马丁斯科塞斯早期的电影究竟好在哪里，为何他能成为好莱坞历史上最伟大的导演兼制片人之一？
早期电影的颠覆与野蛮生长：为何如此动人？
斯科塞斯早期电影的伟大，在于他敢于撕开好莱坞的温情脉脉，将镜头对准社会阴暗的角落，用一种近乎粗粝、直接、毫不掩饰的方式，触碰那些最人性、最禁忌的议题。
真实的生命力与原始的能量： 他的早期作品，如《穷街陋巷》（Mean Streets, 1973）、《出租车司机》（Taxi Driver, 1976）、《纽约，纽约》（New York, New York, 1977），无不散发着一种令人窒息的真实感。他不是在讲述一个故事，而是在捕捉一段生命。街头的喧嚣、人物的汗水、眼神中的绝望与渴望，都被他用一种近乎纪录片式的观察捕捉下来。这种真实，源于他对纽约小意大利街区深刻的理解和情感的共鸣。他笔下的人物，不是被脸谱化的反派或英雄，而是有着复杂动机、在善恶边缘挣扎的普通人，他们会在街角因为一句口角而拔枪相向，也会在酒吧里为了一点尊严而醉生梦死。这种“坏”得如此真实，反而让人心生怜悯。
对边缘人物的深邃洞察： 斯科塞斯从不回避社会的阴暗面，他反而像是着迷于探索那些被主流社会抛弃或遗忘的群体。他的角色往往是小混混、失意者、或是精神上饱受折磨的人。他用一种非评判性的目光去审视他们，捕捉他们内心深处的挣扎、痛苦与对救赎的渴望。《穷街陋巷》中的查理，试图在黑帮生活和宗教信仰之间找到平衡；《出租车司机》中的特拉维斯·比克尔，在被城市腐蚀的孤独感中走向极端。这些角色所处的环境，是压抑的、肮脏的、充满危险的，但斯科塞斯却能在其中挖掘出人性的复杂与脆弱，甚至是一种扭曲的美感。
革命性的影像语言： 在技术日新月异的时代，斯科塞斯并没有被技术所奴役，而是将其作为表达内心情感的工具。
主观视角与内心独白： 他大量运用主观镜头，让观众仿佛置身于角色的感受之中。特拉维斯·比克尔盯着屏幕上的自己，那种强烈的自我审视感，正是通过镜头直接传递给观众。同时，他擅长运用角色的内心独白，将人物内心的思绪、挣扎、困惑毫无保留地展现出来，这种手法在当时是极具开创性的，它打破了传统叙事，让观众更直接地进入人物的精神世界。
剪辑的暴力美学： 斯科塞斯对剪辑的运用堪称一绝。他将快速、跳跃、有时甚至是刺耳的剪辑手法融入叙事，营造出一种紧张、不安、甚至混乱的氛围，恰如其分地反映了人物内心的波动和所处环境的压抑。这种剪辑风格，是对传统连贯叙事的挑战，更是对观众观影习惯的一次“冲击”。
音乐的灵魂注入： 音乐在斯科塞斯电影中扮演着至关重要的角色。他将流行音乐、摇滚乐巧妙地融入影片，尤其是滚石乐队的音乐，几乎成为了他作品的标志。音乐不再是简单的背景，而是成为角色情感的延伸，是推动叙事的重要力量，更是营造特定时代氛围的催化剂。从《穷街陋巷》中滚石的《Jumpin' Jack Flash》到《出租车司机》中Harry Chapin的《Cat's in the Cradle》，音乐与画面相互作用，产生了强大的情感共鸣。
对美国梦的解构与批判： 早期作品中，斯科塞斯也敏锐地捕捉到了美国梦的光鲜外表下隐藏的裂痕。他笔下的人物，无论是在街头混迹的底层人物，还是在光鲜娱乐场所的失意者，都在追逐某种形式的成功与认可，但这种追逐往往伴随着道德的沦丧和精神的空虚。《出租车司机》中的特拉维斯·比克尔，就是美国梦幻灭的一个极端缩影，他在纸醉金迷的纽约看到了腐朽和堕落，并试图以自己的方式进行“净化”。
