为何中国中国古代艺术似乎跳过了「写实」而直接到了「写意」的阶段？
关于中国古代艺术为何似乎“跳过”写实直接走向写意，这个问题其实是对中国艺术发展历程的一种简化理解。事实并非如此简单，写实并非被忽略，而是在中国艺术的语境下，写实与写意的关系，以及它们各自的侧重点和发展路径，有着更 nuanced 的解读。
首先，我们需要明确，“写实”和“写意”在中国艺术中的含义。
写实 (Realistic)：在中国艺术的语境下，写实更侧重于“形似”的准确描绘，强调对客观物象的忠实模仿，注重细节、比例、结构和质感的真实还原。这并非完全等于西方美术史上的“写实主义”，而是指一种以“形”为重，力求形神兼备的描绘方式。
写意 (Impressionistic/Expressive)：写意则更侧重于“神似”，强调抓住事物的精神、气质、内在生命力，通过简练的笔墨、概括的造型来表达作者的情感和意趣。它更注重“意”的传达，而非“形”的纤毫毕现。
中国古代艺术并非“跳过”写实，而是写实与写意在中国艺术发展中是并行存在，并且相互影响、相互渗透的。 所谓“跳过”，更多的是因为我们在回顾中国艺术史时，往往将某些特定时期、特定画种的“写意”风格拔高，并将其视为中国艺术的典型特征，而忽视了那些同样追求“形似”的艺术成就。
1. “写实”的基础从未缺失：
早期艺术的现实基础： 追溯到新石器时代，陶器上的纹饰就已经表现出对动物、植物等自然形态的观察和描绘，虽然稚拙，但已带有写实的意图。
商周青铜器的纹饰： 青铜器上的饕餮纹、龙纹、夔纹等，虽然带有神话色彩，但其对动物形象的刻画，如眼睛、爪子、身体结构的描绘，就已经展现出高度的造型能力和对“形”的把握。这些纹饰往往是对现实中动物的提炼和变形，但其基础依然是观察现实。
汉代画像石、画像砖： 汉代是写实绘画的重要发展时期。画像石、画像砖上的许多人物、动物、场景，都力求真实地再现当时的社会生活、历史故事和神话传说。例如，对人物服饰、发髻、表情的刻画，对车马、建筑的描绘，都显示出高度的写实技巧。马的奔跑姿态、动物的动态，都非常生动。
唐代绘画的“盛唐气象”： 唐代是中国绘画史上的一个高峰，尤其在人物画和山水画方面，写实性达到了很高水平。《簪花仕女图》、《步辇图》、《虢国夫人游春图》等作品，对人物的形态、服饰、神态描绘得细腻入微，尤其是人物的丰腴之美，是对当时社会审美风尚的真实写照。阎立本的《历代帝王图》，对帝王的面貌、气质都有精准的刻画。吴道子的“吴带当风”，虽然有夸张变形，但其对人物动态的把握，依然建立在对人体结构的理解之上。
宋代绘画的巅峰： 宋代是中国绘画的黄金时代，尤以山水画和花鸟画的写实风格最为突出。
山水画： 范宽的《溪山行旅图》、郭熙的《早春图》、李唐的《万壑松风图》等，山石的肌理、树木的形态、云水的流动，都描绘得极为真实，仿佛身临其境。画家们深入自然，对山川地貌进行细致的观察和描绘，追求“外师造化，中得心源”。
花鸟画： 崔白、赵佶、马远、夏珪等人的花鸟画，对花卉、鸟兽的形态、色彩、毛羽、动态都进行了极其精妙的描绘。赵佶的《芙蓉锦鸡图》，鸡的羽毛光泽、姿态，花朵的娇嫩，都栩栩如生。
2. “写意”的萌芽与发展：
“得意忘形”的哲学思想： 儒家、道家思想对中国艺术产生了深远影响。“得意忘形”的思想，强调抓住事物的本质和神韵，而不是拘泥于外在的形体。这为写意画的产生提供了思想基础。
