如何才能听懂勋伯格？

如何才能听懂勋伯格？这不是一道选择题，而是一场漫游

许多人谈论勋伯格，总是带着一种敬畏，或者一种莫名的畏惧。仿佛他的音乐是某种高深莫测的咒语，不掌握一套“窍门”就永远无法领悟。但我想说，听懂勋伯格，不是去破解密码，而是一场冒险，一次对音乐语言的全新探索。放下那些“必须知道”的预设，让我们一起走进一个更开放的场域。

第一步：卸下包袱，拥抱“陌生”

我们习惯于用过去积累的音乐经验来衡量一切。而勋伯格的音乐，尤其是他“无调性”和“十二音技法”时期的作品，会极力挑战我们对和谐、旋律和节奏的既有认知。与其强迫自己去寻找熟悉的“旋律线”或“解决感”，不如先尝试将自己浸入声音的海洋。

别急着“找旋律”： 勋伯格的音乐常常没有我们熟悉的、能够哼唱的主题。他关注的是音色、动机的细微变化、以及不同声部之间看似矛盾却又相互关联的张力。想象自己像个孩子，第一次听到一种全新的声音组合，不去评判它是否“对”或“错”，只是去感受它。
听“色彩”和“质感”： 勋伯格非常注重音色的运用。他的音乐中，乐器的高低音区、不同的演奏技巧，都能营造出极为丰富的音响色彩。有时候，一句乐句可能不是由一个明显的旋律组成，而是由不同乐器以不同的音色、节奏、力度组合而成。试着去分辨这些声音的“质地”，是尖锐的、浑厚的、纤细的、还是混沌的？
接受“不确定感”： 调性音乐给了我们一种稳定感和方向感，就像在一张清晰的地图上行走。而勋伯格的无调性音乐，则像是雾中的行走，你无法确定下一秒会走到哪里，但这种未知本身就充满了探索的乐趣。允许音乐在你耳边自由流淌，不试图去预测它的走向，而是跟随它前进。

第二步：从哪里开始？寻径而入

勋伯格的创作生涯跨越了几个重要阶段，选择一个合适的入口能让你的体验更加顺畅。

初探——晚期浪漫主义时期： 在他完全走向无调性之前，勋伯格的作品已经充满了强烈的情感和不稳定的和声。例如：
《升华之夜》（Verklärte Nacht, Op. 4）： 这是他早期最有名的作品之一，虽然仍有调性，但和声语言已经非常复杂和大胆，情感表达极为丰富细腻。这是一个很好的“软着陆”，让你感受他音乐的强度和美感。
《古雷之歌》（GurreLieder）： 这是一部气势恢宏的合唱作品，虽然规模巨大，但其中已经能听到他对色彩和情感的深刻探索。

跨越——无调性时期： 这是勋伯格最具争议也最具革命性的阶段。如果你准备好了，可以尝试：
《月下皮埃罗》（Pierrot Lunaire, Op. 21）： 这是一部声乐套曲，使用了一种叫做“演讲式演唱”（Sprechgesang）的演唱方式。女高音歌手不是在歌唱，而是在用一种高度控制的、带有音高指示的念语方式来演唱。这本身就是一种全新的听觉体验。音乐的织体也十分精巧，充满戏剧性和象征意义。
管弦乐作品，如《五首管弦乐曲》（Five Pieces for Orchestra, Op. 16）： 这些作品更加抽象，纯粹是对音色、节奏和动力的探索。尤其是第三首“色彩鲜艳的 the Farben”，试图创造一种静止的色彩感，这在当时是极具开创性的。

革新——十二音技法时期： 当你对无调性有了基本概念后，可以进入这个阶段。十二音技法是一种作曲方法，它将音阶中的十二个音按照固定的顺序排列成一个“音列”，然后围绕这个音列进行创作。这看起来是“禁锢”，但在勋伯格手中却能变化万千。
《钢琴组曲》（Suite for Piano, Op. 25）： 这是他第一部完全用十二音技法写成的作品，结构清晰，你可以尝试去辨认其中的音列变化。
小提琴协奏曲（Violin Concerto, Op. 36）： 这是一部相对晚期，也比较容易亲近的十二音作品，其旋律性比早期作品有所恢复。

第三步：主动聆听，深入理解

仅仅“听”是不够的，主动的参与才能让你真正走进勋伯格的世界。

了解背景知识，但不过度依赖： 知道十二音技法的原理（例如，音列可以正移、逆行、倒影、倒影逆行）是有帮助的，但不要让理论压制了你的听觉感受。音乐是听的，不是读的。与其死记硬背公式，不如在听的过程中，偶尔去“印证”一下你听到的，比如尝试找到音列的某个片段。
阅读乐谱，或者跟随乐谱听： 如果你有一些乐理基础，尝试阅读勋伯格的乐谱。你会惊叹于他处理音响的精巧设计，那些细微的节奏、力度、音色的标记，都是他音乐生命力的组成部分。即使不认识乐谱，跟着乐谱的“形状”去听，也能帮助你理解音乐的结构。
比较不同演奏版本： 好的演绎对于理解勋伯格的音乐至关重要。不同的指挥家和演奏家对他的作品有不同的理解。听几个不同版本，你会发现同一个乐章在不同诠释下可能呈现出截然不同的面貌。
倾听“沉默”和“张力”： 在勋伯格的音乐中，音符之间的“空白”同样重要。他常常营造出一种强烈的张力，这种张力来自于和声的不确定、节奏的打破、或者声音的突然消失。试着去感受这些张力是如何建立和释放的，这是他音乐“呼吸”的方式。

