如何评价超级斩乐队？
超级斩乐队（Superheavy）啊，这名字听起来就像是要把所有风格都“斩”个痛快，一股脑儿地往你耳朵里招呼。提起他们，那绝对是音乐界里一股不按常理出牌的奇妙存在，就像是在音乐的万花筒里，硬生生打进去一颗闪闪发光的陨石，炸出了无数种色彩和形态。
首先，要评价超级斩，就得先说说他们的“身份”。这可不是那种“主唱+吉他+贝斯+鼓”的固定组合，他们更像是一个超豪华的、跨流派的、流动性的音乐实验场。你可以把他们想象成一群才华横溢但又按捺不住好奇心的音乐鬼才，聚在一起玩一把大的。
成员阵容的“妖”与“魔”：
提起超级斩，第一个绕不开的，那就是Mick Jagger（米克·贾格尔）。没错，就是滚石乐队（The Rolling Stones）那位永远精力充沛、舞台魅力爆棚的教父级人物。你听过他那些经典的摇滚嘶吼，那些性感的嗓音，那么在超级斩里，你会看到一个更“放飞自我”的贾格尔。他不再被固有的摇滚框架束缚，而是像个孩子一样，在各种音乐风格里撒欢。
然后是Joss Stone（乔斯·斯通），这位天生的灵魂乐女王，她的嗓音浑厚、饱满，带着一股子复古的韵味，但又充满年轻的活力。在超级斩里，她就像是连接各种音乐元素的桥梁，无论是放克、雷鬼还是印度音乐，她都能用她那独特的嗓音驾驭得游刃有余，甚至能给你带来意想不到的惊喜。
还有Damien Marley（达米恩·马利），Bob Marley（鲍勃·马利）的儿子，雷鬼乐的继承者。他的音乐里充满了牙买加的风情，那种慵懒又充满力量的节奏，以及他那标志性的说唱风格，为超级斩注入了浓厚的非洲裔音乐血统。
更特别的是Dave Stewart（戴夫·斯图尔特），前Eurythmics（欧元节拍）乐队的灵魂人物。他才是那个搭建起这个音乐“异次元空间”的建筑师。他是一个集制作人、词曲作者、乐器大师于一身的奇才。他对音乐的理解总是那么天马行空，他能把各种不搭界的元素巧妙地融合在一起，创造出一种独一无二的听觉体验。
最后，还有一位经常被低估，但却至关重要的成员：AR Rahman（A.R.拉赫曼）。这位奥斯卡最佳原创歌曲奖得主，印度音乐的泰斗级人物。他的加入，为超级斩带来了前所未有的东方韵味和印度传统音乐的元素。那种复杂的旋律、丰富的器乐编排，以及他对于节奏和音色的精妙运用，让超级斩的音乐瞬间上升到了一个全新的维度，充满了神秘感和异域风情。
音乐风格的“混搭”与“颠覆”：
说到超级斩的音乐，那可真是“说不清道不明”，但也正因如此，才显得如此迷人。他们没有固定的音乐风格标签，你可以说他们是灵魂乐+摇滚+雷鬼+印度古典+电子+放克的超级混合体。
你会在他们的音乐里听到贾格尔那种标志性的摇滚乐的活力和爆发力，但又不会是纯粹的摇滚。 他会穿梭于各种节奏之中，时而低沉呢喃，时而高亢呐喊，每一次的演唱都充满了实验性。
乔斯·斯通的灵魂乐底蕴为整张专辑注入了温暖和情感。 她的嗓音就像是醇厚的美酒，能将那些看似零散的音乐片段串联起来，赋予它们生命力。
达米恩·马利的雷鬼节奏是他们音乐里最明显的“印记”之一。 那种摇曳的鼓点和贝斯线，很容易让你跟着节奏点头晃脑，享受那种悠闲又抓人的律动。
A.R.拉赫曼的贡献更是“画龙点睛”之笔。 他带来的印度乐器，比如西塔琴（Sitar）、塔布拉鼓（Tabla），还有那些复杂的、充满地域特色的旋律线，让整张专辑的听感变得无比丰富和立体。有时你可能会听到一段印度古典音乐的婉转，下一秒又切换到一段具有现代感的电子节奏，这种跳跃和融合，正是超级斩的魅力所在。