文人画的兴起： 到了唐宋时期，随着文人士大夫阶层的崛起，他们将绘画视为一种表达情志、抒发性灵的途径，而非仅仅是再现客观物象的技艺。苏轼提出的“书画同源”、“论画以形似，律残似，得失之意”，提倡“意在笔先，画尽意在”，标志着文人画写意精神的初步确立。
水墨写意画的探索： 梁楷的《泼墨仙人图》、文徵明的《山水扇面》，以及后来的八大山人、石涛、扬州八怪等，更是将水墨写意发挥到极致。他们使用简练的笔墨，通过皴擦、点染、勾勒等技法，寥寥数笔便能勾勒出山水的意境、花鸟的精神，这种“以形写神，形神兼备”或“写意而神似”的风格，便是我们常说的“写意”。
3. 写实与写意的关系：辩证统一
写实是写意的基础： 任何高超的写意，都离不开对现实世界长期的观察和积累。没有扎实的写实功底，写意就容易流于空泛、失真。那些看似随意的写意画，背后往往是画家数十年如山水般深厚的写实训练。例如，描绘奔马的写意画，画家需要了解马的骨骼、肌肉结构，才能画出其神韵。
写意是写实的升华： 写实固然能精确地再现物象，但如果仅仅停留在形似，则可能显得呆板，缺乏生命力。写意则能通过概括与提炼，捕捉事物的神韵和内在精神，赋予作品以生命和感染力。
“形神兼备”是中国艺术的最高追求： 中国艺术并非完全抛弃写实，而是力求在写实的基础上，追求“神似”，达到“形神兼备”的境界。许多写意名家，如宋代的黄庭坚，在评论绘画时，也强调“形似”的重要性，认为“神似”是建立在“形似”之上的。
4. 评价标准的变化与艺术史的侧重点：
历史评价的侧重： 在中国艺术史的书写和评价中，尤其是近现代以来，由于受到西方艺术史叙事的影响，以及一些对中国传统文人画的推崇，导致我们更容易将水墨写意画视为中国艺术的“代表性”风格，而相对忽视了早期绘画中更为写实的成就。
不同画种的不同侧重： 宫廷绘画、人物画在很多时期都更倾向于写实，而文人画、山水画、花鸟画则更容易发展出写意的倾向。但这并非绝对，宋代的山水画虽然写实，但其意境和诗意也已开始显现。
时代的审美需求： 不同时代有着不同的审美取向，也影响了艺术创作的侧重点。
总结来说，中国古代艺术并没有“跳过”写实，而是将写实作为基础，并在此基础上，通过哲学思想、文人士大夫的审美情趣和对生命内在精神的追求，发展出了具有东方哲学韵味的“写意”风格。 写实与写意在中国艺术中是相辅相成、辩证统一的，它们共同构成了中国艺术丰富多彩的图景。我们之所以会有“跳过”的印象，更多的是因为在梳理艺术史时，由于某些历史和文化因素，对写意风格给予了更强的关注和强调，从而在某种程度上遮蔽了写实艺术同样辉煌的成就。如果仔细审视中国艺术史的脉络，会发现写实精神始终贯穿其中，并为写意风格的繁荣奠定了坚实的基础。
首先，我们需要明确，“写实”和“写意”在中国艺术中的含义。
写实 (Realistic)：在中国艺术的语境下，写实更侧重于“形似”的准确描绘，强调对客观物象的忠实模仿，注重细节、比例、结构和质感的真实还原。这并非完全等于西方美术史上的“写实主义”，而是指一种以“形”为重，力求形神兼备的描绘方式。
写意 (Impressionistic/Expressive)：写意则更侧重于“神似”，强调抓住事物的精神、气质、内在生命力，通过简练的笔墨、概括的造型来表达作者的情感和意趣。它更注重“意”的传达，而非“形”的纤毫毕现。
