为什么现代绘画不能回归学院派画风？现代艺术家的美不能用大众能接受的外壳来表达吗？
这个问题触及到艺术史发展中一个非常核心的议题，也触及到艺术创作与社会大众之间永恒的张力。简单来说，现代绘画之所以不能“回归”学院派画风，并不是因为现代艺术家“不愿”或者“不能”，而是因为艺术发展的内在逻辑和时代精神已经发生了根本性的变化。而关于现代艺术家能否用大众能接受的外壳来表达他们的“美”，这更是一个关于艺术定义、沟通方式和时代审美的复杂探讨。
为什么现代绘画不能“回归”学院派画风？
首先，我们需要理解“学院派画风”到底是什么。学院派（Académisme）在西方艺术史上占据了相当长的时间，尤其是在17世纪到19世纪末。它的核心特征可以概括为：
严格的技法训练： 强调素描、色彩、透视、解剖学等古典绘画的基础功。作品通常具有高度的写实性、精湛的技艺和细腻的描绘。
崇尚古典和历史题材： 绘画内容多以神话、宗教、历史事件、寓言故事为主题，并从中提炼出“高贵”、“崇高”的理想化形象。
等级森严的艺术观念： 认为绘画有等级之分，历史画是最高形式，其次是肖像画、风景画、静物画等。
固定的审美标准： 追求和谐、秩序、平衡、比例，推崇一种普遍适用的“美”的法则。
艺术机构的垄断： 由皇家学院或国家学院主导艺术教育、展览和评价体系，对艺术创作具有强大的指导和限制作用。
那么，为什么现代绘画“不能”回归呢？
1. 时代精神的断裂： 19世纪末20世纪初，欧洲社会经历了剧烈的变革——工业革命的深入、科学技术的飞速发展（摄影、电影的出现）、哲学思潮的涌动（存在主义、弗洛伊德的精神分析）、两次世界大战带来的巨大创伤和价值观的颠覆。这一切都使得人们的观看方式、感知世界的方式、思考生命意义的方式发生了根本性改变。
摄影的冲击： 摄影的出现，在技术层面上极大地分担了绘画记录现实的功能。绘画不再需要“忠实”地复现客观世界，这解放了艺术家，让他们可以去探索绘画本身的可能性，比如色彩、笔触、形式、情感等。
科学的理性与非理性： 科学的进步一方面提供了更精确的认识世界的方法，另一方面也暴露了世界本身的复杂性、不确定性和主观性。例如，相对论、量子力学挑战了牛顿式的客观实在观。弗洛伊德的精神分析更是揭示了人类潜意识的巨大力量，这些非理性的、内在的体验成为艺术家们探索的新疆域。
社会的动荡与个体的迷茫： 战争的残酷、社会结构的重塑，使得人们对宏大叙事、普世真理产生了怀疑。个体在现代社会中的孤独、疏离、焦虑感成为重要的创作主题。学院派所追求的和谐、秩序、理想化的英雄形象，在这样的时代背景下显得有些脱离现实，甚至虚伪。
2. 艺术自身发展的内在逻辑： 艺术史并非简单的线性发展，而是一个不断自我革新、自我挑战的过程。每一次重要的艺术运动，都是对前一个时代的艺术方式的突破和超越。
印象派的反叛： 印象派艺术家（如莫奈、雷诺阿）就已经开始打破学院派对细节描绘的执着，他们关注光影的变化、瞬间的感受，强调主观的视觉经验，用短促的笔触来捕捉“印象”。这已经是对学院派“完成度”的挑战。
后印象派的探索： 梵高、高更、塞尚等人则在印象派的基础上，进一步强调绘画的主观性。梵高用强烈的情感色彩和扭曲的笔触表达内心世界；高更追求原始和象征；塞尚则开始探索物体的几何本质和绘画的结构性，为立体主义铺平了道路。
