了这些外衣，我们依然看不到任何希望。
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