《攻壳机动队》是如何拥有这种风格的？
《攻壳机动队》独树一帜的风格，绝非一蹴而就，而是融合了多重元素的精心雕琢。要深入探讨它的形成，我们不妨从几个关键维度细细剖析。
首先，从视觉语言来看，《攻壳机动队》在当时可谓是革命性的。它并非简单地套用日本动画的惯有模式，而是大量借鉴了西方赛博朋克文化中的视觉元素。新港市的摩天大楼、空中通道、霓虹灯招牌，以及那种潮湿、阴暗、充满科技感却又带着一丝颓败感的都市景观，无一不散发着浓郁的赛博朋克气息。这股风潮在上世纪八九十年代正是蓬勃发展，而押井守导演及其团队则将其巧妙地融入动画创作中，创造了一个令人信服的未来世界。
更重要的是，《攻壳机动队》在画面表现上追求一种写实和精致。它没有过度依赖夸张的动画表现手法，而是通过细腻的笔触和写实的构图，营造出一种沉浸式的观感。人物的动作设计流畅而真实，甚至一些细微的表情变化都处理得恰到好处。特别是对于高科技武器、车辆以及网络空间的描绘，都力求逼真，带给观众一种强烈的“未来即现实”的错觉。例如，巴特在网络空间中以子弹射击敌人的场景，虽然是超现实的设定，但其视觉呈现却异常扎实，充满了力量感和冲击力。
其次，叙事结构和哲学深度是构成《攻壳机动队》风格的另一个核心。影片并非简单的警匪片或者动作片，它包裹着一层深邃的哲学思考。关于“自我”的定义，关于意识是否能够脱离肉体存在，关于人类与机器界限的模糊，这些议题贯穿始终，并以一种极为自然的方式融入到故事之中。押井守擅长运用对话和场景来传达这些复杂的思想，他并不回避观众可能无法立即理解的抽象概念，反而鼓励观众在观影过程中进行思考。
这种哲学化的叙事并非空洞的理论堆砌，而是与人物的命运紧密相连。草薙素子的困惑、她对自身存在的追问，都是影片哲学主题的具象化。她通过不断的行动和对世界的探索，试图找到自己是谁，以及在信息爆炸、身体可以随意改造的未来，“人”的意义究竟是什么。这种对个体存在的深刻挖掘，让影片超越了单纯的娱乐属性，拥有了探讨人性的普适价值。
再者，声音设计和配乐为影片的风格加持了不可或缺的一笔。在视觉效果已经足够出色的基础上，《攻壳机动队》在声音方面同样毫不妥协。川井宪次创作的配乐，尤其是那些带有浓厚东方神秘主义色彩的旋律，与影片的赛博朋克背景产生了奇妙的化学反应。它既能烘托出宏大的场面，又能营造出紧张的氛围，更能传达出一种飘渺、难以捉摸的情绪。那些人声吟唱、鼓点和电子音效的融合，仿佛在低语着未来世界的秘密和人心的迷失。
声音效果的运用也极为讲究，无论是街头的嘈杂声、电子设备的运行声，还是激烈的枪战场面，都力求逼真而富有层次感。这些声音元素共同构建了一个立体而生动的未来都市，让观众能够身临其境地感受到那个世界的脉搏。
最后，我们不能忽略的是文化背景和时代精神。影片诞生于日本经济泡沫破裂前后，那个时期，日本社会正经历着深刻的社会变革和对未来的迷茫。科技的飞速发展带来了便利，但同时也引发了对人类生存状态的担忧。这种时代背景下的焦虑和对未来的探索，恰恰在《攻壳机动队》中得到了淋漓尽致的体现。影片对信息过载、身份认同危机、以及技术对人类社会的冲击的描绘，都与当时的社会情绪产生了强烈的共鸣。
总而言之，《攻壳机动队》的风格是多种元素协同作用的结果。它借鉴了西方赛博朋克的视觉美学，以写实而精致的动画技法构建了一个令人信服的未来世界；它以深邃的哲学思考探讨了“自我”与“存在”等宏大命题，并将其巧妙地融入到引人入胜的故事中；它通过出色的声音设计和极具感染力的配乐，进一步深化了影片的氛围和情感；而这一切，又深深植根于其创作时代的社会文化背景之中。正是这些相互交织、相得益彰的因素，共同铸就了《攻壳机动队》那独一无二、经久不衰的艺术风格。
首先，从视觉语言来看，《攻壳机动队》在当时可谓是革命性的。它并非简单地套用日本动画的惯有模式，而是大量借鉴了西方赛博朋克文化中的视觉元素。新港市的摩天大楼、空中通道、霓虹灯招牌，以及那种潮湿、阴暗、充满科技感却又带着一丝颓败感的都市景观，无一不散发着浓郁的赛博朋克气息。这股风潮在上世纪八九十年代正是蓬勃发展，而押井守导演及其团队则将其巧妙地融入动画创作中，创造了一个令人信服的未来世界。
更重要的是，《攻壳机动队》在画面表现上追求一种写实和精致。它没有过度依赖夸张的动画表现手法，而是通过细腻的笔触和写实的构图，营造出一种沉浸式的观感。人物的动作设计流畅而真实，甚至一些细微的表情变化都处理得恰到好处。特别是对于高科技武器、车辆以及网络空间的描绘，都力求逼真，带给观众一种强烈的“未来即现实”的错觉。例如，巴特在网络空间中以子弹射击敌人的场景，虽然是超现实的设定，但其视觉呈现却异常扎实，充满了力量感和冲击力。