现代主义的全面爆发： 从野兽派的放肆色彩，到立体派对物体多角度的解构，再到抽象艺术的完全脱离具象，表现主义的极端情感宣泄，达达主义的颠覆与荒诞，超现实主义对潜意识的挖掘……这些运动都在以不同的方式，解构、重塑、颠覆着“绘画”的定义和边界。它们探索的不是“如何更像”现实，而是“绘画是什么”、“如何感受”、“如何表达内在”。
3. 对“美”的定义改变： 学院派所定义的美，是一种客观的、普遍的、外在的美，是基于古典的比例、和谐、秩序。而现代艺术则极大地扩展了“美”的定义。
主观性的美： 情感的真实、内心的体验、独特的视角，都可以成为美的来源。梵高笔下的星空，虽然不是写实的，但它所传递的震撼和澎湃的情感，却是许多人能感受到并认为“美”的。
形式的美： 色彩的碰撞、线条的韵律、构图的张力，纯粹的视觉形式本身可以构成一种独立的美感，与题材内容无关。蒙德里安的直线和色块，追求的是一种纯粹的、精神性的秩序美。
概念的美： 艺术可以关乎观念、思想、甚至是一种提出问题的方式。杜尚的“现成品”艺术，将日常物品变成艺术，挑战的是“什么是艺术”以及艺术家在创作中的角色。这种对艺术的思考，本身就具有一种智性上的美。
丑与怪诞的审美： 现代艺术有时也会拥抱“丑”、“怪诞”、“病态”来表达某种现实的真实或内心的真实，例如表现主义对扭曲人性的描绘。
现代艺术家的美不能用大众能接受的外壳来表达吗？
这又触及了艺术的传播、接受与市场的问题。简单回答是：“可以，但不是必须，而且这往往会带来新的挑战。”
1. “大众能接受的外壳”是什么？
传统的写实技法： 大多数人仍然习惯于看到“像”的东西，看到具象的形象，看到精湛的技巧。学院派画风正是这种“能接受的外壳”的代表。
清晰可辨的题材： 容易理解的故事情节、熟悉的人物形象、优美的风景，这些都是大众乐于接受的内容。
悦目的色彩和构图： 普遍认为和谐、鲜艳、平衡的色彩和构图更容易被大众欣赏。
2. 现代艺术家为何常常不选择“大众能接受的外壳”？
表达的需要： 许多现代艺术家试图表达的是一种内在的、抽象的、难以用具象语言描述的感受、观念或对世界的洞察。学院派的写实外壳可能无法承载或歪曲了他们的核心表达。例如，一个艺术家想要表达现代都市的疏离感，用一幅写实的人群肖像可能显得太过直白，而通过扭曲的线条、破碎的画面、压抑的色彩，反而更能传达那种感受。
对传统外壳的超越： 如前所述，现代艺术本身就是在探索新的表现方式，已经离开了对传统写实外壳的依赖。他们的“美”可能就在于他们对形式、色彩、笔触、观念的全新探索和组合，这本身就是一种新的语言，新的审美。
反抗与批判： 有些艺术家有意选择非大众化、甚至引起不适的表达方式，是为了挑战既定的审美习惯，反思社会现实，或者批判主流文化。如果他们为了迎合大众而使用“能接受的外壳”，反而会削弱他们的批判力量。
艺术家的自由： 艺术创作的本质在于自由探索，艺术家有权利选择任何他们认为最能实现其艺术理念的方式。强求他们使用大众习惯的外壳，是对艺术创作自由的限制。
3. 现代艺术家的“美”与大众接受的矛盾点：
理解门槛： 现代艺术往往需要观者具备一定的艺术史知识、文化背景和开放的心态，才能理解其“美”所在。如果观众只习惯于以传统的审美标准来衡量，就容易觉得“看不懂”、“不是艺术”。
“美”的定义差异： 当代艺术对“美”的定义可能包含智性、观念、情感强度、形式创新等，而大众可能更偏好感官上的愉悦、故事性或技法上的惊叹。
市场的选择： 艺术市场在很大程度上也影响了大众的审美。一些被市场追捧的“新”艺术，不一定是因为其颠覆性，有时反而是因为其“新瓶装旧酒”——在形式上有所创新，但内在精神和表达方式仍然是大众熟悉的，或者容易被包装成某种“新颖”的概念。