从导演到制片人的宏图：为何是伟大的合作者？
斯科塞斯不仅仅是一位有远见的导演，他更是一位卓越的制片人，这很大程度上源于他对电影本身的深刻理解以及对其他电影人的尊重和支持。
发掘与提携新星： 他不仅仅是挖掘了罗伯特·德尼罗这样的表演巨匠，更通过自己的制片公司，为年轻一代的电影人提供了平台。他深知电影是团队的艺术，而他作为核心，能够辨别出有才华的创作者，并给予他们发挥的空间。
保护电影人的艺术表达： 在商业压力巨大的好莱坞，斯科塞斯始终坚持电影艺术的纯粹性。他愿意为保护导演的艺术表达而与制片厂博弈。他的制片人身份，让他能够从更宏观的角度去思考如何让优秀的电影作品得以生存和发展，如何为电影艺术注入新的活力。
对电影史的致敬与传承： 斯科塞斯本人就是一位狂热的电影爱好者，他对电影史有着深厚的了解和敬意。他不仅仅是创造者，更是电影的守护者。他积极参与修复经典老电影，并致力于将那些被遗忘的电影艺术家的作品重新带回大众视野。这种对电影遗产的珍视，使得他不仅仅是一个时代的弄潮儿，更是电影历史的连接者和传承者。他深知电影是站在巨人的肩膀上前进的，而他自己也成为了后辈们的巨人。
总结来说，马丁·斯科塞斯早期电影的伟大，在于他用一种毫不妥协的真实、对边缘人物的深情关怀、革命性的影像语言，以及对美国社会现实的敏锐洞察，打破了当时好莱坞的陈规。而他作为制片人的卓越之处，则在于他不仅是一位优秀的创作者，更是一位电影艺术的推动者、守护者和传承者。他的一系列早期作品，不仅是他个人艺术生涯的奠基石，更是好莱坞电影走向成熟与多元化的重要里程碑。他所展现出的那种对电影艺术的赤诚之心，以及在创作中不畏艰难、勇于探索的精神，正是他能成为影史璀璨星辰的根本原因。
网友意见
他可能是少数一直社会现实与商业电影完美结合的导演。
如果给马丁一个颜色标签的话，那就是黑色，他一生的电影贯彻了这两个字。
马丁的电影主题，一直都在关注美国社会黑暗角落人物的命运。
马丁1967年拍摄处女座电影《谁在敲我的门》，就已经开始表现出对社会底层人物命运的关注。
故事讲述性保守社会底层青年J.R，在遇到被强奸过的女孩后，表现出迷茫与痛苦。
那时的马丁还没有给出一个自己的答案。
马丁进过几年蹉跎之后，1972年拍摄了低成本电影《冷血霹雳火》，这部电影讲述了两名底层人物经过刺激后，转变成为劫匪的故事，从此马丁打开了自己的犯罪电影之路。
这部电影当时和现在来看，深度不大，但是马丁该有的元素这部电影里开始萌芽。
因为这部电影拍摄之前，马丁拍摄了一部反越纪录片《街头事件》。但是马丁仍然没有机会，因为这时候的好莱坞被传统大片厂控制，市场低迷新锐导演更加缺乏机会拍摄新片的机会。
而1972年好哥们弗朗斯西.科波拉凭借《教父》一片，成为美国最炙手可热的导演。
60年代的时候马丁与斯皮尔伯格，卢卡斯，弗朗西斯.科波拉这些人经常跑到漫画书店里鬼混，讨论美国电影的方向，寻找各自的灵感，不知道那时候他们的有没有吹过牛逼，但是在这里马丁是那个最不合群的那个。那时候的美国电影也在低迷期，起因和九十年代中国电影的低迷差不多，电视。
