根据照片练习绘画怎么样？
为什么说照片是“绝佳钥匙”？
你想想，在我们刚开始拿起画笔的时候，眼前的一切都是模糊的、动态的。光线在变，景物在动，我们的大脑还没学会怎么高效地把这些信息转化为手上的线条和色彩。这时候，一张照片就像是定格了的瞬间，它给了你一个稳定、清晰的参照物。
稳定清晰的参照： 照片不会晃，色彩不会突然变暗或变亮。你可以在任何时候、任何角度去观察它，慢慢地理解光影是怎么落在物体上的，形状是怎么构成的。这就像是给初学游泳的人先在泳池边扶着学，而不是直接丢到大海里。
无限的灵感宝库： 网上、生活里，到处都是美妙的照片。风景、人像、静物、动物……你可以找到任何你想画的东西。而且，很多摄影师的作品本身就蕴含着很强的构图和光影意识，你临摹的过程，就是在学习他们的“视觉语言”。
学习结构和比例的利器： 很多时候，我们觉得画不好，是因为对物体的大小关系、长短比例把握不准。照片能非常直观地告诉你，脸部各个五官之间的距离是怎样的，一棵树的枝干是怎么分布的，一个器物的曲线是怎样的。
怎么“玩”照片来练习绘画？
这可不是简单地把照片复印下来，而是要动脑筋、动手做。
1. 从“临摹”开始，但别只是“复制”：
选择简单的开始： 别一开始就挑战那些人像特写或者复杂的风景。找一些轮廓清晰、光影不那么复杂的静物（比如一个苹果、一个杯子），或者线条简洁的风景（比如几棵树加一片天空）。
研究照片： 在动笔之前，先花点时间好好看看照片。
光从哪里来？ 找出最亮的地方（高光）和最暗的地方（阴影）。
形状是怎么构成的？ 尝试用简单的几何形状（圆形、方形、三角形）来概括物体。
色彩是怎么样的？ 即使是黑白照片，也能让你注意到灰度的变化。
下笔：
先定轮廓： 用轻柔的线条勾勒出物体的大致形状。
再画明暗： 找到最亮的点和最暗的点，然后根据光的方向，一点点地填充中间的灰度。你可以用不同的笔触（比如轻扫、点画）来表现不同的明暗层次。
关注细节： 随着你越来越熟练，可以开始关注纹理、细节，比如苹果表面的小斑点，或是树叶的边缘。
2. “解构”照片，理解“为什么”：
分解元素： 试着把一张复杂的照片分解成几个部分来画。比如，一张有山有水有树的照片，你可以先画山，再画水，最后画树。
研究透视： 照片里的景物都有透视感。画的时候，可以试着去找出消失点，理解近大远小的规律。
色彩分析（如果画彩图）： 观察照片里主要的颜色是什么，冷暖色调是怎样的。用你的颜料去尽量模仿这些颜色。
3. “改变”照片，发挥创造力：
只画局部： 有时候，一张照片的某个部分特别吸引你，比如一束光线，一朵花，一只眼睛。那就只画那一部分，把它放大，你可能会发现更多有趣的细节。
改变色彩： 试试把一张黑白照片变成彩色，或者把彩色照片的色调调整一下，比如变成暖色调或者冷色调。
改变构图： 试着把照片里的元素重新排列组合，看看会发生什么。
加入想象： 在临摹的基础上，加入一些你自己的想象。比如，画一个静物，你可以想象它旁边还放着什么。
一些小贴士，让你的练习更有成效：
打印出来： 有时候，直接在电脑屏幕上看照片画，会因为屏幕的光线而产生误差。把照片打印出来，拿到自然光下观察，效果会更好。
使用辅助线（初期）： 如果你觉得直接画比例很难，可以在照片上轻轻画一些辅助线，比如垂直线、水平线，或者将画面分成网格。然后把这些辅助线也画在你的画纸上，按着比例来画。
不同画材尝试： 照片练习不局限于某种画材。你可以用铅笔、钢笔、水彩、油画，每种材料都会给你带来不同的体验和学习点。
