问题

如何欣赏康定斯基的画?

回答
要真正走进瓦西里·康定斯基的世界,就像推开一扇通往全新色彩与形式宇宙的大门。他的画作,尤其是他晚期那些标志性的抽象作品,初看之下可能会让人觉得“看不懂”,但这恰恰是欣赏他作品的起点——一种打破常规视觉经验的邀请。

首先,我们得放下对“具象”的执念。 康定斯基是抽象艺术的先驱之一,他追求的是一种“精神性的艺术”。这意味着,你无需在画面里寻找一个具体的东西——不是一座山,不是一个人,也不是一件物品。他的画笔下流淌的是情感、是音乐、是内在的生命律动。

1. 用“心”去感受,而非用“眼”去识别。

想象一下你听到一首激昂的音乐,你的身体会不由自主地随之起伏,你的情绪会被调动起来。康定斯基的画就是他内心音乐的视觉化呈现。当你面对他的作品时,尝试着闭上眼睛片刻,深呼吸,然后再缓缓睁开,让你的目光在画面上自由游走,不要急于去“抓住”某个点。

颜色: 康定斯基对颜色有着近乎狂热的理解和运用。他相信每一种颜色都有一种内在的“声音”和“温度”。比如,蓝色通常带有沉静、深邃的特质,让人联想到远方和灵魂;红色则充满活力、热情,甚至带着一定的攻击性;黄色是温暖的、奔放的,像阳光一样。他的作品中,色彩不是简单地填充空间,而是互相碰撞、对话、融合。你会看到鲜亮的黄色如同尖锐的音符划过画面,而大块的蓝色则像低沉的弦乐般铺陈开来。试着去体会不同颜色在你眼前产生的联想和感受,它们在告诉你什么?是平静,是躁动,是喜悦,还是忧伤?
线条和形状: 线条和形状在康定斯基的作品中同样承载着丰富的意义。它们可以粗犷有力,也可以纤细灵动。锐利的三角形可能带来冲突和紧张感,而柔和的圆形则可能象征着和谐与圆满。观察这些线条和形状是如何在画面中交织、穿梭、碰撞的。它们之间是否有某种联系?它们是否在创造一种节奏?思考一下,这些抽象的元素组合在一起,是否能勾勒出一种你在现实世界中从未体验过的运动轨迹或情感状态。
构图和空间感: 他的作品往往没有明确的中心点,或者说整个画面都是一个充满动态的整体。他打破了传统的透视规则,创造了一种“内在空间”。这种空间不是我们熟悉的物理空间,而是心灵的空间。画面中的元素可能相互叠加、穿插,形成一种复杂的层次感。你可以试着想象,如果把画面中的颜色和形状“放大”或“缩小”,它们会发出什么样的声音?

2. 了解一点他的“理论”,会让你看得更明白一些(但不是必须)。

康定斯基写过几本重要的著作,比如《论艺术的精神》和《色彩的艺术》。如果他对某个颜色或形状的描述能和你自己的感受产生共鸣,那将是一种奇妙的连接。比如,他曾将蓝色形容为一种“向外的运动”,而黄色则是“向前的、攻击性的”。这些理解就像是理解一位音乐家作品的背景故事,能帮助你更好地进入艺术家的语境,但最终的感受,还是你自己的。

3. 别害怕“乱”,康定斯基的画就是一场有目的的“混乱”。

很多初学者看到他的画会觉得“好乱啊”,好像颜料和线条随意洒在画布上。但实际上,他的“混乱”是经过精心设计的。他将元素以一种看似随意却又充满内在逻辑的方式排列,以达到一种视觉的平衡和情感的张力。这就像爵士乐,有即兴的成分,但背后有坚实的音乐理论和演奏技巧作为支撑。

4. 尝试将他的作品与音乐联系起来。

康定斯基本人就是一个音乐爱好者,他认为绘画和音乐一样,可以触及人的灵魂深处。他甚至为自己的画作起名,如“即兴曲”、“即兴幻想曲”等,这直接借鉴了音乐的术语。当你看着他的画时,不妨在脑海里为它配上音乐,或者回想一首让你有类似感受的乐曲。你会发现,那种色彩与线条的交织,真的能唤起一种音乐般的听觉感受。

5. 循序渐进,从他不同时期的作品开始。

康定斯基的艺术风格并非一成不变。早期的作品还带有一些具象的痕迹,比如风景画。你可以先从那些相对容易理解的作品入手,然后逐渐过渡到他完全抽象的时期。了解他艺术发展的轨迹,也能帮助你理解他为何会走向纯粹的抽象。

