预告片剪辑是先剪画面还是先加音乐后按照节奏走？如何找到合适的音乐？预告片里起伏还有情绪的转换如何转场？
这个问题问到点子上了！剪预告片，就像给一部浓缩的电影谱写高潮乐章，里头门道可不少。到底是先画还是先声？这事儿，得看具体情况，但总的来说，“画”和“声”是相互成就，相辅相成的，很少有绝对的谁先谁后。
剪辑画面还是先加音乐？
很多时候，特别是经验丰富的剪辑师，或者是在一个项目初期，会选择先有一个大概的“音乐概念”或者甚至是直接找一首“感觉对”的音乐来做基底。 为什么这么说呢？
音乐定调定节奏： 音乐的节奏、情绪、能量，能非常直观地告诉你预告片该往哪个方向走。一首激昂的交响乐，自然会引导你剪出充满冲突和动作的画面；一首悠扬舒缓的旋律，则可能指向情感的铺垫和人物的内心世界。音乐本身就带有了叙事性和情绪起伏，你听着音乐，脑子里就会自然而然地浮现出画面来。
音乐引导剪辑节奏： 预告片的精髓之一就是节奏感。音乐的鼓点、旋律线的起伏，是绝佳的剪辑“节拍器”。你可以在音乐的高潮处放大镜一样聚焦一个震撼的镜头，在音乐低沉时交代背景信息，在音乐骤然加速时快速切换一系列紧张的画面。这种“按节奏剪”的方式，能让预告片本身就拥有强大的律动感，牵引着观众的情绪。
先剪画面再配乐的挑战： 当然，也有先剪画面的情况。比如，导演或剪辑师对某个镜头特别有感觉，想先把它抠出来，然后围绕它去构建。但这样做，往往需要后期在海量的音乐库里“大海捞针”，找到能完美匹配已经剪好的画面节奏和情绪的音乐，这本身就是一项艰巨的任务，而且很容易因为找不到合适的音乐而影响原本的剪辑思路。
所以，更常见也更有效的方式是：
1. 初步构思： 导演或剪辑师对预告片要传达的核心信息、情感基调有一个初步的想法。
2. 寻找音乐灵感： 在音乐库里，或者脑海中，寻找符合这个想法的音乐。可能是一首有压迫感的电音，也可能是一段带有悬疑感的管弦乐，甚至是能烘托人物情感的抒情曲。
3. 音乐打底，画面跟随： 将找到的音乐导入剪辑软件，作为时间轴上的“基底”。然后，开始从中挑选出能呼应音乐情绪和节奏的画面素材。例如，音乐里有个强烈的鼓点，你就找一个画面冲击力最强的镜头放在这里；音乐有个渐强的段落，你就开始加速画面切换。
4. 画面与音乐的磨合： 这个过程是反复的。你可能会发现某个画面和音乐不搭，就换一个；或者发现音乐的某个地方需要调整，就去找另一段音乐，或者对现有音乐进行一些简单的编辑（比如裁剪、淡入淡出）。
如何找到合适的音乐？
这就像寻宝，需要耐心和技巧。
1. 理解你的预告片定位：
影片类型： 动作片？悬疑片？爱情片？喜剧片？科幻片？不同类型有不同的音乐偏好。动作片可能需要力量感强、节奏快的，悬疑片则需要营造紧张、神秘氛围的。
核心情绪： 预告片想让观众感受到什么？是激动、害怕、感动、好奇，还是想笑？
目标观众： 你的预告片是给谁看的？年轻群体可能喜欢更现代、更有节奏感的；年长观众可能更偏爱经典或史诗感的。
影片的“灵魂”： 预告片最想抓住观众的那个点是什么？是惊险的动作场面？是人物之间深刻的情感羁绊？是颠覆性的世界观？音乐要能放大这个“灵魂”。
2. 从哪里淘金？
专业音乐库（RoyaltyFree Music Libraries）： 这是最主要的阵地。有很多专门为视频制作提供音乐的平台，比如：
Epidemic Sound: 内容非常丰富，风格多样，更新快。
Artlist: 音乐质量很高，很多电影感的音乐，订阅制。
Musicbed: 也有很多电影感、独立感的音乐，适合有特定品味的创作者。
AudioJungle (Envato Market): 数量庞大，价格相对较低，但质量参差不齐，需要花时间筛选。
YouTube音频库: 免费，但质量和独特性相对有限，适合非商业或初期尝试。
参考已有的优秀预告片： 看看同期或者同类型的电影，它们的预告片用了什么音乐？当然不是去抄袭，而是从中汲取灵感，了解当下流行的音乐风格和配乐方式。