别怕“画不像”： 刚开始画不像太正常了！关键是过程中的学习。每次画完，都和照片比对一下，看看哪里可以改进。下一次再画类似的东西，就知道怎么做了。
记录你的过程： 可以拍下你画画的过程，或者写写心得。过一段时间回头看，你会发现自己的进步有多大。
总而言之，照片是绘画练习的“陪练”，它帮你打基础、启迪思路，更重要的是，它能让你在这个过程中感受到“看懂”世界，并尝试用自己的方式把它“复述”出来。别把它当成一个死的模板，而是把它看作一个活的老师，去互动，去学习，你会发现绘画的世界越来越有趣！
网友意见
为什么要在乎别人的想法？
自己画自己的管他什么事呢？
自己画的开心、学有进步就好呀，
也有些人画照片就是为爱发电，
你管人家怎么说呢
像韩国画师@lwbv2001 的这张：
其实也是有原型的~
你要是鄙视我
虽然你说的是想成为插画师，
但如果仅仅是根据照片练习绘画那肯定是不够的。
而且画照片其实也是比较传统的画法，想进游戏公司做插画师更需要提升的是板绘创作和设计能力，但前提是先把基本功学好，至少明确板绘入门需要学习哪些点，有明确的学习思路。
毕竟插画师真不是说随便画画就可以做，
而是需要你真正的、且认真的思考你要怎样去学，怎样去画。
年轻人试错不是不行，但即便是试错我们也应该找到更有效的学习方法。
所以从零基础入门看，新手应该怎样去学习板绘呢?
首先提升美术绘画基本功。
你想画任何原创的作品，都少不了基本功来支撑你实现想法和创意。
所说的基本功也是我们常说的美术基础，但这美术基础不局限于艺考阶段的三大块，速写、素描、色彩这些都需要学，但区别于这些，还有更深入，更全面的绘画基础知识点需要学。
下面就重点说一下板绘入门的问题，既然是零基础，那么自然得先从基础开始学习，步子大了容易扯到蛋，切忌跨阶段的学习！因为绘画创作所需的每一个基础知识点，都是环环相扣缺一不可的，
比如很多小白以为色彩就是色彩 ，和素描没关系。 其实关系大了，我们都是先学素描，再学色彩的嘛 。色彩是素描关系完整的情况下的一个延续，色彩的搭配好看 50%取决于素描关系 50%取决于我们主观的处理。
下面将会分几个部分详细说一下板绘入门必须要做的那些事！
如果你想事先了解绘画创作过程必学的知识点，了解绘画创作的具体流程步骤是怎样，
甚至想明确从零基础如何进阶到最终独立原创需要学习多久，那么我会建议你先看这里：
一：零基础学习板绘之工具篇：
主流的绘画工具包括数位板，数位屏，数位电脑。这其中数位板技术最为成熟，价格便宜，性价比较高，在这个领域WACOM品牌当之无愧的一家独大，压感技术上遥遥领先，板子的质量也十分耐操，如果不摔不用来垫桌角盖泡面，随便一块板子都能用上7、8年。当然国产的绘王、友基也做的非常不错，正因为有了这些国产品牌进入牌局，才迫使WACOM给中国市场特供了性价比极高的CTL-472和CTL-672。这里强烈推荐CTL-672,性价比之王，入门选手的不二之选。
数位屏依然是WACOM技术垄断领先优势一骑绝尘，与之对应的是他令人咂舌的售价，在2017年推出了全贴合的系列数位屏以后，压感笔尖和画迹距离缩短，误差减小，分辨率和压感都有提升，屏幕色域更加宽广，当然还有它不近人情的售价……最小的13寸：
最大的32寸居然高达三万四千八百元。
当真是居家旅行杀人越货之必备良药，不差钱的土豪可选择性入手，毕竟手眼合一所画即所得，十分酸爽。另外要强调一下，数位屏只是单独一块支持压感的屏幕而已，虽然长得像平板电脑，但它本身是没有电脑功能的，还需要连接电脑主机才能使用。