第四步：耐心与重复，让音乐在你心中扎根

勋伯格的音乐不像流行音乐那样一听就能抓住耳朵，它需要时间和耐心。

多次聆听： 对同一首作品，可能需要听上三遍、五遍甚至更多。第一次你可能还在惊叹它的“怪异”，第二次你会开始注意到一些细节，第三次你或许就能捕捉到它内在的逻辑和情感。
在不同的情境下听： 有时候，在安静的夜晚，或者在长途的旅途中，你可能会以一种全新的方式进入音乐。让音乐融入你的生活，而不是把它当作一项“任务”。
接受“不喜欢”： 即使你付出了努力，也可能有些作品依然让你感到难以接受。这是正常的。音乐的喜好是非常主观的。重要的是你在这个过程中拓展了自己对音乐的认知边界。

最后，放下“听懂”的执念，拥抱“体验”

“听懂”勋伯格，与其说是一种目标，不如说是一种副产品。当你放下功利心，纯粹地去体验他音乐中那些尖锐的美丽、混乱中的秩序、以及深刻的情感张力时，你就会发现，你已经在不知不觉中，与他的音乐产生了连接。

勋伯格是一位伟大的探险家，他用音乐开辟了全新的疆域。而我们，作为聆听者，也是这场探险的同行者。不去期待一场即时性的“顿悟”，而是享受每一次在陌生之地漫步的奇遇。当你不再试图去“征服”它，而是愿意与之共舞时，勋伯格的音乐，或许就会在你心中，悄然绽放。

网友意见

表现主义是在20世纪初出现的现代流派，它最早出现在绘画、文学等领域，后来扩展到音乐领域。表现主义可以与印象主义形成对立，印象主义强调的是外在事物给个人的瞬间体验和感受，而表现主义则更加强调个人内在的体验和感受，这两种思维模式就导致相对应的音乐有着不同的音乐特征。

表现主义音乐其实在瓦格纳和理查德·施特劳斯的歌剧中就已经有了一定暗示，他们的歌剧中十分突出人物情绪和感受的刻画，在和声上也出现了半音化的特征的同时，在结构上也更加模糊，这些都为表现主义音乐的发展提供了前提。表现主义音乐继续向前发展，取消了调式调性的限制，让十二个音处于平等关系，真正让音乐没有调性，这是表现主义音乐最大的特征。在表现主义音乐中也时常会出现一些其他的特征，比如：夸张的跳进进行、力度的巨大变化、极度不协和的和弦、不对称的节拍、不清晰的结构等。表现主义音乐因为要强调个人内在的情绪，所以通常用紧张、恐惧、绝望等比较有戏剧张力的情绪融入到作品之中。印象派虽然也是强调主观体验，但是至少还有一些精巧的旋律和典雅的音响，但在表现主义音乐中，一切都被“打乱了”。

表现主义音乐的代表人物是勋伯格和他的两个学生贝尔格和韦伯恩，他们三个都出生在维也纳，所以也有人称他们三个为“新维也纳乐派”。

阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg，1874—1951），美籍奥地利作曲家，表现主义音乐代表人物之一。

为了大家更好的学习，我在网易云上制作了一份勋伯格作品歌单，其中精选了本文提及的勋伯格代表作品中更好听的作品，欢迎大家关注收藏，链接： 解构与重建：勋伯格作品精选

勋伯格8岁学习小提琴，因父亲早亡，家庭贫困，在16岁时到银行当小职员谋生。同时，自学作曲和大提琴。20岁时，跟比他大两岁的作曲家曾林斯基（Alexander Zemlinsky，1872—1942）学习了几个月的复调，这是他唯一接受过的专业音乐训练。1901年，27岁的勋伯格到剧院任担任乐队指挥，两年后回到维也纳从事教学，贝尔格和韦伯恩就是他在这一时期的学生。勋伯格在教学时，基本主要教授传统作曲技法，并不传授给学生“现代音乐”。

在1909年，勋伯格创作了第一首无调性作品《钢琴三重奏》（Op.11，1909）。1911年，37岁的勋伯格为了生计来到柏林教书。在第一次世界大战期间，勋伯格应召入伍。战后继续回到维也纳和柏林两地的教学中。1918年，因为他的演出频频遭到观众反对，他成立“私人演出协会”，只邀请一些喜欢自己的人来看。在希特勒上台后，因为他犹太人的身份，他的演出和教学都被终止了。在1933年，勋伯格来到美国，先后在多所大学教学。在1941年加入美国籍，1951年去世。

