学美术怎么记人体结构？
学美术画人体，记住结构可不是一件一蹴而就的事儿，它需要耐心、细致地观察和大量的练习。与其说是“记”，不如说是“理解”和“感受”。我给你好好掰扯掰扯，希望能帮你找到画好人体的门道。
第一步：从最基础的骨架开始，建立立体感知
别一上来就画肌肉线条，那太虚了。人体最根本的是骨骼，它是支撑所有肌肉和皮肤的框架。
1. 了解核心骨架： 先从几个关键的骨头入手。
头骨： 不是画个球，而是要了解它的基本形状，比如额骨、颧骨、下颌骨的大致走向。可以找一些简化的头骨图来练习。
脊柱： 看它不是一条直的棍子，而是有S形曲线的。从颈椎到尾椎，理解它们是怎么连接在一起，形成脊柱的整体运动性的。
骨盆： 这个很重要！骨盆是连接上半身和下半身的关键，它的形状决定了人体的稳定性和髋部动作的幅度。把它想象成一个碗，或者一个盆，它的倾斜角度会很大程度上影响身体的姿态。
胸廓： 肋骨构成了一个笼子，保护内脏，也提供了肩膀和手臂活动的起点。
四肢骨骼： 锁骨、肩胛骨、肱骨、桡骨、尺骨、髋骨、股骨、胫骨、腓骨。重点理解它们之间的连接处（关节）是如何运动的。比如，肩关节是球窝关节，活动范围最大；肘关节是铰链关节，只能弯曲伸直。
2. 骨架的简化与几何化： 别被复杂的骨骼名称吓住。在绘画时，我们常常会把骨骼简化成几何体。
头可以看作是球体或椭球体。
胸廓是圆柱体或类似箱子的形状。
骨盆可以简化成一个翻过来的碗或梯形。
四肢的骨头可以看作是圆柱或长方体。
关节处用球体来连接。
3. 练习画骨架模型： 找一些骨架的正面、侧面、背面图来练习。尝试只画出骨架的轮廓，体会身体的比例和结构。多画，熟能生巧，你会慢慢形成对人体基本结构的肌肉记忆。
第二步：理解肌肉的走向和体积，让骨架“活”起来
骨架是框架，肌肉是“肉”，是让身体有体积感和力量感的关键。
1. 从大块肌肉开始： 别被密密麻麻的肌肉名称和纹理搞晕。先抓住几块主要的、起重要作用的肌肉。
上半身： 胸大肌、三角肌（肩膀）、斜方肌（脖子和肩膀）、背阔肌、腹直肌（“八块腹肌”），还有胸锁乳突肌（脖子侧面那个突起）。
下半身： 臀大肌、股四头肌（大腿前侧）、股二头肌（大腿后侧）、小腿肌肉（腓肠肌）。
2. 肌肉的连接和拉伸： 肌肉不是孤立存在的，它们是互相连接、互相拉扯的。理解这一点非常重要。
当一个肌肉收缩时，它会变短变鼓；当它放松时，它会变长变平。
画肌肉时，要考虑它们是附着在骨骼上的，所以它们的形态会受到骨骼走向的影响。
肌肉的“走向”和“肌纤维方向”很重要，这决定了你在勾勒肌肉线条时的流畅性和方向性。
3. 肌肉的体积感处理： 肌肉是有体积的，就像肌肉块一样。你可以把它们想象成椭球体、圆柱体或者更复杂的块面。
在骨架的基础上，用肌肉的体积去填充。比如，在胸廓上画出胸大肌的体积，在腿骨上画出股四头肌的体积。
光影是体现肌肉体积感的最好方式。理解光线从哪个方向来，哪些肌肉是凸起的受光面，哪些是凹陷的背光面，从而画出明暗关系。
4. 练习画肌肉模型： 找一些肌肉解剖图，或者写实的肌肉人体模型图来练习。一开始可以简化，只画出主要肌肉块的轮廓，然后慢慢增加细节。试着画同一个姿势的不同肌肉状态（收缩和放松）。
第三步：皮肤和褶皱，赋予生命力与真实感
骨架和肌肉是基础，但最终呈现在我们眼前的是皮肤。
1. 皮肤的包裹性： 皮肤是包裹在肌肉和骨骼外面的，所以皮肤的形状和走向必然会受到下面结构的影响。
在骨骼突出或者肌肉块边缘的地方，皮肤会随着结构产生起伏。