数位电脑顾名思义就是可以画画的电脑，这一块全世界所有的品牌做的都不够好，WACOM出的几款数位电脑价格离谱，电脑性能平庸，发热控制极差而且丑笨厚，十分不推荐。微软推出的苏菲婆系列漂亮有余但对绘画软件的支持非常不舒服，运行PS开稍大一点笔刷延迟感人，品控和售后更是不敢恭维，十分不推荐。
移动绘画设备里唯一一个能打的居然是苹果iPad Pro系列，品控好，刷新率高，屏幕素质强悍，轻巧易携带，待机时间相对而言也不错，是目前我能想到的唯一一款可以带出去写生的移动装备（苏菲婆绘画待机非常短）。但iPad也有非常大的缺陷，一是压感笔的体验还远远比不上WACOM，二是软件生态还比不上WIN系统的丰富和强大。
综上，目前来说绘画工具的组合如下：
1.台式机+数位板
2.笔记本+数位板
3.台式机主机+数位屏
4.笔记本+数位屏
5.数位电脑、微软苏菲婆系列
6.IPAD Pro系列+apple pencil
笔者强烈推荐1和3，到处跑的选手推荐2和4，6小而美但受制于生态和压感技术，还做不了生产力工具，可以作为工作产出之外的补充。
关于电脑的配置问题，一句话搞定：绘画对电脑配置整体要求不高，酷睿i5 8系列CPU以上，内存8G，最好16G，显卡可以不要（CPU自带集显），显示器色域SRGB95%以上就足够了。有游戏需求和3D制作需求的小伙伴这里不做讨论。
二：零基础学习板绘之软件篇：
1.PS：
PS是公认的最强大的图片编辑软件，正因为强大所以功能繁多导致过于臃肿，绘画者能用到的功能其实只占其功能中的很小一部分，优点是强大的变形工具，图层模式，曲线调整工具等等，当然缺点也很明显，首先是很多操作必须结合键盘快捷键使用，大量的操作离开键盘就需要进入进入再进入，对于数位屏患者实在不友好，软件门外汉学习成本较高；其次是更新到2019CC了，千呼万唤的抖动修正（防滑）依然十分难用，色彩融合依旧难受。他强悍的笔刷制作和普及型决定了大部分的绘画工作者都在PS的生态里，所以PS称为图像编辑或制作的必学软件。
2.SAI2：
注意，是SAI-2,在SAI的基础上完成了翻天覆地的变化，补齐了众多短板，也完美继承了前者的众多优点，线条防抖依然顺滑如丝，色彩融合依然自然感人，这才是一款专心为绘画人士设计的绘画类专用软件，敲一下重点，它是绘画类软件，而PS是图像编辑软件，PS这位老大哥只是在编辑图片的同时顺带做了一些绘画的功能，而SAI2才是专精于绘画的一款小而精的软件。
3.CSP：
国内代理名叫优动漫，是一款在漫画方面有着强大优势的绘画类软件，具有SAI的所有优点，又具备PS的部分功能，当然连PS臃肿的窗口也有一学一的照搬过来。它的3D辅助，素材库，修饰笔刷等等都能极大程度帮助漫画作者提高工作效率。这款软件的诞生真正说明了只有日本工程师才能做出真正为画师服务的软件，它才是漫画师和日风插画师的心中白月光，不二之选。
总结这三款软件：
PS擅长厚涂，表现厚重真实的质感和光影，或搭配强大的笔刷拓展模仿纸上或布面质感的绘画，曲线工具调整画面也十分好用，即使是以其他绘画软件作为主力工具，PS也需要作为成稿最后调整的辅助工具，必学指数十颗星。（微课菌主力工具）
SAI2的优势在于绘制赛璐璐的插画，线稿顺畅舒展，颜色清亮干净，SAI2本身就是一个清纯可爱的小姑娘。
CSP，不用说了，画漫画的选他准没错。