勋伯格的创作可以分为三个时期：

一、晚期浪漫主义时期

这一时期勋伯格的创作基本延续了瓦格纳、理查德·施特劳斯的创作特征，体现了德奥晚期浪漫主义音乐的音乐风格。代表性作品有：

QQ音乐 ——勋伯格：弦乐六重奏《净化之夜》（1899，1917年改编为弦乐乐队）

QQ音乐-专辑 ——勋伯格：交响诗《佩里阿斯与梅丽桑德》（1902，与德彪西歌剧同名）

QQ音乐-专辑 ——勋伯格：合唱作品《古列之歌》（1900—1911）

二、无调性时期

勋伯格在这一时期的创作中，取消了调性的概念，作品中的十二个音不再构成任何关系，处于完全平等的状态。勋伯格的第一首无调性作品是1909年创作的《钢琴曲三首》（Op.11，1909），第一部无调性管弦乐作品是《五首管弦乐曲》（1909）。

在《五首管弦乐曲》中的第三乐章“夏晨的湖边，色彩”中，勋伯格提出了“音色旋律”的概念：勋伯格认为，即便是同一个音，在不同的乐器上是可以发出不同的音高的，这些音高连到一起便可组成旋律。

QQ音乐 ——勋伯格：《钢琴曲三首》（Op.11，1909）第一首

QQ音乐 ——勋伯格：《钢琴曲三首》（Op.11，1909）第二首

QQ音乐 ——勋伯格：《钢琴曲三首》（Op.11，1909）第三首

在其他无调性作品中，最著名的是独唱套曲《月迷彼埃罗》（共21首，1912）。

《月迷彼埃罗》表达的是主人公是一个精神错乱的人，勋伯格通过一部部作品，表达了主人公的不同情绪。在音乐上，这部作品采用了介于说和唱之间的一种“念唱”方式。

QQ音乐-专辑 ——勋伯格：独唱套曲《月迷彼埃罗》（共21首，1912）

在1915—1923年，勋伯格创作没有创作作品。

三、十二音时期

从1923年开始，勋伯格在创作中采用“十二音”作曲技术。十二音音乐是无调性音乐的进一步发展。之前无调性的音乐创作，一般只适用于小型作品。而在大型作品中，需要更复杂的构思和技术来组织整个作品，十二音解决了这个问题。

十二音体系的创作方法其实很简单，作曲家开始可以按任意顺序将一个八度内的12个半音进行排列，形成一个音阶序列（或称音阶），这个音阶我们可以称之为“原形序列”。在一部十二音作品中，需要将这个“原形序列”以原形、逆形、倒影、倒影逆形的形式在作品中依次出现。在每一次进行中，十二个音全部出现以前，不得重复其中任何一个音，每个音出现的位置、高度、声部不受约束。十二个音可以相继出现，也可以以音程或和弦的形式同时出现。十二音只对音高有要求，对节奏、力度、音色没有任何限制。

勋伯格第一步用十二音体系创作的作品是《钢琴组曲》（Op.25，1923）。目前有学术成果对《钢琴组曲》中运用的十二音的序列进行了整理，如下图，仅供参考。（看不懂略过）

QQ音乐 ——勋伯格：《钢琴组曲》（Op.25，1923）

勋伯格其他十二音代表性作品有：《第三弦乐四重奏》（1926）、《乐队变奏曲》（1927—1928）、《第四弦乐四重奏》（1936）、《小提琴协奏曲》（1936）、《钢琴协奏曲》（1942）、《一个华沙的幸存者》（1947）、歌剧《摩西与阿伦》（1951）等。其中《一个华沙的幸存者》最为著名。

《一个华沙的幸存者》（Op.46，1947）为朗诵、男声合唱和乐队演出而作，勋伯格自己作词。叙述了德国法西斯在二战期间杀害犹太人的时间，表达了勋伯格内心的情绪与激动。

QQ音乐 ——勋伯格：《一个华沙的幸存者》（Op.46，1947）

值得注意的是，勋伯格在这一时期不止用十二音体系进行创作，也创作了很多有调性的作品。十二音体系这种作曲技术，开始只流传于勋伯格和他的学生之间，后来斯特拉文斯基等作曲家也开始采用了这种作曲方法。所以，我们应该注意一个问题，即“十二音”并非表现主义音乐的最大特征，无调性才是。

十二音体系的出现，在当时引起了很大的争议，因为从严格意义上来讲，这种创作手段似乎已经超出了传统音乐创作的认知范畴。这种创作方式是在具有一定规则下的随机性创作，从音响角度来看，已经开始脱离西方音乐历史中对“音乐”的认知。但不能否认的是，勋伯格的包括十二音在内的音乐创作，对20世纪音乐的发展造成了深远的影响。

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