在关节处，皮肤会因为屈伸而产生褶皱。
2. 褶皱的规律性： 褶皱不是乱画的，它们有自己的规律。
受力产生的褶皱： 比如，身体弯曲时，皮肤会被挤压，在受压的内侧会产生密集的褶皱。
牵拉产生的褶皱： 比如，肌肉收缩时，皮肤会被拉扯，在周围可能会产生一些放射状的褶皱。
关节处的褶皱： 肘关节、膝关节、手指关节等，在弯曲时会产生明显的皮肤堆积和褶皱。
重心和张力的褶皱： 衣服上的褶皱也是如此，要考虑衣服的材质、重力以及人物的动作带来的张力。
3. 学会观察生活中的人体： 多看、多观察真实的人体，包括运动中的身体、静止的身体、不同胖瘦的人体。注意他们皮肤的纹理、褶皱以及骨骼在皮肤下的轮廓。
第四步：比例与透视，让你的画有空间感和逻辑性
人体结构再好，没有正确的比例和透视，也无法成为一个真实可信的形象。
1. 人体基本比例： 了解黄金比例和常见比例的参考。比如，一般人是八个头高，肩宽是两个头宽，腰高大概是三个头高等等。但记住，这些只是参考，人体本身就存在差异。更重要的是理解比例之间的相对关系。
2. 透视的基本原理： 人体是三维的物体，在二维平面上表现出来，必须遵循透视规律。
近大远小： 离你近的部分画得大，离你远的部分画得小。
消失点： 理解不同视点下，人体各个部分的变形。比如，仰视时，脚会显得更大，头会显得更小；俯视时，头会显得更大，脚会显得更小。
形体穿插： 当人体不同部分相互遮挡时，要注意它们之间的遮挡关系，以及由此产生的透视变形。
第五步：从简到繁，循序渐进的练习方法
1. 从临摹开始： 找一些高质量的人体骨骼、肌肉、速写、写生作品来临摹。不要只追求形似，要理解临摹对象的结构和逻辑。
骨架临摹： 先临摹纯骨架图，体会骨骼连接和比例。
肌肉临摹： 在理解骨架的基础上，临摹带肌肉的人体图，理解肌肉的体积和走向。
速写： 这是锻炼整体结构感和动态感最有效的方法。每天坚持画速写，无论是真人、照片还是雕塑。注重捕捉人体的动态线条、比例和主要结构块。
写生： 条件允许的话，一定要多写生。真实的人体是最好的老师。从站姿、坐姿开始，慢慢挑战更复杂的动态。
2. 分部练习： 如果觉得整体太难，可以分部练习。比如，专门练习画手、脚、头部等结构复杂但又很重要的部位。
3. 使用辅助工具：
骨骼模型/肌肉模型： 如果有条件，买个素描人体模型或者肌肉模型，可以帮你从各个角度观察结构。
解剖书籍： 找一本专业的人体解剖学图谱，里面的图示非常清晰地展示了骨骼、肌肉的层次和连接。
3D人体模型软件/APP： 现在有很多手机APP和电脑软件，可以自由调整姿势、角度、打光，非常适合我们练习和观察。
4. 带着思考去画： 每一笔下去，都要问自己：我在画什么？这个结构在这里为什么是这样的？它和旁边的结构有什么关系？是收缩还是拉伸？光线打在这里是什么样的？
最后的碎碎念：
耐心和坚持是王道。 学人体不是几天就能掌握的，这是一个长期积累的过程。不要因为一开始画不好就气馁，每个人都是这样过来的。
热爱观察。 培养敏锐的观察力，生活中的每个人都是你的学习对象。留意他们身体的姿态、骨骼的起伏、肌肉的轮廓。
不要害怕犯错。 画画就是一个不断试错和修正的过程。每一次的“画不像”都是在告诉你，哪里还没有理解对，下次可以改进。
学画人体，就像在雕刻一个内在的“骨架肌理地图”。你越是深入地理解和感受它，你画出来的身体就会越有生命力、越有质感。加油！
第一步：从最基础的骨架开始，建立立体感知
别一上来就画肌肉线条，那太虚了。人体最根本的是骨骼，它是支撑所有肌肉和皮肤的框架。