4.IPAD iOS系统上最好的两款APP：Procreate、Artstudio Pro
Procreate简单易学，版面简洁，对初学者来说十分友好，目前iPad上最好用的APP之一，微课菌认识的朋友圈用IPAD的基本默认用这款软件。最大的问题在于它无法导入第三方笔刷，所以对习惯于PS和SAI的老鸟必然会有点力不从心俗称不举的懊恼在心中翻腾。
Artstudio Pro是目前IPAD上最接近PS的软件，从版面设计和功能布局都非常相似，甚至可以直接将PS笔刷和画笔预设直接导入到APP里，默认分组十分酸爽。这货就连防抖都完美继承了PS的鸡肋不可用，不过它的变形工具还没做到PS那样充满想象力，大笔刷的延迟感居然要好于PS，如果不是全英文，这货毫无疑问是目前IPAD上最好的APP，没有之一。据说马上Artstudio Pro要推出汉化版本，Procreate已经哭晕在厕所，据说满血无阉割版PS也要登录IPAD，IPAD上所有的绘画APP一起哭晕在厕所。
三：零基础学习板绘之技能篇：
绘画学习必然是一个循序渐进的过程，如同舞蹈一样先从基础学习，舞蹈最初需要长期的下腰、压腿、旋转，等到韧带肌肉都能够承受足够的拉伸，小脑不会再旋转的时候失去平衡，这才开始学习舞蹈动作。
所以同样结合前面说的，想学好绘画这个技能，想从零基础进阶到创作阶段，如果你喜欢d的是的是插画，是动漫插画风格还是古风插画，又或是日系厚涂，那么必学的2个阶段是“造型基础+设计基础”：
而绘画的基础就是造型，而造型的基础训练方法就是素描！
素描对于结构的分析和判断又建立在透视之上，所以第一步：透视。
透视是指在平面或曲面上描绘物体的空间关系的方法或技术 ，在绘画的基础学习中最常用到的是一点透视、两点透视和三点透视，有些大佬会搞一下炫技的鱼眼透视，对于这种人我已经无力唱征服。
在上手透视以后就需要开始枯燥无聊但能够决定你绘画职业上限的素描训练了。
几何素描先画个20组吧。
静物素描再画个20组吧。
石膏雕像再画个20组吧。
事实上想要更好的学习绘画，这样的素描训练量是远远不够的，至少应该在20组后面再加一个零，或者总训练量2000小时以上。在轻微课的课程设计中，我们在第二阶段重点的强调了素描的训练和对于绘画学习的重要性，并在之后的五个学习阶段中不断的加深巩固素描的观察和分析方法，并引导学员自觉的以素描思维去看待眼前的所有人和物体。
微课君过去也有过好些年的自学经历，学习方法简单粗暴，就是看见喜欢的漫画和插画作品就开始无脑的临摹，在很多旁人的夸奖中渐渐有了“我很有天赋”的错觉，事实上无脑的临摹是完全无益的学习方法，只有学好素描才能正确的建立分析比例，观察、推导结构的技能，从而在面对临摹对象时能够更深刻感受到原画师的创作思路和意图以及技术手法。
之后在微课君开始系统学习素描以后，所取得的进步比之自学5、6年进步还要大得多。
再然后就是漫画从业者必学的——线稿。
线稿是相对直观和快速表现绘画对象的手段，好的线稿能完整的表述形象、气质、材质、厚度等等，一个完善且功底深厚的线稿本身就是一个艺术品。在各个绘画风格中线稿作为前期草图构成起着非常重要的作用，尤以平涂见长的日系动漫插画，一个高完成度的线稿已经是成功的一大半。
来一组轻微课学员的日系插画创作，根据图来说：
从这些图可以清楚的看到线稿决定了结构和大型已经构图，线稿也明确了色块的边缘和变化起始，就像将一个豆腐分割开来，先赋予它整体的状态，然后再各个击破逐步加工，有序且高效。
接下来就是插画学习的超重点——人体。