电影原声大碟（OST）： 有些电影的OST本身就很有力量，而且能很好地体现影片的情感，但要注意版权问题，很多OST不适合直接用于二次创作。
与音乐人合作： 如果预算允许，或者追求独特性，可以找专业的配乐师为你量身定做，这是最好的方式，但成本也最高。
3. 筛选技巧：
关键词搜索： 利用各种形容词和情绪词来搜索，比如：“epic action”、“suspenseful trailer”、“emotional drama”、“quirky comedy”、“cinematic buildup”等等。
听“预告片专用”音乐： 很多音乐库有专门的“trailer music”分类，这类音乐通常有明确的起承转合、递进和爆发点，非常适合预告片。
留意音乐结构： 好的预告片音乐往往有清晰的结构：
开头（Intro）： 奠定基调，可能很平静或带有神秘感。
发展/堆叠（Buildup）： 音乐逐渐加强，加入更多乐器，节奏加快，营造紧张或期待感。
高潮（Climax/Drop）： 音乐能量爆发，可能是动作场面的亮点，或是情感的顶点。
结尾（Outro）： 可能是强有力的收尾，也可能是突然的戛然而止，留下悬念。
多听！多听！多听！ 只有听得多了，你才能对什么音乐适合什么画面产生直觉。
预告片里起伏还有情绪的转换如何转场？
这是预告片剪辑的灵魂所在，也是最考验剪辑师功力的地方。情绪和节奏的转换，不是简单地“卡”一下画面，而是要让观众在不知不觉中被牵引着情绪的过山车。
1. 音乐是最好的“转场器”：
利用音乐的节奏点： 在音乐的鼓点、旋律的切分、或是某个乐器的突然加入/消失时，进行画面切换。一个强烈的鼓点可以用一个动作镜头来回应，一个高亢的音符可以配合一个人物的特写。
音乐的情绪转折： 当音乐从平静转为激昂，或者从紧张转为舒缓时，画面也要做出相应的变化。比如，音乐由低沉的弦乐转为激昂的铜管，画面可以从一个安静的人物对话切换到一个宏大的战争场面。
音乐的“留白”与“爆发”： 有时音乐会突然变小声，营造一种“山雨欲来”的氛围，此时可以用一个充满悬念的画面或者一个人物的眼神特写；当音乐突然爆发时，则用最精彩、最震撼的画面去迎接。
2. 画面叙事逻辑与情绪铺垫：
建立情绪的基础： 在进行情绪转换之前，需要先在画面上铺垫好情绪。比如，想从“平静”转到“危机”，你可能需要先展现一些看似平常的日常，然后再用一些细微的镜头（比如一个阴影、一个紧张的表情）来预示即将到来的变化。
渐进式的情绪升级/降级： 很多时候，情绪的转换不是一蹴而就的，而是有一个过程。剪辑时可以通过逐渐加快的剪辑速度、越来越有冲击力的镜头，来逐步提升情绪。反之，也可以通过放慢节奏、使用更柔和的镜头，来缓和情绪。
3. “隐形”的剪辑技巧： 好的转场是让你感觉不到它是“剪”出来的，而是“自然而然”发生的。
视觉上的关联：
动线延续： 一个角色看向左边，下一个镜头可以是左边发生的事件。
形状或颜色呼应： 一个圆形的物体，下一个镜头可以是另一个圆形物体，或者是一个与它颜色相近的物体。
相似的构图： 两个镜头的主体位置、景别相似，可以实现平滑的过渡。
听觉上的连贯：
声音转场（Sound Bridge）： 前一个镜头的声音（对白、音效）延续到下一个镜头，或者下一个镜头的音乐或音效提前出现，衔接声音。
利用共同的音效： 如果两个镜头都有雨声，可以利用雨声的淡入淡出来实现转场。
蒙太奇手法：
平行蒙太奇： 同时展现两组或多组不同的事件，通过快速切换，制造并置感和对比感，可以快速推进叙事和情绪。
对比蒙太奇： 通过强烈的画面对比来制造冲突或揭示主题。
4. 制造“惊喜”与“悬念”：
“假停顿”： 在音乐的某个强劲节奏点，画面突然定格，让观众以为要结束了，结果音乐又以另一种方式继续，或者画面突然以另一种方式切入，制造惊喜。