中国古代艺术并非“跳过”写实，而是写实与写意在中国艺术发展中是并行存在，并且相互影响、相互渗透的。 所谓“跳过”，更多的是因为我们在回顾中国艺术史时，往往将某些特定时期、特定画种的“写意”风格拔高，并将其视为中国艺术的典型特征，而忽视了那些同样追求“形似”的艺术成就。
1. “写实”的基础从未缺失：
早期艺术的现实基础： 追溯到新石器时代，陶器上的纹饰就已经表现出对动物、植物等自然形态的观察和描绘，虽然稚拙，但已带有写实的意图。
商周青铜器的纹饰： 青铜器上的饕餮纹、龙纹、夔纹等，虽然带有神话色彩，但其对动物形象的刻画，如眼睛、爪子、身体结构的描绘，就已经展现出高度的造型能力和对“形”的把握。这些纹饰往往是对现实中动物的提炼和变形，但其基础依然是观察现实。
汉代画像石、画像砖： 汉代是写实绘画的重要发展时期。画像石、画像砖上的许多人物、动物、场景，都力求真实地再现当时的社会生活、历史故事和神话传说。例如，对人物服饰、发髻、表情的刻画，对车马、建筑的描绘，都显示出高度的写实技巧。马的奔跑姿态、动物的动态，都非常生动。
唐代绘画的“盛唐气象”： 唐代是中国绘画史上的一个高峰，尤其在人物画和山水画方面，写实性达到了很高水平。《簪花仕女图》、《步辇图》、《虢国夫人游春图》等作品，对人物的形态、服饰、神态描绘得细腻入微，尤其是人物的丰腴之美，是对当时社会审美风尚的真实写照。阎立本的《历代帝王图》，对帝王的面貌、气质都有精准的刻画。吴道子的“吴带当风”，虽然有夸张变形，但其对人物动态的把握，依然建立在对人体结构的理解之上。
宋代绘画的巅峰： 宋代是中国绘画的黄金时代，尤以山水画和花鸟画的写实风格最为突出。
山水画： 范宽的《溪山行旅图》、郭熙的《早春图》、李唐的《万壑松风图》等，山石的肌理、树木的形态、云水的流动，都描绘得极为真实，仿佛身临其境。画家们深入自然，对山川地貌进行细致的观察和描绘，追求“外师造化，中得心源”。
花鸟画： 崔白、赵佶、马远、夏珪等人的花鸟画，对花卉、鸟兽的形态、色彩、毛羽、动态都进行了极其精妙的描绘。赵佶的《芙蓉锦鸡图》，鸡的羽毛光泽、姿态，花朵的娇嫩，都栩栩如生。
2. “写意”的萌芽与发展：
“得意忘形”的哲学思想： 儒家、道家思想对中国艺术产生了深远影响。“得意忘形”的思想，强调抓住事物的本质和神韵，而不是拘泥于外在的形体。这为写意画的产生提供了思想基础。
文人画的兴起： 到了唐宋时期，随着文人士大夫阶层的崛起，他们将绘画视为一种表达情志、抒发性灵的途径，而非仅仅是再现客观物象的技艺。苏轼提出的“书画同源”、“论画以形似，律残似，得失之意”，提倡“意在笔先，画尽意在”，标志着文人画写意精神的初步确立。
水墨写意画的探索： 梁楷的《泼墨仙人图》、文徵明的《山水扇面》，以及后来的八大山人、石涛、扬州八怪等，更是将水墨写意发挥到极致。他们使用简练的笔墨，通过皴擦、点染、勾勒等技法，寥寥数笔便能勾勒出山水的意境、花鸟的精神，这种“以形写神，形神兼备”或“写意而神似”的风格，便是我们常说的“写意”。
3. 写实与写意的关系：辩证统一
写实是写意的基础： 任何高超的写意，都离不开对现实世界长期的观察和积累。没有扎实的写实功底，写意就容易流于空泛、失真。那些看似随意的写意画，背后往往是画家数十年如山水般深厚的写实训练。例如，描绘奔马的写意画，画家需要了解马的骨骼、肌肉结构，才能画出其神韵。
写意是写实的升华： 写实固然能精确地再现物象，但如果仅仅停留在形似，则可能显得呆板，缺乏生命力。写意则能通过概括与提炼，捕捉事物的神韵和内在精神，赋予作品以生命和感染力。