然而，这并不意味着现代艺术就完全拒绝与大众沟通，或者说现代艺术家的美就无法被大众理解。
“可理解性”是相对的： 随着时代发展，大众的视野和审美也在不断拓展。印象派在刚出现时被视为“丑陋”的，但现在已是大众接受度最高的画派之一。现代艺术也在不断积累其接受群体。
部分现代艺术家成功地融合了： 很多艺术家在进行形式探索的同时，仍然保留了某种可供解读的叙事性或情感连接。例如，某些抽象表现主义作品虽然抽象，但其强烈的色彩和笔触依然能唤起观者强烈的情感共鸣。一些后现代的艺术实践，甚至会直接挪用大众文化符号，以一种戏谑或批判的方式与大众对话。
教育和引导的作用： 艺术评论、展览的策展、艺术教育，都可以帮助大众理解和欣赏现代艺术。当观众被引导去关注作品的形式语言、创作背景、艺术家意图时，他们就能发现其中隐藏的“美”。
总结一下：
现代绘画不能“回归”学院派画风，是因为时代的巨变、艺术自身发展的驱动力以及对“美”的定义都发生了根本性的改变。学院派的框架已经无法完全容纳或表达现代艺术家所要探索的广阔天地。
而至于现代艺术家的美能否用大众能接受的外壳来表达，答案是“并非不能，但也不是必然，且常常伴随着牺牲与选择。” 很多现代艺术家之所以不这样做，是因为他们的表达需求、对艺术边界的探索、以及对现有艺术观念的反叛，决定了他们必须采用新的语言和形式。他们所追求的“美”，可能是一种更深刻、更多元、更具挑战性的存在，它需要观者付出更多的努力去理解，去感受，去与之对话，而不是简单地被动接受一种预设的、习以为常的“美”。艺术的价值，有时恰恰体现在它能够挑战我们的习惯，拓展我们的视野，让我们看到一个不那么容易被发现的世界。
为什么现代绘画不能“回归”学院派画风？
首先，我们需要理解“学院派画风”到底是什么。学院派（Académisme）在西方艺术史上占据了相当长的时间，尤其是在17世纪到19世纪末。它的核心特征可以概括为：
严格的技法训练： 强调素描、色彩、透视、解剖学等古典绘画的基础功。作品通常具有高度的写实性、精湛的技艺和细腻的描绘。
崇尚古典和历史题材： 绘画内容多以神话、宗教、历史事件、寓言故事为主题，并从中提炼出“高贵”、“崇高”的理想化形象。
等级森严的艺术观念： 认为绘画有等级之分，历史画是最高形式，其次是肖像画、风景画、静物画等。
固定的审美标准： 追求和谐、秩序、平衡、比例，推崇一种普遍适用的“美”的法则。
艺术机构的垄断： 由皇家学院或国家学院主导艺术教育、展览和评价体系，对艺术创作具有强大的指导和限制作用。
那么，为什么现代绘画“不能”回归呢？
1. 时代精神的断裂： 19世纪末20世纪初，欧洲社会经历了剧烈的变革——工业革命的深入、科学技术的飞速发展（摄影、电影的出现）、哲学思潮的涌动（存在主义、弗洛伊德的精神分析）、两次世界大战带来的巨大创伤和价值观的颠覆。这一切都使得人们的观看方式、感知世界的方式、思考生命意义的方式发生了根本性改变。
摄影的冲击： 摄影的出现，在技术层面上极大地分担了绘画记录现实的功能。绘画不再需要“忠实”地复现客观世界，这解放了艺术家，让他们可以去探索绘画本身的可能性，比如色彩、笔触、形式、情感等。
科学的理性与非理性： 科学的进步一方面提供了更精确的认识世界的方法，另一方面也暴露了世界本身的复杂性、不确定性和主观性。例如，相对论、量子力学挑战了牛顿式的客观实在观。弗洛伊德的精神分析更是揭示了人类潜意识的巨大力量，这些非理性的、内在的体验成为艺术家们探索的新疆域。