拍摄技术手段的雷同，导致各类型电影题材被电视化后，导致电影题材缺乏竞争力，同时期电影特效没有革命性的进展。电影必须依靠明星号召力来拉高票房，这时候整个好莱坞传统产业资本开始保守拍摄新电影。
电影是美国像世界输出美式文化的重要阵地，美国是不能坐视自己的文化阵地垮掉。
于是上世纪70年代，美国联邦税法规定，凡是投入到电影产业制作的资金都可以在短期内提前折旧，同时可以作为报税时的预扣金额。由于可以提前折旧和当做预扣金额，在当时吸引了相当一本分行业外的资本进入电影行业，于是好莱坞进入金融资本时代。
新锐导演们开始得到机会弗朗西斯科波拉1972年首先拍摄了《教父》，新人斯皮尔伯格得到机会拍摄《横冲直撞大逃亡》，新人乔治卢卡斯获得机会拍摄《美国风情画》。
马丁得到机会拍摄《穷街陋巷》，是马丁仍旧把目光放到了社会底层。
1970年代的美国科技产业开始展露头角，但是传统产业正在遭受日本的冲击，尤其接纳社会底层人员工作的制造业，大量工作机会被日本制造抢走，曾经依靠巨大钢产量撑起美国军事工业，并且间接打败日本的美国钢铁产业，被日本钢铁逼到破产。
整个社会底层失去战后的昂扬，这一代人也被人成为垮掉的一代。
昂扬向上的科技产业，对于学历的要求极高，底层青年根本没有上升机会，美国的阶级在那时已经开始固化。
越战使美国社会割裂，让大多数美国人明白政府不在代表正义，也明白了华尔街对于国家的控制。但是自由一直贯穿于美国。
马丁的《穷街陋巷》表达就是底层人民生活无望后的反抗与呐喊。
《穷街陋巷》可以说是《出租车司机》的前奏，其中的荒诞与戏谑，在后来的《出租车司机》中升华。
电影中表现的意大利裔美国人的生活状态，马丁没想过要揭露意裔黑帮的面纱，只是告诉大家一个生活状态。
意裔青年生活在意裔街区，在浓重的黑帮文化中，失去了求学上进的机会，被牢牢锁定在社会底层，生活中大都市中，却无力打破命运枷锁，同时他们说被社会忽视的阶层，以前从未有主流文化注意于此。
马丁则一直把目光和创作灵感放在这里，并且不断提高自己的创作手段与灵感。并且一直寻找市场与现实的平衡点，让观众注目于此。
也是这一年乔治卢卡斯凭借77万美元投资《美国风情画》获得童年奥斯卡最佳导演，并且收获了1.5亿的票房。卢卡斯成为制片人们的宠儿，低成本高收入，是制片人的最爱，卢卡斯得到了《星球大战》的投资，虽然制片人也不懂卢卡斯要干啥。
这时候的马丁还是没有钱，1974年马丁在《穷街陋巷》之后仅用15万美金，就拍摄了《再见爱丽丝》，这部电影马丁开始关注女权，讲述单身母亲如何一个人带着孩子寻找新生活的故事。
马丁的目光还是注视着底层，这部电影让女主角艾伦.波斯蒂恩获得了47界奥斯卡最佳女角奖，这一次马丁作为导演以小博大，进入了好莱坞主流人物的眼中。
但是这一届奥斯卡的焦点是哥们科波拉，《教父2》成了奥斯大赢家，科波拉用的马丁御用演员罗布特.德尼罗。他获得了最佳男配角。
《再见爱丽丝》引起了新一代制片人的注意，这时候好莱坞因为对于电影支持性的税改，流入了大笔资金，马丁得到了一次新的机会。
《出租车司机》可以说是马丁老班底，1975年好哥们斯皮尔伯格垂头丧气的拍了一部大白鲨，没想到却引爆市场，带领美国电影进入新的时代，但是斯皮尔伯格也表现出对于市场的屈服，斯皮尔伯格开创了好莱坞的大片时代，斯皮尔伯格的眼睛也盯着观众的钱包。