“形神兼备”是中国艺术的最高追求： 中国艺术并非完全抛弃写实，而是力求在写实的基础上，追求“神似”，达到“形神兼备”的境界。许多写意名家，如宋代的黄庭坚，在评论绘画时，也强调“形似”的重要性，认为“神似”是建立在“形似”之上的。
4. 评价标准的变化与艺术史的侧重点：
历史评价的侧重： 在中国艺术史的书写和评价中，尤其是近现代以来，由于受到西方艺术史叙事的影响，以及一些对中国传统文人画的推崇，导致我们更容易将水墨写意画视为中国艺术的“代表性”风格，而相对忽视了早期绘画中更为写实的成就。
不同画种的不同侧重： 宫廷绘画、人物画在很多时期都更倾向于写实，而文人画、山水画、花鸟画则更容易发展出写意的倾向。但这并非绝对，宋代的山水画虽然写实，但其意境和诗意也已开始显现。
时代的审美需求： 不同时代有着不同的审美取向，也影响了艺术创作的侧重点。
总结来说，中国古代艺术并没有“跳过”写实，而是将写实作为基础，并在此基础上，通过哲学思想、文人士大夫的审美情趣和对生命内在精神的追求，发展出了具有东方哲学韵味的“写意”风格。 写实与写意在中国艺术中是相辅相成、辩证统一的，它们共同构成了中国艺术丰富多彩的图景。我们之所以会有“跳过”的印象，更多的是因为在梳理艺术史时，由于某些历史和文化因素，对写意风格给予了更强的关注和强调，从而在某种程度上遮蔽了写实艺术同样辉煌的成就。如果仔细审视中国艺术史的脉络，会发现写实精神始终贯穿其中，并为写意风格的繁荣奠定了坚实的基础。
网友意见
（本答案多图）
利益申报：本人美术生出身，美术史、艺术理论为大学必修课程。
- 凭啥写意前必须写实？我们来看西方艺术的起源阶段。
（西班牙阿尔塔米拉洞穴，约公元前3万年前）
（法国肖维特史前岩画，约3万年前）
（法国拉斯考克斯洞穴岩画，约1万5千年前）
（利比亚史前岩画，约公元前4000年）
（维也纳史前维纳斯，旧石器时代）
…………
- 谁说中国古代艺术没有写实？
（秦陵兵马俑，秦代）
（《五牛图》，韩滉，唐）
（《写生珍禽图》，黄荃，五代）
（北宋帝王真像之《宋仁宗真像》，佚名，北宋）
（《竹禽图》，宋徽宗赵佶，北宋）
（《柳鸦芦雁图》，宋徽宗赵佶，北宋）
（《清明上河图》，张择端，北宋）
（明代人物像系列）
……
中国绘画除了所谓“写意画”外，还有“工笔”（“花鸟工笔”、“人物工笔”）、“界画”（建筑绘画）等等，这些门类都是相当写实的。
- 写意就一定不好吗？最后，我们来看看毕加索借鉴汉代画像砖画像石的作品：
（《斗牛》系列，毕加索，西班牙）
对比一下：
（《出行画像砖》，西汉）
（《车马画像砖》，东汉）
对比一下这些马的造型，毕加索不美嘛？汉代画像砖不美嘛？
总结一下：
- 整个美术史上，没有先写实才能写意这个规律
- 中国美术史上，写实作品比比皆是
- 不是只要是靠线条、墨块表现的，就不写实
- 中国美术史，从北宋越来越注重个人情趣的“文人画”发轫开始，中国传统的写实绘画逐渐边缘化，但仍有其生存空间，大量的民间画师为士大夫画死后供家族祭祀以及纪念的画像（可以理解为现在的“照相”）而得以存在，中国写实艺术趋向了民间这条暗线。
最后奉劝题主：
多读书，读好书。
只思考的话……孔夫子怎么说来着？
“思而不学则殆”！
（图片均来源于网络，侵告删）
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