社会的动荡与个体的迷茫： 战争的残酷、社会结构的重塑，使得人们对宏大叙事、普世真理产生了怀疑。个体在现代社会中的孤独、疏离、焦虑感成为重要的创作主题。学院派所追求的和谐、秩序、理想化的英雄形象，在这样的时代背景下显得有些脱离现实，甚至虚伪。
2. 艺术自身发展的内在逻辑： 艺术史并非简单的线性发展，而是一个不断自我革新、自我挑战的过程。每一次重要的艺术运动，都是对前一个时代的艺术方式的突破和超越。
印象派的反叛： 印象派艺术家（如莫奈、雷诺阿）就已经开始打破学院派对细节描绘的执着，他们关注光影的变化、瞬间的感受，强调主观的视觉经验，用短促的笔触来捕捉“印象”。这已经是对学院派“完成度”的挑战。
后印象派的探索： 梵高、高更、塞尚等人则在印象派的基础上，进一步强调绘画的主观性。梵高用强烈的情感色彩和扭曲的笔触表达内心世界；高更追求原始和象征；塞尚则开始探索物体的几何本质和绘画的结构性，为立体主义铺平了道路。
现代主义的全面爆发： 从野兽派的放肆色彩，到立体派对物体多角度的解构，再到抽象艺术的完全脱离具象，表现主义的极端情感宣泄，达达主义的颠覆与荒诞，超现实主义对潜意识的挖掘……这些运动都在以不同的方式，解构、重塑、颠覆着“绘画”的定义和边界。它们探索的不是“如何更像”现实，而是“绘画是什么”、“如何感受”、“如何表达内在”。
3. 对“美”的定义改变： 学院派所定义的美，是一种客观的、普遍的、外在的美，是基于古典的比例、和谐、秩序。而现代艺术则极大地扩展了“美”的定义。
主观性的美： 情感的真实、内心的体验、独特的视角，都可以成为美的来源。梵高笔下的星空，虽然不是写实的，但它所传递的震撼和澎湃的情感，却是许多人能感受到并认为“美”的。
形式的美： 色彩的碰撞、线条的韵律、构图的张力，纯粹的视觉形式本身可以构成一种独立的美感，与题材内容无关。蒙德里安的直线和色块，追求的是一种纯粹的、精神性的秩序美。
概念的美： 艺术可以关乎观念、思想、甚至是一种提出问题的方式。杜尚的“现成品”艺术，将日常物品变成艺术，挑战的是“什么是艺术”以及艺术家在创作中的角色。这种对艺术的思考，本身就具有一种智性上的美。
丑与怪诞的审美： 现代艺术有时也会拥抱“丑”、“怪诞”、“病态”来表达某种现实的真实或内心的真实，例如表现主义对扭曲人性的描绘。
现代艺术家的美不能用大众能接受的外壳来表达吗？
这又触及了艺术的传播、接受与市场的问题。简单回答是：“可以，但不是必须，而且这往往会带来新的挑战。”
1. “大众能接受的外壳”是什么？
传统的写实技法： 大多数人仍然习惯于看到“像”的东西，看到具象的形象，看到精湛的技巧。学院派画风正是这种“能接受的外壳”的代表。
清晰可辨的题材： 容易理解的故事情节、熟悉的人物形象、优美的风景，这些都是大众乐于接受的内容。
悦目的色彩和构图： 普遍认为和谐、鲜艳、平衡的色彩和构图更容易被大众欣赏。
2. 现代艺术家为何常常不选择“大众能接受的外壳”？
表达的需要： 许多现代艺术家试图表达的是一种内在的、抽象的、难以用具象语言描述的感受、观念或对世界的洞察。学院派的写实外壳可能无法承载或歪曲了他们的核心表达。例如，一个艺术家想要表达现代都市的疏离感，用一幅写实的人群肖像可能显得太过直白，而通过扭曲的线条、破碎的画面、压抑的色彩，反而更能传达那种感受。