其次，叙事结构和哲学深度是构成《攻壳机动队》风格的另一个核心。影片并非简单的警匪片或者动作片，它包裹着一层深邃的哲学思考。关于“自我”的定义，关于意识是否能够脱离肉体存在，关于人类与机器界限的模糊，这些议题贯穿始终，并以一种极为自然的方式融入到故事之中。押井守擅长运用对话和场景来传达这些复杂的思想，他并不回避观众可能无法立即理解的抽象概念，反而鼓励观众在观影过程中进行思考。
这种哲学化的叙事并非空洞的理论堆砌，而是与人物的命运紧密相连。草薙素子的困惑、她对自身存在的追问，都是影片哲学主题的具象化。她通过不断的行动和对世界的探索，试图找到自己是谁，以及在信息爆炸、身体可以随意改造的未来，“人”的意义究竟是什么。这种对个体存在的深刻挖掘，让影片超越了单纯的娱乐属性，拥有了探讨人性的普适价值。
再者，声音设计和配乐为影片的风格加持了不可或缺的一笔。在视觉效果已经足够出色的基础上，《攻壳机动队》在声音方面同样毫不妥协。川井宪次创作的配乐，尤其是那些带有浓厚东方神秘主义色彩的旋律，与影片的赛博朋克背景产生了奇妙的化学反应。它既能烘托出宏大的场面，又能营造出紧张的氛围，更能传达出一种飘渺、难以捉摸的情绪。那些人声吟唱、鼓点和电子音效的融合，仿佛在低语着未来世界的秘密和人心的迷失。
声音效果的运用也极为讲究，无论是街头的嘈杂声、电子设备的运行声，还是激烈的枪战场面，都力求逼真而富有层次感。这些声音元素共同构建了一个立体而生动的未来都市，让观众能够身临其境地感受到那个世界的脉搏。
最后，我们不能忽略的是文化背景和时代精神。影片诞生于日本经济泡沫破裂前后，那个时期，日本社会正经历着深刻的社会变革和对未来的迷茫。科技的飞速发展带来了便利，但同时也引发了对人类生存状态的担忧。这种时代背景下的焦虑和对未来的探索，恰恰在《攻壳机动队》中得到了淋漓尽致的体现。影片对信息过载、身份认同危机、以及技术对人类社会的冲击的描绘，都与当时的社会情绪产生了强烈的共鸣。
总而言之，《攻壳机动队》的风格是多种元素协同作用的结果。它借鉴了西方赛博朋克的视觉美学，以写实而精致的动画技法构建了一个令人信服的未来世界；它以深邃的哲学思考探讨了“自我”与“存在”等宏大命题，并将其巧妙地融入到引人入胜的故事中；它通过出色的声音设计和极具感染力的配乐，进一步深化了影片的氛围和情感；而这一切，又深深植根于其创作时代的社会文化背景之中。正是这些相互交织、相得益彰的因素，共同铸就了《攻壳机动队》那独一无二、经久不衰的艺术风格。
网友意见
《攻壳机动队》在日本公映时，虽然正赶上泡沫经济崩溃后的萧条，但因为在世界半导体排名中日本企业名列前茅，I-mode也横空出世，日本至少维持住了科技大国的形象。押井守所思考的，就是当时日本这种时代感。他认为，整个20世纪就是一座意识形态的实验场，只是各方都失败了。那么在20世纪结束后，究竟是什么会引领人类人会的革新与进步呢？押井守给出的答案是科技，在他看来，科技会会直接从物理层面改变人类。在使用过MS-DOS操作系统后，他意识到电脑其实是一种外部记忆装置，能够实现能力的扩张。但光靠自己并不能完全运作，需要维护和升级。因此《攻壳机动队》的重点落在了Cyborg而不是AI身上。
被浪漫主义支配的好莱坞世界会在AI或机械之上寄托人类的情感，押井守却并不这样想，在他眼中，AI始终是人类的对立物。他并不处于人类的延长线上，而是一种后人类。或者说，不仅是押井守，在整个日本的文化语境中，人类都不是处于生态圈最上位的生物。人类，容器、植物都拥有着属于自己的ghost。
这种思维框架是押井守在进行创作时首先考虑的内容，即使得出的结论只是”预感“”妄想“也罢，之后便是观众要思考的内容了。一旦得出了具体的结论，那么电影就画上了句号，暧昧的结局则余韵悠长。当然，在暧昧中也要包含真实性和说服力。比如在《攻壳机动队》中，人类和机械是通过电线以物理的方式连接在一起的，在脖子上插管这事儿确实很好理解。即使在无限网络已经十分普及的现在，押井守说要是再做《攻壳》的话，他依然会选择用线缆连接的方式，稍微懂点儿计算机知识的人都会懂，有线连接不容易被杂音所干扰。
对押井守来说，iphone之类的产品虽然能够作为唤起妄想的道具，但真是一点儿让人想用的意思都没有。他对待互联网的态度也是如此，对于现实生活中的事物，押井守总是兴趣缺缺，因此，他也没想过要制作日常向的作品，如果不从日常中跳脱出来，押井守就无法产生创作的动机。他说自己对人没啥兴趣，就连人生也包含在内，虽说人类整体的命运与存亡是极具吸引力的话题，但一般人的内心戏还是算了。在SF作品中有那种文艺向的类型，押井守看到这一类作品脑袋里就只有一个想法：那还看啥SF啊，直接看文艺作品不就行了么。从《圣经》中延续下来的男女关系、家庭斗争等主题，真是越琢磨越搞不懂。
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