板绘以后会取代传统架上绘画吗?
这个问题，想必是不少创作者心头萦绕的思考。究竟，当数字笔触遇上画布，谁会最终占据艺术的主流舞台？这并非一个简单的“是”或“否”就能回答的问题，其中涉及到技术、观念、市场、以及最根本的人类创造力本身。
首先，我们得承认，数字绘画（板绘）的崛起是不可逆转的趋势，并且其影响力在不断扩大。 看看如今的动漫、游戏、插画、概念设计等领域，板绘几乎已经成为绝对的主导。它的优势太明显了：
无限的可能性与便捷性： 就像变魔术一样，你可以随时撤销错误，调整颜色，叠加图层，尝试不同的笔刷和效果，甚至在画布上“缩放”和“移动”，这些在传统画布上是无法想象的。无需等待颜料干燥，无需担心颜料用尽，无需为画布尺寸所限。这种自由度和效率，对商业创作尤其重要，它大大缩短了制作周期，降低了成本。
跨越空间的创作： 一台电脑，一块数位板，就能让你在任何有电源的地方开始创作。它打破了工作室的物理界限，让“移动的艺术家”成为可能。
传播与分享的便利： 一键导出，轻松分享到社交媒体、作品集网站，甚至直接发送给客户。这使得艺术作品的传播速度和范围都大大提升。
成本效益（长期来看）： 虽然初期投入可能不低，但与购买大量的颜料、画布、画笔，以及后续的裱框、运输等成本相比，数字绘画的长期成本效益更具优势。
技术融合的潜力： 数字绘画可以轻易地与3D建模、动画、VR/AR等新兴技术相结合，创造出更具互动性和沉浸感的艺术体验。
然而，要说板绘会“取代”传统架上绘画，我认为过于绝对，也忽略了传统艺术的独特魅力和价值。 传统架上绘画，它承载的不仅仅是画面本身，还有一种物质性、仪式感和独特性。
材料的温度与肌理： 颜料在画布上留下的笔触、厚度、光泽，油画的厚重、水彩的通透、丙烯的快速干燥，这些物理上的质感是数字绘画难以完全模拟的。它们赋予作品一种独特的“手工感”和“生命感”，是触手可及的实体。
创作的仪式感与专注： 搭建画架，调和颜料，面对一块空白的画布，这种全身心的投入，是一种与材料对话的过程，充满了仪式感。在数字设备面前，我们可能会被各种通知、软件的浮层所干扰，专注度可能不如面对一块实体画布来得纯粹。
独一无二的物理性： 一幅架上绘画是独一无二的物理实体，它的存在感和价值感是数字文件无法比拟的。即使有高分辨率的打印品，也无法完全复制原作的细节和氛围。拍卖市场上，名家油画动辄千万甚至上亿的价格，很大程度上也源于这种稀缺性和实体性。
历史的传承与积淀： 几个世纪以来，架上绘画积累了丰富的技法、材料研究和艺术思想。这些是艺术史的血脉，是无数艺术家探索留下的宝贵遗产。许多艺术家，包括很多在数字领域取得巨大成功的艺术家，仍然会回到传统媒介进行创作，从中汲取灵感，探索新的可能性。
收藏的价值与稳定性： 收藏界对于实体艺术品的价值认可度依然很高。一幅名家油画，其价值往往会随着时间的推移而增长，并且有相对稳定的市场和收藏体系。数字艺术的价值评估和收藏方式仍在探索之中，虽然NFT带来了新的可能性，但其长期稳定性和普及性还有待检验。
因此，更可能的情况是“共存”与“融合”，而非“取代”。
市场的分化与并行： 商业、流行、概念驱动的领域，板绘将继续占据主导。而在追求艺术本体性、材料实验、个人情感表达的领域，传统架上绘画依然有其不可替代的地位。两个领域会相互影响，但服务于不同的需求和价值取向。
技法的融合与借鉴： 越来越多的艺术家会将数字绘画作为草稿、概念探索的工具，然后再将想法以传统媒介实现。反之，也有艺术家在数字绘画中模拟传统笔触、纹理，试图弥合数字与传统的界限。
观众的审美习惯： 观众的审美是多元的。有人会被数字绘画的炫丽色彩和流畅线条吸引，也有人会被传统绘画的厚重质感和手工痕迹打动。艺术的魅力在于它的多样性，而不同媒介恰恰提供了这种多样性的基础。
概念的演进： 艺术的边界一直在被拓展。未来的艺术家可能会创造出更多将数字与实体相结合的作品，模糊媒介的界限，带来全新的艺术体验。
总结来说，板绘以其强大的技术优势和便捷性，正在深刻地改变着艺术创作的生产方式和传播方式，尤其在商业领域，它几乎已经成为标配。但是，它不太可能完全“取代”传统架上绘画。 传统架上绘画所拥有的材料质感、创作仪式感、实体独特性以及历史积淀，是数字媒介难以复制的。它们更像是两种平行发展的艺术语言，在各自的领域发挥着重要的作用，同时也在相互借鉴、相互启发，共同构建着当代艺术的丰富图景。
未来，我们或许会看到更多将数字与实体巧妙结合的创新艺术形式出现，而艺术家也可能在不同的媒介之间游走，用最适合表达其观念和情感的方式去创作。与其说是“取代”，不如说是“各自发展”和“相互渗透”，这才是对艺术生态更准确的描绘。
首先，我们得承认，数字绘画（板绘）的崛起是不可逆转的趋势，并且其影响力在不断扩大。 看看如今的动漫、游戏、插画、概念设计等领域，板绘几乎已经成为绝对的主导。它的优势太明显了：