对传统外壳的超越： 如前所述，现代艺术本身就是在探索新的表现方式，已经离开了对传统写实外壳的依赖。他们的“美”可能就在于他们对形式、色彩、笔触、观念的全新探索和组合，这本身就是一种新的语言，新的审美。
反抗与批判： 有些艺术家有意选择非大众化、甚至引起不适的表达方式，是为了挑战既定的审美习惯，反思社会现实，或者批判主流文化。如果他们为了迎合大众而使用“能接受的外壳”，反而会削弱他们的批判力量。
艺术家的自由： 艺术创作的本质在于自由探索，艺术家有权利选择任何他们认为最能实现其艺术理念的方式。强求他们使用大众习惯的外壳，是对艺术创作自由的限制。
3. 现代艺术家的“美”与大众接受的矛盾点：
理解门槛： 现代艺术往往需要观者具备一定的艺术史知识、文化背景和开放的心态，才能理解其“美”所在。如果观众只习惯于以传统的审美标准来衡量，就容易觉得“看不懂”、“不是艺术”。
“美”的定义差异： 当代艺术对“美”的定义可能包含智性、观念、情感强度、形式创新等，而大众可能更偏好感官上的愉悦、故事性或技法上的惊叹。
市场的选择： 艺术市场在很大程度上也影响了大众的审美。一些被市场追捧的“新”艺术，不一定是因为其颠覆性，有时反而是因为其“新瓶装旧酒”——在形式上有所创新，但内在精神和表达方式仍然是大众熟悉的，或者容易被包装成某种“新颖”的概念。
然而，这并不意味着现代艺术就完全拒绝与大众沟通，或者说现代艺术家的美就无法被大众理解。
“可理解性”是相对的： 随着时代发展，大众的视野和审美也在不断拓展。印象派在刚出现时被视为“丑陋”的，但现在已是大众接受度最高的画派之一。现代艺术也在不断积累其接受群体。
部分现代艺术家成功地融合了： 很多艺术家在进行形式探索的同时，仍然保留了某种可供解读的叙事性或情感连接。例如，某些抽象表现主义作品虽然抽象，但其强烈的色彩和笔触依然能唤起观者强烈的情感共鸣。一些后现代的艺术实践，甚至会直接挪用大众文化符号，以一种戏谑或批判的方式与大众对话。
教育和引导的作用： 艺术评论、展览的策展、艺术教育，都可以帮助大众理解和欣赏现代艺术。当观众被引导去关注作品的形式语言、创作背景、艺术家意图时，他们就能发现其中隐藏的“美”。
总结一下：
现代绘画不能“回归”学院派画风，是因为时代的巨变、艺术自身发展的驱动力以及对“美”的定义都发生了根本性的改变。学院派的框架已经无法完全容纳或表达现代艺术家所要探索的广阔天地。
而至于现代艺术家的美能否用大众能接受的外壳来表达，答案是“并非不能，但也不是必然，且常常伴随着牺牲与选择。” 很多现代艺术家之所以不这样做，是因为他们的表达需求、对艺术边界的探索、以及对现有艺术观念的反叛，决定了他们必须采用新的语言和形式。他们所追求的“美”，可能是一种更深刻、更多元、更具挑战性的存在，它需要观者付出更多的努力去理解，去感受，去与之对话，而不是简单地被动接受一种预设的、习以为常的“美”。艺术的价值，有时恰恰体现在它能够挑战我们的习惯，拓展我们的视野，让我们看到一个不那么容易被发现的世界。
网友意见
首先，写实绘画的回潮其实已经比较明显了，像布格罗这样的画家重新得到了一部分尊重。冷军的绘画拍出了过千万的高价，这在以前是只有“当代绘画”才可能有的。
其次，
对于某些“艺术家”而言，有这样的“艺术爱好者”在，他何必費力气去学写实绘画呢？
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