1. 了解核心骨架： 先从几个关键的骨头入手。
头骨： 不是画个球，而是要了解它的基本形状，比如额骨、颧骨、下颌骨的大致走向。可以找一些简化的头骨图来练习。
脊柱： 看它不是一条直的棍子，而是有S形曲线的。从颈椎到尾椎，理解它们是怎么连接在一起，形成脊柱的整体运动性的。
骨盆： 这个很重要！骨盆是连接上半身和下半身的关键，它的形状决定了人体的稳定性和髋部动作的幅度。把它想象成一个碗，或者一个盆，它的倾斜角度会很大程度上影响身体的姿态。
胸廓： 肋骨构成了一个笼子，保护内脏，也提供了肩膀和手臂活动的起点。
四肢骨骼： 锁骨、肩胛骨、肱骨、桡骨、尺骨、髋骨、股骨、胫骨、腓骨。重点理解它们之间的连接处（关节）是如何运动的。比如，肩关节是球窝关节，活动范围最大；肘关节是铰链关节，只能弯曲伸直。
2. 骨架的简化与几何化： 别被复杂的骨骼名称吓住。在绘画时，我们常常会把骨骼简化成几何体。
头可以看作是球体或椭球体。
胸廓是圆柱体或类似箱子的形状。
骨盆可以简化成一个翻过来的碗或梯形。
四肢的骨头可以看作是圆柱或长方体。
关节处用球体来连接。
3. 练习画骨架模型： 找一些骨架的正面、侧面、背面图来练习。尝试只画出骨架的轮廓，体会身体的比例和结构。多画，熟能生巧，你会慢慢形成对人体基本结构的肌肉记忆。
第二步：理解肌肉的走向和体积，让骨架“活”起来
骨架是框架，肌肉是“肉”，是让身体有体积感和力量感的关键。
1. 从大块肌肉开始： 别被密密麻麻的肌肉名称和纹理搞晕。先抓住几块主要的、起重要作用的肌肉。
上半身： 胸大肌、三角肌（肩膀）、斜方肌（脖子和肩膀）、背阔肌、腹直肌（“八块腹肌”），还有胸锁乳突肌（脖子侧面那个突起）。
下半身： 臀大肌、股四头肌（大腿前侧）、股二头肌（大腿后侧）、小腿肌肉（腓肠肌）。
2. 肌肉的连接和拉伸： 肌肉不是孤立存在的，它们是互相连接、互相拉扯的。理解这一点非常重要。
当一个肌肉收缩时，它会变短变鼓；当它放松时，它会变长变平。
画肌肉时，要考虑它们是附着在骨骼上的，所以它们的形态会受到骨骼走向的影响。
肌肉的“走向”和“肌纤维方向”很重要，这决定了你在勾勒肌肉线条时的流畅性和方向性。
3. 肌肉的体积感处理： 肌肉是有体积的，就像肌肉块一样。你可以把它们想象成椭球体、圆柱体或者更复杂的块面。
在骨架的基础上，用肌肉的体积去填充。比如，在胸廓上画出胸大肌的体积，在腿骨上画出股四头肌的体积。
光影是体现肌肉体积感的最好方式。理解光线从哪个方向来，哪些肌肉是凸起的受光面，哪些是凹陷的背光面，从而画出明暗关系。
4. 练习画肌肉模型： 找一些肌肉解剖图，或者写实的肌肉人体模型图来练习。一开始可以简化，只画出主要肌肉块的轮廓，然后慢慢增加细节。试着画同一个姿势的不同肌肉状态（收缩和放松）。
第三步：皮肤和褶皱，赋予生命力与真实感
骨架和肌肉是基础，但最终呈现在我们眼前的是皮肤。
1. 皮肤的包裹性： 皮肤是包裹在肌肉和骨骼外面的，所以皮肤的形状和走向必然会受到下面结构的影响。
在骨骼突出或者肌肉块边缘的地方，皮肤会随着结构产生起伏。
在关节处，皮肤会因为屈伸而产生褶皱。
2. 褶皱的规律性： 褶皱不是乱画的，它们有自己的规律。
受力产生的褶皱： 比如，身体弯曲时，皮肤会被挤压，在受压的内侧会产生密集的褶皱。
牵拉产生的褶皱： 比如，肌肉收缩时，皮肤会被拉扯，在周围可能会产生一些放射状的褶皱。
关节处的褶皱： 肘关节、膝关节、手指关节等，在弯曲时会产生明显的皮肤堆积和褶皱。