戴夫·斯图尔特的制作是他们“混乱”中自有章法的关键。 他就像是一个技艺高超的魔术师，能够将这些风格迥异的元素，通过精妙的编排和制作，变成一个有机整体，而且每一次的“魔术”都充满惊喜。
他们的音乐，是一种“状态”，一种“情绪”，一种“冒险”。 你很难用“好听”或“不好听”来简单概括，更多的是一种“听懂”或者“沉浸”的感觉。他们的歌曲可能不像一些流行歌曲那样直接洗脑，你需要花点时间去品味，去感受那些隐藏在复杂编排和多变节奏下的情感和故事。
专辑《Superheavy》的“亮点”与“思考”：
2011年发行的同名专辑《Superheavy》就是他们音乐理念的集中体现。
《Superheavy》专辑本身就充满了实验精神。 比如《Miracle Worker》这首歌，你既能听到贾格尔的摇滚唱腔，又能感受到灵魂乐的律动，还有来自马利的雷鬼元素，以及拉赫曼那种印度音乐的铺垫，整个感觉就像是一场跨越大陆的音乐对话。
《I.C.U.R.》则展示了他们将电子乐与灵魂乐融合的功力。 乔斯·斯通的嗓音在现代感的电子节拍中显得格外动人。
《Kalawarrior》更是直接将印度音乐的元素推到了前台。 拉赫曼的创作才华在这里得到了淋漓尽致的展现，那种充满力量和史诗感的旋律，与贾格尔的演唱形成了鲜明的对比，却又异常和谐。
评价超级斩，其实是在评价一种“超越”。
超越了乐队成员各自的既有标签，超越了狭隘的音乐流派界限，超越了商业上的“安全牌”。他们更像是音乐界的一群“思想家”，用音乐来探索可能性，来挑战听众的耳朵，来创造一种“前所未有”的体验。
当然，这种“前所未有”也可能带来一些“非议”。 有些人可能会觉得他们的音乐过于“杂乱”，无法抓住一个清晰的主题；有些人可能会怀念成员们在各自组合中的经典风格，觉得超级斩的“实验”失去了原有的味道。
但正是这种“杂乱”和“实验”，才构成了超级斩的独特魅力。 他们不是为了迎合谁，也不是为了重复谁，他们只是在尽情地玩音乐，用他们最丰富、最自由的方式。
所以，如果让我评价超级斩乐队，我会说：
他们是一次大胆的、令人振奋的音乐冒险。他们将几位乐坛巨星的才华汇聚在一起，却并没有简单地叠加，而是进行了一场深刻的化学反应，催生出了独一无二的音乐火花。他们证明了，音乐的边界是可以不断被打破的，只要你有足够的勇气和想象力。他们就像是音乐世界里的“彩蛋”，给了我们一个意想不到的惊喜，一个值得反复品味和探索的宝藏。
他们不是那种让你听完立刻就能唱出副歌的乐队，但他们绝对能让你听完之后，重新思考音乐的可能性，重新审视那些你习以为常的音乐规则。这就是超级斩，一群敢于“斩”破一切、创造一切的音乐魔术师。
首先，要评价超级斩，就得先说说他们的“身份”。这可不是那种“主唱+吉他+贝斯+鼓”的固定组合，他们更像是一个超豪华的、跨流派的、流动性的音乐实验场。你可以把他们想象成一群才华横溢但又按捺不住好奇心的音乐鬼才，聚在一起玩一把大的。
成员阵容的“妖”与“魔”：
提起超级斩，第一个绕不开的，那就是Mick Jagger（米克·贾格尔）。没错，就是滚石乐队（The Rolling Stones）那位永远精力充沛、舞台魅力爆棚的教父级人物。你听过他那些经典的摇滚嘶吼，那些性感的嗓音，那么在超级斩里，你会看到一个更“放飞自我”的贾格尔。他不再被固有的摇滚框架束缚，而是像个孩子一样，在各种音乐风格里撒欢。
