交响乐团排练和爵士乐团排练有什么区别？
1. 排练的目的与侧重点：
交响乐团： 交响乐团排练的首要目标是精确。作曲家在乐谱上倾注了心血，每一个音符、每一个表情记号、每一个乐句的划分都代表着他的意图。排练的目的就是让乐团的每一个成员，无论演奏哪个声部，都能以最忠实、最统一的方式将这些意图在音乐中呈现出来。这包括对速度、音量、音色、节奏的绝对精准控制，以及对乐句的呼吸、呼应和整体平衡的极致追求。指挥家就像一个精确的雕塑家，不断地打磨乐团的每一个细节，力求达到乐谱上所描绘的完美形态。
爵士乐团： 爵士乐团排练则更侧重于“即兴”和“互动”。虽然爵士乐也有乐谱，但那往往只是一份“骨架”，一个旋律和和弦进行的基础。排练过程中，乐团成员会在这个基础上进行即兴Solo，尝试不同的旋律走向、节奏变化和和声色彩。音乐的“活力”和“生命力”更多地来自于乐手们在即兴演奏中的自由发挥和相互碰撞。排练的重点在于建立乐团成员之间的默契，让他们能够更好地倾听彼此，在即兴过程中做出有意义的回应，形成一种动态的音乐对话。有时，甚至是围绕一个简单的乐句，大家轮番上阵，反复推敲，找到最令人振奋的表达方式。
2. 排练的“主角”与领导者：
交响乐团： 在交响乐团的排练中，指挥是绝对的核心和主导者。他拥有对整部作品的宏观把握，能够通过手势、眼神和口令来引导乐团的演奏，纠正错误，塑造乐句。指挥的每一个指示都可能影响到几十甚至上百位乐手，因此他的角色至关重要。乐手们需要高度集中注意力，理解并执行指挥的意图。
爵士乐团： 爵士乐团的排练则更加“去中心化”。虽然可能有一位领导者（比如乐队领队或者鼓手），但他更多的是提供方向和鼓励，而不是进行事无巨细的指令。每个乐手在自己的Solo部分都有极大的自主权，同时也需要积极地回应其他乐手的演奏。乐团成员之间的交流往往更加平等和直接，可能通过眼神、点头，甚至是简短的音乐提示来传递信息。这种互动性的排练方式，让每个乐手都像是音乐的共同创作者。
3. 对乐谱的态度：
交响乐团： 交响乐团的排练是围绕着乐谱进行的。乐谱是神圣的，乐手们被期望能够精确地解读和演奏乐谱上的每一个符号。即使是对乐句的处理，通常也是在指挥的引导下，对作曲家意图的细微揣摩，而不是完全颠覆性的改变。
爵士乐团： 爵士乐团的排练更像是对乐谱的“二次创作”。乐谱提供了一个基础，但具体的编排、Solo段落的长度、甚至某些和弦的进行都可能在排练过程中被调整和创新。乐手们会根据当下的感觉和乐团的整体氛围，对音乐进行“即兴化”的处理，让乐谱上的音符焕发出新的生命。有时，一段原本简单的旋律，经过排练后可能会变得异常复杂和富有层次。
4. 声音的控制与运用：
交响乐团： 交响乐团在声音的控制上追求的是一种融合和统一的整体音响。不同声部的乐器需要有机地结合在一起，形成丰富而和谐的音色。音量上的层次感、动态的起伏以及整体的音响平衡是排练中的关键。即使是个人独奏，也需要与整个乐团的音响环境相协调。
爵士乐团： 爵士乐团的声音运用则更加强调个性和对比。每个乐手的音色和演奏风格都是独特的，排练中会鼓励乐手们展现自己的个性。乐团的整体音响效果更像是各种鲜明色彩的碰撞和交织，而不是追求一种绝对的融合。在即兴部分，乐手们可能会有意地放大自己的音量或者使用一些非传统的演奏技巧，来制造出更具冲击力的声音效果。
5. 排练的氛围与沟通方式：
交响乐团： 交响乐团排练的氛围通常是严肃而专注的。指挥需要保持权威，乐手们需要高度的纪律性。沟通主要通过指挥的指令和乐手之间的眼神交流来完成。虽然也有一些必要的讨论，但整体上更偏向于一种“自上而下”的模式。
爵士乐团： 爵士乐团的排练氛围则更加轻松和开放。乐手们之间经常会有讨论、尝试和即兴的互动。这种“平等对话”的沟通方式，鼓励每个人都贡献自己的想法。排练过程可能充满了笑声和惊喜，也可能伴随着一些“试错”和“调整”。大家更像是音乐中的合作伙伴，一起探索和创造。
总结来说， 交响乐团排练是一场追求精确和忠实的“还原”之旅，是对既有艺术品的深度挖掘和完美呈现；而爵士乐团排练则更像是一场充满活力和创造力的“探索”过程，是在既有框架内的自由驰骋和全新构建。前者是集体智慧和纪律的体现，后者则是个人才华和团队默契的完美结合。虽然它们的排练方式大相径庭，但最终的目标都是为了将令人动容的音乐带给听众。理解这些差异，能让我们对不同音乐风格的魅力有更深刻的认识。