“剪断”的节奏： 有时，刻意在画面即将达到高潮或某个关键动作完成的瞬间进行剪切，留下强烈的悬念。比如，角色即将挥出拳头时，画面戛然而止。
“错位”剪辑： 故意打乱事件发生的顺序，或者将不相关的画面进行并置，制造出乎意料的效果，引发观众的思考和好奇。
总结一下：
剪预告片，是“画面”与“声音”的一场精密配合。音乐是骨架，画面是血肉。先找对音乐的感觉，再用画面去填充它的灵魂，让两者在节奏和情绪上互相奔赴。而情绪的转换，则需要依靠音乐的引导，结合视觉的逻辑与剪辑的技巧，通过声音的呼应、画面的关联，以及蒙太奇的魅力，才能真正地牵动观众的心弦，让他们迫不及待地想看到正片。这是一个不断尝试、反复打磨的过程，没有标准答案，只有你对影片最深刻的理解和最精准的表达。
剪辑画面还是先加音乐？
很多时候，特别是经验丰富的剪辑师，或者是在一个项目初期，会选择先有一个大概的“音乐概念”或者甚至是直接找一首“感觉对”的音乐来做基底。 为什么这么说呢？
音乐定调定节奏： 音乐的节奏、情绪、能量，能非常直观地告诉你预告片该往哪个方向走。一首激昂的交响乐，自然会引导你剪出充满冲突和动作的画面；一首悠扬舒缓的旋律，则可能指向情感的铺垫和人物的内心世界。音乐本身就带有了叙事性和情绪起伏，你听着音乐，脑子里就会自然而然地浮现出画面来。
音乐引导剪辑节奏： 预告片的精髓之一就是节奏感。音乐的鼓点、旋律线的起伏，是绝佳的剪辑“节拍器”。你可以在音乐的高潮处放大镜一样聚焦一个震撼的镜头，在音乐低沉时交代背景信息，在音乐骤然加速时快速切换一系列紧张的画面。这种“按节奏剪”的方式，能让预告片本身就拥有强大的律动感，牵引着观众的情绪。
先剪画面再配乐的挑战： 当然，也有先剪画面的情况。比如，导演或剪辑师对某个镜头特别有感觉，想先把它抠出来，然后围绕它去构建。但这样做，往往需要后期在海量的音乐库里“大海捞针”，找到能完美匹配已经剪好的画面节奏和情绪的音乐，这本身就是一项艰巨的任务，而且很容易因为找不到合适的音乐而影响原本的剪辑思路。
所以，更常见也更有效的方式是：
1. 初步构思： 导演或剪辑师对预告片要传达的核心信息、情感基调有一个初步的想法。
2. 寻找音乐灵感： 在音乐库里，或者脑海中，寻找符合这个想法的音乐。可能是一首有压迫感的电音，也可能是一段带有悬疑感的管弦乐，甚至是能烘托人物情感的抒情曲。
3. 音乐打底，画面跟随： 将找到的音乐导入剪辑软件，作为时间轴上的“基底”。然后，开始从中挑选出能呼应音乐情绪和节奏的画面素材。例如，音乐里有个强烈的鼓点，你就找一个画面冲击力最强的镜头放在这里；音乐有个渐强的段落，你就开始加速画面切换。
4. 画面与音乐的磨合： 这个过程是反复的。你可能会发现某个画面和音乐不搭，就换一个；或者发现音乐的某个地方需要调整，就去找另一段音乐，或者对现有音乐进行一些简单的编辑（比如裁剪、淡入淡出）。
如何找到合适的音乐？
这就像寻宝，需要耐心和技巧。
1. 理解你的预告片定位：
影片类型： 动作片？悬疑片？爱情片？喜剧片？科幻片？不同类型有不同的音乐偏好。动作片可能需要力量感强、节奏快的，悬疑片则需要营造紧张、神秘氛围的。
核心情绪： 预告片想让观众感受到什么？是激动、害怕、感动、好奇，还是想笑？
目标观众： 你的预告片是给谁看的？年轻群体可能喜欢更现代、更有节奏感的；年长观众可能更偏爱经典或史诗感的。
影片的“灵魂”： 预告片最想抓住观众的那个点是什么？是惊险的动作场面？是人物之间深刻的情感羁绊？是颠覆性的世界观？音乐要能放大这个“灵魂”。
2. 从哪里淘金？
专业音乐库（RoyaltyFree Music Libraries）： 这是最主要的阵地。有很多专门为视频制作提供音乐的平台，比如：
Epidemic Sound: 内容非常丰富，风格多样，更新快。
Artlist: 音乐质量很高，很多电影感的音乐，订阅制。