然后是Joss Stone（乔斯·斯通），这位天生的灵魂乐女王，她的嗓音浑厚、饱满，带着一股子复古的韵味，但又充满年轻的活力。在超级斩里，她就像是连接各种音乐元素的桥梁，无论是放克、雷鬼还是印度音乐，她都能用她那独特的嗓音驾驭得游刃有余，甚至能给你带来意想不到的惊喜。
还有Damien Marley（达米恩·马利），Bob Marley（鲍勃·马利）的儿子，雷鬼乐的继承者。他的音乐里充满了牙买加的风情，那种慵懒又充满力量的节奏，以及他那标志性的说唱风格，为超级斩注入了浓厚的非洲裔音乐血统。
更特别的是Dave Stewart（戴夫·斯图尔特），前Eurythmics（欧元节拍）乐队的灵魂人物。他才是那个搭建起这个音乐“异次元空间”的建筑师。他是一个集制作人、词曲作者、乐器大师于一身的奇才。他对音乐的理解总是那么天马行空，他能把各种不搭界的元素巧妙地融合在一起，创造出一种独一无二的听觉体验。
最后，还有一位经常被低估，但却至关重要的成员：AR Rahman（A.R.拉赫曼）。这位奥斯卡最佳原创歌曲奖得主，印度音乐的泰斗级人物。他的加入，为超级斩带来了前所未有的东方韵味和印度传统音乐的元素。那种复杂的旋律、丰富的器乐编排，以及他对于节奏和音色的精妙运用，让超级斩的音乐瞬间上升到了一个全新的维度，充满了神秘感和异域风情。
音乐风格的“混搭”与“颠覆”：
说到超级斩的音乐，那可真是“说不清道不明”，但也正因如此，才显得如此迷人。他们没有固定的音乐风格标签，你可以说他们是灵魂乐+摇滚+雷鬼+印度古典+电子+放克的超级混合体。
你会在他们的音乐里听到贾格尔那种标志性的摇滚乐的活力和爆发力，但又不会是纯粹的摇滚。 他会穿梭于各种节奏之中，时而低沉呢喃，时而高亢呐喊，每一次的演唱都充满了实验性。
乔斯·斯通的灵魂乐底蕴为整张专辑注入了温暖和情感。 她的嗓音就像是醇厚的美酒，能将那些看似零散的音乐片段串联起来，赋予它们生命力。
达米恩·马利的雷鬼节奏是他们音乐里最明显的“印记”之一。 那种摇曳的鼓点和贝斯线，很容易让你跟着节奏点头晃脑，享受那种悠闲又抓人的律动。
A.R.拉赫曼的贡献更是“画龙点睛”之笔。 他带来的印度乐器，比如西塔琴（Sitar）、塔布拉鼓（Tabla），还有那些复杂的、充满地域特色的旋律线，让整张专辑的听感变得无比丰富和立体。有时你可能会听到一段印度古典音乐的婉转，下一秒又切换到一段具有现代感的电子节奏，这种跳跃和融合，正是超级斩的魅力所在。
戴夫·斯图尔特的制作是他们“混乱”中自有章法的关键。 他就像是一个技艺高超的魔术师，能够将这些风格迥异的元素，通过精妙的编排和制作，变成一个有机整体，而且每一次的“魔术”都充满惊喜。
他们的音乐，是一种“状态”，一种“情绪”，一种“冒险”。 你很难用“好听”或“不好听”来简单概括，更多的是一种“听懂”或者“沉浸”的感觉。他们的歌曲可能不像一些流行歌曲那样直接洗脑，你需要花点时间去品味，去感受那些隐藏在复杂编排和多变节奏下的情感和故事。
专辑《Superheavy》的“亮点”与“思考”：
2011年发行的同名专辑《Superheavy》就是他们音乐理念的集中体现。