总而言之,欣赏康定斯基的画,是一场冒险,一次解放。 它需要你暂时放下对“像不像”的评判,打开你的感官,用你的情感去对话。不要试图“翻译”他的画,而是让他的画在你心里“翻译”出你自己的感受。允许画面中的颜色、形状和线条引导你,去探索你内心深处那些未曾言说的旋律和情感。每一次的观看,都可能是一次全新的发现之旅。

网友意见

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作为抽象艺术的先驱,康定斯基绘画时并不以实物为原型,因此,想要看懂他的作品,必须要理解康定斯基的绘画语言,进入他的语境中。正如想和不说中文的外国人交流一样,必须要先学会他们的语言,才能建立双方沟通的桥梁。

对于康定斯基而言,绘画追求的是内心的展现、精神的震荡。因此,为了减少具体对象对观者的干扰,他选择以抽象的几何符号和丰富的色彩来表现画作主题。

同时,康定斯基认为,如果将精神世界分为一个三角形,那么音乐便位于三角形的顶端,也成为精神世界的代名词,绘画虽然是视觉艺术,但可以通过思维变成听觉艺术。他把绘画作品看作一种视觉音响,是一种内心情感的扩容器,在观看康定斯基作品时,观者需发挥通感,聆听绘画

下面,具体介绍一下康定斯基的”图像-声音-情感“语言。

黄色具有轻狂的感染力,如果人们持久注视着任何黄色的几何形状,便会感到心烦意乱,犹如刺耳的喇叭声。
蓝色唤起人们对纯净和超脱的渴望,当蓝色接近于黑色时,表现出超脱人世的悲伤……蓝色越浅,也就越淡漠,给人以遥远和淡雅的印象,宛如高高的蓝天。在音乐中,淡蓝色像一只长笛,蓝色犹如一把大提琴,深蓝色好似低音提琴,最深的蓝色可谓是一架教堂里的风情。
红色给人以力量、活力、决心和胜利的印象,像是乐队中小号的音响,嘹亮且高昂。
朱红像是炽热奔腾的钢水,冷水一浇就会凝固,如果经过很好的配置,便会发出长号般的声音,或是鼓声那样的轰响。
绿色是黄色和蓝色的等量调和,两者互相抵消,维持着它特有的镇定和祥和,纯粹的绿色是平静的中音提琴
紫色是由于掺入了蓝色而与人疏远的红,带有病态和衰败的性质,在音乐中,相当于一只英国管或是一组木管乐器的低沉音调。
暖红被黄色增强后就成了橙色,彷佛一位对自己力量深信不疑的人,在音乐中,橙色宛如教堂的钟声,或是浓厚的女低音,或是一把古老的小提琴所奏出的舒缓、宽广的声音。
白色像是一片毫无声息的静谧,在音乐中,是倏然打断旋律的停顿,但白色并不是死亡的沉寂,而是一种孕育着希望的平静,犹如生命诞生之前的虚无。
黑色的基调是毫无希望的沉寂,在音乐中,它被表现为深沉的结束性的停顿,在这以后继续的旋律,彷佛是另一个世界的诞生。


抽象绘画是点、线、面的有机结合,每一个点都会产生两种音律变化,一种是点本身,一种是点的位置。点又构成了线,直线是低声的喃喃细语,而随着线角度的变化,音律也会产生变换。线的宽度可以表示乐器的高低音,线的锐度可以表示声音的强弱,线的组合方式可以表现音调的变化。线的运动轨迹又组成了面,面的声响可以比喻为一个音乐片段,点和线的结合构成了面的回响。

此时,我们已经了解到,看似杂乱无章的画作背后,蕴含了艺术家身兼数职的谨慎构思。合理或不合理的色彩结合、色点的流动、线条的扩张以及平面的混合分割,都经过了艺术家的精心选择和巧妙处理,以求达到某种和谐。

最后,分享三个“有声版”的Composition Viii,希望能给各位带来启发。

听见康定斯基-Composition Viii https://www.zhihu.com/video/1177336518312751104


听见康定斯基-Composition Viii https://www.zhihu.com/video/1177333992763838464 听见康定斯基-Composition Viii https://www.zhihu.com/video/1177336596217753600

参考文献:

《论艺术的精神》作者:瓦西里·康定斯基

《基于音乐性的康定斯基抽象绘画艺术研究》作者:王丹

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