Musicbed: 也有很多电影感、独立感的音乐，适合有特定品味的创作者。
AudioJungle (Envato Market): 数量庞大，价格相对较低，但质量参差不齐，需要花时间筛选。
YouTube音频库: 免费，但质量和独特性相对有限，适合非商业或初期尝试。
参考已有的优秀预告片： 看看同期或者同类型的电影，它们的预告片用了什么音乐？当然不是去抄袭，而是从中汲取灵感，了解当下流行的音乐风格和配乐方式。
电影原声大碟（OST）： 有些电影的OST本身就很有力量，而且能很好地体现影片的情感，但要注意版权问题，很多OST不适合直接用于二次创作。
与音乐人合作： 如果预算允许，或者追求独特性，可以找专业的配乐师为你量身定做，这是最好的方式，但成本也最高。
3. 筛选技巧：
关键词搜索： 利用各种形容词和情绪词来搜索，比如：“epic action”、“suspenseful trailer”、“emotional drama”、“quirky comedy”、“cinematic buildup”等等。
听“预告片专用”音乐： 很多音乐库有专门的“trailer music”分类，这类音乐通常有明确的起承转合、递进和爆发点，非常适合预告片。
留意音乐结构： 好的预告片音乐往往有清晰的结构：
开头（Intro）： 奠定基调，可能很平静或带有神秘感。
发展/堆叠（Buildup）： 音乐逐渐加强，加入更多乐器，节奏加快，营造紧张或期待感。
高潮（Climax/Drop）： 音乐能量爆发，可能是动作场面的亮点，或是情感的顶点。
结尾（Outro）： 可能是强有力的收尾，也可能是突然的戛然而止，留下悬念。
多听！多听！多听！ 只有听得多了，你才能对什么音乐适合什么画面产生直觉。
预告片里起伏还有情绪的转换如何转场？
这是预告片剪辑的灵魂所在，也是最考验剪辑师功力的地方。情绪和节奏的转换，不是简单地“卡”一下画面，而是要让观众在不知不觉中被牵引着情绪的过山车。
1. 音乐是最好的“转场器”：
利用音乐的节奏点： 在音乐的鼓点、旋律的切分、或是某个乐器的突然加入/消失时，进行画面切换。一个强烈的鼓点可以用一个动作镜头来回应，一个高亢的音符可以配合一个人物的特写。
音乐的情绪转折： 当音乐从平静转为激昂，或者从紧张转为舒缓时，画面也要做出相应的变化。比如，音乐由低沉的弦乐转为激昂的铜管，画面可以从一个安静的人物对话切换到一个宏大的战争场面。
音乐的“留白”与“爆发”： 有时音乐会突然变小声，营造一种“山雨欲来”的氛围，此时可以用一个充满悬念的画面或者一个人物的眼神特写；当音乐突然爆发时，则用最精彩、最震撼的画面去迎接。
2. 画面叙事逻辑与情绪铺垫：
建立情绪的基础： 在进行情绪转换之前，需要先在画面上铺垫好情绪。比如，想从“平静”转到“危机”，你可能需要先展现一些看似平常的日常，然后再用一些细微的镜头（比如一个阴影、一个紧张的表情）来预示即将到来的变化。
渐进式的情绪升级/降级： 很多时候，情绪的转换不是一蹴而就的，而是有一个过程。剪辑时可以通过逐渐加快的剪辑速度、越来越有冲击力的镜头，来逐步提升情绪。反之，也可以通过放慢节奏、使用更柔和的镜头，来缓和情绪。
3. “隐形”的剪辑技巧： 好的转场是让你感觉不到它是“剪”出来的，而是“自然而然”发生的。
视觉上的关联：
动线延续： 一个角色看向左边，下一个镜头可以是左边发生的事件。
形状或颜色呼应： 一个圆形的物体，下一个镜头可以是另一个圆形物体，或者是一个与它颜色相近的物体。
相似的构图： 两个镜头的主体位置、景别相似，可以实现平滑的过渡。
听觉上的连贯：
声音转场（Sound Bridge）： 前一个镜头的声音（对白、音效）延续到下一个镜头，或者下一个镜头的音乐或音效提前出现，衔接声音。
利用共同的音效： 如果两个镜头都有雨声，可以利用雨声的淡入淡出来实现转场。