《Superheavy》专辑本身就充满了实验精神。 比如《Miracle Worker》这首歌，你既能听到贾格尔的摇滚唱腔，又能感受到灵魂乐的律动，还有来自马利的雷鬼元素，以及拉赫曼那种印度音乐的铺垫，整个感觉就像是一场跨越大陆的音乐对话。
《I.C.U.R.》则展示了他们将电子乐与灵魂乐融合的功力。 乔斯·斯通的嗓音在现代感的电子节拍中显得格外动人。
《Kalawarrior》更是直接将印度音乐的元素推到了前台。 拉赫曼的创作才华在这里得到了淋漓尽致的展现，那种充满力量和史诗感的旋律，与贾格尔的演唱形成了鲜明的对比，却又异常和谐。
评价超级斩，其实是在评价一种“超越”。
超越了乐队成员各自的既有标签，超越了狭隘的音乐流派界限，超越了商业上的“安全牌”。他们更像是音乐界的一群“思想家”，用音乐来探索可能性，来挑战听众的耳朵，来创造一种“前所未有”的体验。
当然，这种“前所未有”也可能带来一些“非议”。 有些人可能会觉得他们的音乐过于“杂乱”，无法抓住一个清晰的主题；有些人可能会怀念成员们在各自组合中的经典风格，觉得超级斩的“实验”失去了原有的味道。
但正是这种“杂乱”和“实验”，才构成了超级斩的独特魅力。 他们不是为了迎合谁，也不是为了重复谁，他们只是在尽情地玩音乐，用他们最丰富、最自由的方式。
所以，如果让我评价超级斩乐队，我会说：
他们是一次大胆的、令人振奋的音乐冒险。他们将几位乐坛巨星的才华汇聚在一起，却并没有简单地叠加，而是进行了一场深刻的化学反应，催生出了独一无二的音乐火花。他们证明了，音乐的边界是可以不断被打破的，只要你有足够的勇气和想象力。他们就像是音乐世界里的“彩蛋”，给了我们一个意想不到的惊喜，一个值得反复品味和探索的宝藏。
他们不是那种让你听完立刻就能唱出副歌的乐队，但他们绝对能让你听完之后，重新思考音乐的可能性，重新审视那些你习以为常的音乐规则。这就是超级斩，一群敢于“斩”破一切、创造一切的音乐魔术师。
网友意见
被朋友圈轰炸式推荐，然后听了一耳朵。第一直觉就是，Babymetal，抄作业没抄好。这个抄作业没抄好是全面的，编曲、段落感、唱功、二次元主题。
最大的问题在于往一首歌里塞的东西太多了，想学宝贝儿金属内种在凶狠和可爱之间来回切换以获得高对比度的做法。但是由于编曲太贪，不但切换的非常频繁，而且“凶狠”和“可爱”的段落还各有变化。这样造成的结果就是：
听众找不到音乐的律动了。
这对以律动为根本的金属乐来说非常致命。你想象你是一名乐迷，台上的金属乐队刚刚从A段切到B段，B段正在Build up，感觉就要Breakdown了，于是你蓄势待发准备疯狂的Pogo一番……突然主唱歇逼了！歇逼了！！切到C段了！你心想算了后边肯定还有的，于是耐着性子等着C段抒情完。突然又开始Build up，你感觉就要射了，箭在弦上不得不发！卧槽又泻了！主唱开始装可爱！！这TM是什么鬼！摔！！！然后又经过D段E段F段，才迎来短暂的Breakdown，可是你已经萎了，再没有心情和力气和主唱一起达到高潮。
而Babymetal作为日本优秀的“商业音乐”，编曲极其优秀，不仅没有犯以上的错误，有时候还会把凶狠和可爱的语境融为一体，营造出“恐怖萝莉”的形象，进而做出非常干净利落的传统金属乐。这也是宝贝儿金属横扫世界各大音乐节，被主流金属舞台认可的原因：
但说话不能太刻薄，超级斩优点也突出：
鼓手基本功非常棒，双踩切分准确又利索。应该是老鼓手了；