重心和张力的褶皱： 衣服上的褶皱也是如此，要考虑衣服的材质、重力以及人物的动作带来的张力。
3. 学会观察生活中的人体： 多看、多观察真实的人体，包括运动中的身体、静止的身体、不同胖瘦的人体。注意他们皮肤的纹理、褶皱以及骨骼在皮肤下的轮廓。
第四步：比例与透视，让你的画有空间感和逻辑性
人体结构再好，没有正确的比例和透视，也无法成为一个真实可信的形象。
1. 人体基本比例： 了解黄金比例和常见比例的参考。比如，一般人是八个头高，肩宽是两个头宽，腰高大概是三个头高等等。但记住，这些只是参考，人体本身就存在差异。更重要的是理解比例之间的相对关系。
2. 透视的基本原理： 人体是三维的物体，在二维平面上表现出来，必须遵循透视规律。
近大远小： 离你近的部分画得大，离你远的部分画得小。
消失点： 理解不同视点下，人体各个部分的变形。比如，仰视时，脚会显得更大，头会显得更小；俯视时，头会显得更大，脚会显得更小。
形体穿插： 当人体不同部分相互遮挡时，要注意它们之间的遮挡关系，以及由此产生的透视变形。
第五步：从简到繁，循序渐进的练习方法
1. 从临摹开始： 找一些高质量的人体骨骼、肌肉、速写、写生作品来临摹。不要只追求形似，要理解临摹对象的结构和逻辑。
骨架临摹： 先临摹纯骨架图，体会骨骼连接和比例。
肌肉临摹： 在理解骨架的基础上，临摹带肌肉的人体图，理解肌肉的体积和走向。
速写： 这是锻炼整体结构感和动态感最有效的方法。每天坚持画速写，无论是真人、照片还是雕塑。注重捕捉人体的动态线条、比例和主要结构块。
写生： 条件允许的话，一定要多写生。真实的人体是最好的老师。从站姿、坐姿开始，慢慢挑战更复杂的动态。
2. 分部练习： 如果觉得整体太难，可以分部练习。比如，专门练习画手、脚、头部等结构复杂但又很重要的部位。
3. 使用辅助工具：
骨骼模型/肌肉模型： 如果有条件，买个素描人体模型或者肌肉模型，可以帮你从各个角度观察结构。
解剖书籍： 找一本专业的人体解剖学图谱，里面的图示非常清晰地展示了骨骼、肌肉的层次和连接。
3D人体模型软件/APP： 现在有很多手机APP和电脑软件，可以自由调整姿势、角度、打光，非常适合我们练习和观察。
4. 带着思考去画： 每一笔下去，都要问自己：我在画什么？这个结构在这里为什么是这样的？它和旁边的结构有什么关系？是收缩还是拉伸？光线打在这里是什么样的？
最后的碎碎念：
耐心和坚持是王道。 学人体不是几天就能掌握的，这是一个长期积累的过程。不要因为一开始画不好就气馁，每个人都是这样过来的。
热爱观察。 培养敏锐的观察力，生活中的每个人都是你的学习对象。留意他们身体的姿态、骨骼的起伏、肌肉的轮廓。
不要害怕犯错。 画画就是一个不断试错和修正的过程。每一次的“画不像”都是在告诉你，哪里还没有理解对，下次可以改进。
学画人体，就像在雕刻一个内在的“骨架肌理地图”。你越是深入地理解和感受它，你画出来的身体就会越有生命力、越有质感。加油！
网友意见
用最基本的几何体去概括，把复杂的东西简单化。伯里曼等人的书核心就是在告诉你这些东西。结构和细节具体刻画的时候可以找资料，比例、重心与韵律等等都同样重要，需要大量时间去练习。事实上，如果你没掌握简化形体的技能无论画什么都会举步维艰。
附上一些迈克尔汉普顿的手稿，可以看一看大师是怎么概括人体的。
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