人体的核心在于骨骼结构动态和比例的学习，再然后是肌肉的穿插。有一些绘画类别不需要像人体解剖那样严谨，以日韩动漫插画为例，知晓基本比例和结构即可，所以很多人体学习教程都会将重点放在“画豆子”或者“火柴人”——
什么三庭五眼，什么手肘到脐这种比例关系这里就不细说了。
基础阶段最后一个难咬的骨头就是颜色了。
这一块也是自学容易遇到瓶颈的地方，甚至现在的反侵权小斗士们连吸色都叫嚷着“你抄袭”，颜色真的决定了你作品的辨识度和丰富度，所以色和光的关系必须要吃透，不然也不用说什么商稿或者专职插画了，就连漫画可能也只能做做低端的描线工作。
颜色的把握需要建立在前面素描的学习上，光不但会随着照度的强弱而变化，色温也会随光源的远近、强弱而偏移，绘画对象本身颜色和材质的反光度的视觉投射等……这是一个既存在客观规律又存在主观感受的神奇空间，有着无可名状的无限可能，是反复试验和无数次的更正修改之后的积累。
基础部分的学习完成后就可以开始进阶设计基础的学习了，这个时候需要我们开始初探设计的内涵，譬如服装设计，发型设计，光影设计，画面构图设计还有背景的选择等等。
我们绘画的任何东西都需要赋予她文化内涵，而内涵决定了她的生命和感染力，日式的插画我们要给她一个合理的背景，她的年龄，她的职业，她的性格，她此时此刻经历了什么，很多时候我们都可以从她的外部形象从而获取基本信息，这就是背景和文化内涵的意义。
譬如笔者最喜欢的俊西大神，他近来创作的《Ghost》系列就完整的统一在一个故事背景下，虽然这个插画合集并没有文字，但我们依然能从画中角色的造型气质加上背景配角的引导从而感受到镜头语言和故事方向，这就是设计和元素内涵的重要性。
最后微课君推荐临摹学习，然后转向半临摹的训练，最后开启元素提炼和参考的原创训练。
到这里切忌不能无脑临摹哦，要结合前面所学的所有知识点综合观察分析临摹对象，甚至很多时候看的是要多于画的时间，这样才能明确临摹的目的——形成记忆，而不是单纯的复制原作。
总结：
1.分步学习，由易到难，不要跨阶段学习。
2.海量训练，不断的画，尽可能把自己所有零散时间利用起来，1000小时为一个阶段，完成一个阶段不妨回头看看自己的进步，并为自己鼓鼓掌。
3.素描虽然枯燥，但学好素描能帮助你产生难以置信的进步，且真正决定你作品能够走多远产生多大影响力。
4.不要觉得大神是靠天赋，没有人躺着就能变成大神。
5.参考不是抄袭，不要用投机取巧的办法产出，无法产生进步还得不偿失。
相信说了这么多，题主肯定短时间内无法消化看完，那么建议题主收藏之后严格要求自己，一步步执行，一步步提升，切不可急躁，学绘画，心态也是超级重要的！
其实严格来说，如果你直接按照以上说的点去做练习，去搜索教程方法自学也不是不可以，就是比较费事，自学不是说知道练什么就真的以为自己能练准了，很多人零基础阶段其实很难看出自己到底存在哪些问题，练习是否真正掌握。
那么按照以上所说的点去练，大方向偏差不会很多，更多是靠自己去领悟发现问题，解决问题。
但如果你想省事一点，可以直接从零规划，让人直接帮你把每一个详细的步骤安排规划好，每天练什么，练几组，练多久，什么时候才能做原创，遇到问题有没有人专人替你解决问题、、、
想省事的同学，我会建议你直接看这个学习计划，绝对全方位为你安排好整个学习绘画的计划安排，所以强烈推荐，最详细的绘画学习指引路线↓↓↓
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