女主唱年轻，范儿也不错。就是嘶吼真的要系统练习一下，因为第一她的音色真的很不纯很不到位很出戏，第二不经过科学系统训练的嘶吼是真的会造成声带的不可逆伤害的。年纪轻轻前途可期，这一点要注意。
在这儿附上嘶吼为啥要训练以及十种嘶吼的练习方式，希望小姑娘能看到吧：
视频原地址：
以上，视频也算是给初阶摇滚乐迷科普，我们真的不是在台上瞎喊（笑）
更新一下，有评论和答案说我没听过核的，我就笑了。这个问题昨天和评论区里边一小兄弟讨论的非常充分，索性我就更新到另一个怼恶臭乐迷的答案里了：
我的观点就是：所有基于器乐技法的微创新都不足以支撑起一个新的金属大类。
在我另一个回答里我和一个小孩儿讨论过这件事。在我认知范围内，你们所谓核的riff以及显著特点就是：
吉他贝斯压切分低鼓。
这从统计被标签成为核的乐队数量上，非常容易可以得出这个结论。比如你们公认的Lamb of God，这是我在一个回答里扒的《Redneck》的谱子，主歌部分有你们认为非常“核”的部分：
我给的是工程文件，想想你们也打不开，没关系我给你截图出来：
看最下一行底鼓：
一拍两个八分、一拍全十六分、一拍十六分休止+十六分+八分、最后回到全十六分继续循环。
在这个乐段里吉他和贝斯紧追底鼓，给听众一种重音错位的漂移感，这也就是你们“核狗”所用来标榜自己的“高级感”。实际在乐手看来，就是个普通的十六分音符切分技法。
例子不够？我再来个你们开山鼻祖Meshuggah的《Bleed》：
你们听着够晕吧？够逼格吧？其实就是很简单的四套三，重音部分使用两个三十二分音符替代一个十六分。在爵士鼓技巧里有专门的名词“Herta”：
这个东西在爵士鼓Fill和Solo里非常常见，只不过经常使用在手或者手脚并用的基础上。
类似这种带有倍数关系的时值转换和切分，一旦放到底鼓上，再压吉他和贝斯。就是你们所谓的“核”？
而且这个分类是06-08年的时候突然冒出来的，但实际上这种音乐技法存在已经很久很久很久了，我并没有从这个新分类里听到任何新东西。我就困惑了十多年，而且没有任何一个被贴上核标签的乐队管自己叫核的，这就很诡异了。所以我个人非常克制对这个所谓新分类名称的使用，一个金属风格完事，因为区区一个技法变换就是撑不起一个音乐风格的二级大类。
然后回到这个问题上，我个人认为这个乐队所接近的风格和感觉就是重型女团。核我都不承认，还电子核，这又是哪个墙角拿出来圈地自萌的玩意。底鼓压琴+8 bit音源就是电子核？这分类来的也太廉价了吧？
然后就拿风格出来说别人举例不对，拜托我就举个例子。我指出来超级斩分段落过多导致的风格撕裂+女主唱法问题，有什么错误吗？从其他听众的看法来看没错吧？要说你们“电子核”pogo不起来就是风格问题，可以啊，风格缺陷呗？那就站直了挨打。可我再一听你们说的“赌城”，很流畅的乐队，不卡不缺律动啊？再看下我上边儿的干货，就算你们所谓的“核”，鼓手也会加次声部（一般是China Symbol）来提醒观众律动的，而听众听不懂就真是编曲的锅了。
以上，乐队风格+作品评价这事儿就是撕逼重灾区。疯狂踩我答案没啥用，群众点赞的手是雪亮的，就你们这圈儿外没听过举例稍有偏差的都能让你们喷一脸唾沫星子，想出圈儿啊，难。这种行为和国内哪个圈子更接近，想，细想。
关评论，不再回复相关任何问题。
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