四个人里面，马丁仍然执着于反映社会底层的电影，《出租车司机》对马丁来说，可以说是天时地利人和，因为三个好兄弟相继成为影坛新红人，给了马丁不少资源，老班底罗布特.德尼罗也成为影坛红人，自己上一部电影让女主角获得最佳女主角。
《出租车司机》的题材其实本来不是主流电影的选择，但是经过正确的运作，马丁得到了优质的资源来拍摄《出租车司机》。
《出租车司机》的几个主要元素
第一、黑色。
第二、越战
第三、底层
第四、雏妓
第五、犯罪
这几个元素放在今天，可能是不会被大家注意，可是在70年代，这是全新的视角，那时候的美国从二战结束后，从英国手里抢来了世界政治的话语权，GDP连续70多年世界第一，国家富裕，世界的灯塔，全民极其自信
可是《出租车司机》一下子把大家的目光拉倒了社会底层，有关于反战，为了吃饱饭而卖身的童妓，越战英雄在底层挣扎。
社会阶级早就固化，但是大多数人无能为力，底层社会迷茫，工作机会开始失去，经济在升，但底层人民却没有机会突围。
《出租车司机》一下子击中了美国人的心，马丁继续关注底层人民得到了回报，俘获了影评家的心，在戛纳获得金棕榈奖。
成为了当年奥斯卡大热，获得了最佳影片，最佳男主，最佳女配，最佳配乐提名，但是过于黑暗的，亦或者美国人想展现与法国人的不同，奥斯卡开始了第一次辜负马丁，《出租车司机》在奥斯卡评委那里败下阵来，一无所获。
但是这时候的马丁的风格开始成熟，但是黑暗角落的人，成了他的主题。
这个时期的美国，大多数反映社会问题的电影，集中在中产阶级的困惑之上，底层问题一直徘徊在主流之外。
马丁在寻找自己与商业之间的平衡，1977年拍摄了歌舞片《纽约.纽约》马丁脱离了自己战场，自己熟悉的战场。这个行为和斯皮尔伯格拍完《大白鲨》之后拍摄的《1941》基本一样，一次失败的尝试。
70年代是歌舞片的一次新的高潮，马丁尝试使用的新的歌舞方式，但不是正在流行的歌舞文化，讲述的是三十年代爵士乐手与歌女的故事。还是由罗布特德尼罗主演。
那个时代是现代歌舞片的天下，怀旧歌舞片已经没有了市场，虽然马丁有很多创新，但是马丁没抓住70年代歌舞片的潮流，《纽约纽约》以失败告终。
大概1974年罗布特.德尼罗在拍摄教父2期间，看到了以前拳王杰克.拉莫塔自传小说《愤怒的公牛》。罗伯特敏锐的发现这部小说符合马丁的风格，找到马丁要求拍摄。
但是马丁却拒绝了罗伯特，马丁没找到这个小说的点，他只是认为这是一部拳击小说，马丁对拳击不感兴趣，罗伯特不死心，带着小说找到《洛奇》制片人艾文.温克勒,他很感兴趣，但是要求马丁执导，项目就这样拖来拖去，直到《纽约纽约》的失败。
马丁当时在困境中挣扎，电影票房失败，婚姻也失败，自己患病在床的时候，罗伯特重新拿过小说。马丁接受了这部电影，成就了一段传奇。《愤怒的公牛》核心讲述的是拉莫塔由一个底层孩子，成长为拳王，然后名利场中转了一圈又重回平淡，然后再次寻找人生的故事。
其主人公和黑帮的关系，也开始展现出马丁的风格，一个底层人物成长与毁灭都与黑帮有扯不开的关系。
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困了，明日再更。
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