蒙太奇手法：
平行蒙太奇： 同时展现两组或多组不同的事件，通过快速切换，制造并置感和对比感，可以快速推进叙事和情绪。
对比蒙太奇： 通过强烈的画面对比来制造冲突或揭示主题。
4. 制造“惊喜”与“悬念”：
“假停顿”： 在音乐的某个强劲节奏点，画面突然定格，让观众以为要结束了，结果音乐又以另一种方式继续，或者画面突然以另一种方式切入，制造惊喜。
“剪断”的节奏： 有时，刻意在画面即将达到高潮或某个关键动作完成的瞬间进行剪切，留下强烈的悬念。比如，角色即将挥出拳头时，画面戛然而止。
“错位”剪辑： 故意打乱事件发生的顺序，或者将不相关的画面进行并置，制造出乎意料的效果，引发观众的思考和好奇。
总结一下：
剪预告片，是“画面”与“声音”的一场精密配合。音乐是骨架，画面是血肉。先找对音乐的感觉，再用画面去填充它的灵魂，让两者在节奏和情绪上互相奔赴。而情绪的转换，则需要依靠音乐的引导，结合视觉的逻辑与剪辑的技巧，通过声音的呼应、画面的关联，以及蒙太奇的魅力，才能真正地牵动观众的心弦，让他们迫不及待地想看到正片。这是一个不断尝试、反复打磨的过程，没有标准答案，只有你对影片最深刻的理解和最精准的表达。
网友意见
正好有個現成的案例~~
大多數預告片都是由一個個“短視頻”組成一個“長視頻”，但是視頻中的情緒可能是始終如一，也可能是每一段都不一樣~~
如果是情緒始終如一的，挑一首情緒吻合又具備恆定速度的Temp Music扔剪輯軟件裡跟著節拍堆視頻素材即可（本案例就屬於這種，給我的Temp Music是功夫熊貓的），有段落轉換的地方跟著音樂的段落走就可以了，一般來說音樂的恆定速度起始拍都是四四拍或者八六拍，有個別的一上來就是四五拍或者八七拍，如果覺得節奏太死板不想每一段“短視頻”都卡著四四拍或者八六拍，那也可以把四四拍的其中幾個卡成四五拍或者四六拍四七拍，八六拍的其中幾個卡成八七拍八九拍都行，但一定要符合一開始的恆定速度（比如“1、2、3、4、1、2、3、4、5、1、2、3、4、1、2、3、4、5、6”這樣，速度沒有變，只是多出一拍兩拍），在每一次變拍之後，Temp Music要切斷在上一段“短視頻”結尾處，在下一個“短視頻”重新找一個音樂是四四拍開頭的地方往下進行，保持恆定速度，需要原創配樂的話，也把帶有剪輯過的Temp Music連同整個完整視頻一起發給作曲供參考；
如果每一段情緒都不太一樣的，先把每一個“短視頻”需要表達的內容確定好時間長度，把每個部分都當成一個完整的段落去選音樂，但此時音樂的形態更接近於音效而不是一首連貫播放的樂曲，每一小段都有獨立的走向，但在整體進行過程中又有依託於整體的遙相呼應的因素存在就可以了~~
至於如何找到合適的音樂不知道你指的是找Temp Music還是找最終成片所需要的的音樂，如果是Temp Music，自然需要你有極大的閱片量，拿到預告片素材的時候就能想好了用哪個電影的音樂當參考，如果是成品，那肯定需要找專業作曲來完成這部分的工作，現在預告片製作基本也都會找視頻外包公司來做，項目合作性質使然，這些外包公司肯定也會認識幾個作曲的~~
音畫對位整齊是預告片相當重要的一個關鍵，很多視頻剪輯師就算對著音樂剪視頻，也不會把一些需要強調的畫面語言跟音樂節奏卡上拍子，就感覺畫面和音樂各自自說自話，互不干涉，這樣的話預告片的衝擊力會大打折扣，要是實在想不到合適的Temp Music，那就在開始剪輯視頻之前，自己心裡給視頻打個恆定速度的節拍，然後加一軌跟這個速度一致的click音軌打點，跟著這個節奏去剪視頻，再把剪好的視頻交給作曲來完成配樂部分，並且告訴作曲這個視頻的速度是多少，每一個“短視頻”都是什麼情緒標籤，最終音畫結合的效果一定要做到對位整齊~~
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