无限的可能性与便捷性： 就像变魔术一样，你可以随时撤销错误，调整颜色，叠加图层，尝试不同的笔刷和效果，甚至在画布上“缩放”和“移动”，这些在传统画布上是无法想象的。无需等待颜料干燥，无需担心颜料用尽，无需为画布尺寸所限。这种自由度和效率，对商业创作尤其重要，它大大缩短了制作周期，降低了成本。
跨越空间的创作： 一台电脑，一块数位板，就能让你在任何有电源的地方开始创作。它打破了工作室的物理界限，让“移动的艺术家”成为可能。
传播与分享的便利： 一键导出，轻松分享到社交媒体、作品集网站，甚至直接发送给客户。这使得艺术作品的传播速度和范围都大大提升。
成本效益（长期来看）： 虽然初期投入可能不低，但与购买大量的颜料、画布、画笔，以及后续的裱框、运输等成本相比，数字绘画的长期成本效益更具优势。
技术融合的潜力： 数字绘画可以轻易地与3D建模、动画、VR/AR等新兴技术相结合，创造出更具互动性和沉浸感的艺术体验。
然而，要说板绘会“取代”传统架上绘画，我认为过于绝对，也忽略了传统艺术的独特魅力和价值。 传统架上绘画，它承载的不仅仅是画面本身，还有一种物质性、仪式感和独特性。
材料的温度与肌理： 颜料在画布上留下的笔触、厚度、光泽，油画的厚重、水彩的通透、丙烯的快速干燥，这些物理上的质感是数字绘画难以完全模拟的。它们赋予作品一种独特的“手工感”和“生命感”，是触手可及的实体。
创作的仪式感与专注： 搭建画架，调和颜料，面对一块空白的画布，这种全身心的投入，是一种与材料对话的过程，充满了仪式感。在数字设备面前，我们可能会被各种通知、软件的浮层所干扰，专注度可能不如面对一块实体画布来得纯粹。
独一无二的物理性： 一幅架上绘画是独一无二的物理实体，它的存在感和价值感是数字文件无法比拟的。即使有高分辨率的打印品，也无法完全复制原作的细节和氛围。拍卖市场上，名家油画动辄千万甚至上亿的价格，很大程度上也源于这种稀缺性和实体性。
历史的传承与积淀： 几个世纪以来，架上绘画积累了丰富的技法、材料研究和艺术思想。这些是艺术史的血脉，是无数艺术家探索留下的宝贵遗产。许多艺术家，包括很多在数字领域取得巨大成功的艺术家，仍然会回到传统媒介进行创作，从中汲取灵感，探索新的可能性。
收藏的价值与稳定性： 收藏界对于实体艺术品的价值认可度依然很高。一幅名家油画，其价值往往会随着时间的推移而增长，并且有相对稳定的市场和收藏体系。数字艺术的价值评估和收藏方式仍在探索之中，虽然NFT带来了新的可能性，但其长期稳定性和普及性还有待检验。
因此，更可能的情况是“共存”与“融合”，而非“取代”。
市场的分化与并行： 商业、流行、概念驱动的领域，板绘将继续占据主导。而在追求艺术本体性、材料实验、个人情感表达的领域，传统架上绘画依然有其不可替代的地位。两个领域会相互影响，但服务于不同的需求和价值取向。
技法的融合与借鉴： 越来越多的艺术家会将数字绘画作为草稿、概念探索的工具，然后再将想法以传统媒介实现。反之，也有艺术家在数字绘画中模拟传统笔触、纹理，试图弥合数字与传统的界限。
观众的审美习惯： 观众的审美是多元的。有人会被数字绘画的炫丽色彩和流畅线条吸引，也有人会被传统绘画的厚重质感和手工痕迹打动。艺术的魅力在于它的多样性，而不同媒介恰恰提供了这种多样性的基础。
概念的演进： 艺术的边界一直在被拓展。未来的艺术家可能会创造出更多将数字与实体相结合的作品，模糊媒介的界限，带来全新的艺术体验。
总结来说，板绘以其强大的技术优势和便捷性，正在深刻地改变着艺术创作的生产方式和传播方式，尤其在商业领域，它几乎已经成为标配。但是，它不太可能完全“取代”传统架上绘画。 传统架上绘画所拥有的材料质感、创作仪式感、实体独特性以及历史积淀，是数字媒介难以复制的。它们更像是两种平行发展的艺术语言，在各自的领域发挥着重要的作用，同时也在相互借鉴、相互启发，共同构建着当代艺术的丰富图景。
未来，我们或许会看到更多将数字与实体巧妙结合的创新艺术形式出现，而艺术家也可能在不同的媒介之间游走，用最适合表达其观念和情感的方式去创作。与其说是“取代”，不如说是“各自发展”和“相互渗透”，这才是对艺术生态更准确的描绘。
网友意见
不能。
原因很简单，cg绘画作品无法在拍卖行里拍卖。cg绘画作品可以无限复制，它的“原版”和“复制版”。无论用如何天花乱坠的语言去形容的都是无法区分的，每一个0每一个1都是严格一样的。作品唯一性无法保持，这种特性注定了它无法成为拥有者独享的收藏品。
类似的为啥艺术家死了，他的作品价格就会飙升，因为他的作品的唯一性大大增加了，即使其他人能够模仿他模仿的惟妙惟肖，那也不是原版的，总有某些和原版不同的蛛丝马迹。
至于说什么质感啊材质啊，都是在搞笑。你问我一幅画画得怎么样，我说这个画布质量很好，这个肌理有点像那啥，那基本就算是奔着绝交去的。
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