网友意见
这里面的区别大了，完全是两种不一样的音乐传统。
交响乐团
第一点是核心
交响乐乐团的核心是指挥，整个乐团是围绕他运作的，离开他实在很难成事。他是乐团的大脑和耳朵，能够在整体和细节的角度同时监控音乐的流动和演绎。音量、力度、速度等等的开关都在他那里，乐团里每一个乐手的任务就是服从他的安排，把作曲家的作品一音不差地演奏出来，并按照指挥的意思作调整。
指挥的负担非常的重，不是乐团里某个乐手可以代替的，不是打拍子那么简单。乐手们看的是分谱，上面只有自己乐器的部分，这样是为了方便阅读，但却很难从整体作品上知道自己的位置；而指挥看的是总谱，他的快速读谱能力、听音的能力等许多方面决定他能把作品演绎到什么样的程度。
排练时，基本的架构是总谱，指挥给出标准的节拍和速度，给出必要的提示，说明哪个乐器在哪里开始进入或者退出，哪个乐器需要在演奏法、音量等方面达到某种要求。既要保证整体效果，也会慢慢的一个个乐器细抠，解决它们的问题。
第二点是编制
这点可以从网上查到，但我就简要说一下，从最高音到最低音，从总谱的分布。
木管：
短笛、长笛、单簧管、双簧管、英国管、低音管、倍低音管、低音单簧管
萨克斯风是例外，它有时被归入木管有时被归入铜管，这取决于风格和音色效果。
铜管：
短号、小号、长号、法国号、柔音号、上低音号、低音号、低音长号
打击乐器：
定音鼓、大鼓、小鼓、钹、锣、铁琴、木琴、钟琴等等
钢琴是属于打击乐的，网上有的文章把它归为弦乐器，有一定道理，但它还是依靠音槌击打琴弦发声，和其他弦乐家族的运弓拉奏、用指头拨弦有很大区别。同理还有大键琴。
弦乐器：
小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴
可以看到交响乐团的编制是相当的大，声部之间的处理也是显得很复杂，是很不容易把握的。
第三点是乐手的要求
以西方经典音乐为传统的交响乐团，对乐手的要求就是强大的视奏能力和严格的纪律性。
许多作品非常的庞大，没有多少时间让你自己一个人在家练好了，然后再和大家合，而且作品的复杂性也决定了你一个人玩不转，没有其他声部和乐器，你没办法听到整体的效果，你练出来的东西也许就存在很大的问题，交响乐团非常讲究在团队中服从于指挥的协作。
乐手在团队中并不需要发挥个人特色，除了独奏的solo段落。乐手是指挥的四肢，根据大脑的信息作出正确的反应就行了。许多时候甚至不需要乐手去关注别的乐器奏得怎么样，当然你作为高素质的乐手，在有余力的时候留心别的声部和乐器，并在指挥的指导下积极去配合其他人，提醒你的伙伴，那也是相当好的。
强大的视奏能力保证你拿到谱子就能上手演奏，有点像对播音设备的要求，精确而一音不差，至于主观能动性嘛，请在指挥允许的框架内发挥。这也是十九世纪以来，演奏和创作劳动分工以后的现象。
爵士乐团
这里必须分为好几种情况：白人的乐团、黑人的乐团、大编制（超过5个人），小编制（三到五人的重奏）
第一核心
爵士乐团里的核心会根据情况而改变，如果你说的是身份定义的核心，把交响乐团中指挥的位置拿来作比较，那可以很多样化。比如说某某三重奏（XXX's Trio），一般就是以命名的那位乐手为核心；如果是在大乐队中，比如说Duke Ellington的Big Band，那就是Duke本人为核心；在James Brown的乐团中，就是JB本人为王。这些打上强烈个人烙印的乐团通常是由这个核心发起所有的构思和控制的，哪里停，哪里怎么样做，都由他们在演奏中给出提示，而这种提示是非常隐蔽的，融入在音乐中，而不像交响乐团那样有明确的手势或者总谱的指引。
另一个就是音乐的核心，这是许多人容易搞混和忽略的。爵士乐和爵士乐团的核心是节奏律动，因此鼓手/爵士鼓才是爵士乐团的真正主角。这是非裔美国人的音乐传统决定的。这种传统和我们熟悉的西方经典音乐和东方音乐很不一样：节奏律动才是最重要的，它是依靠各种各样的音色和力度来表现。西非黑人、非裔黑人看待旋律和其他地方是不一样的，一个音，在西方人看来，是固定的，要么是E要么就是Eb，或者是高出1/4个音的E。但黑人却在每次唱的时候都会把某个音升高或者降低——它不是一个固定的音，而是在几个音之间反复变动，这就是Blue Note蓝音的来源。所以旋律导向的西方人和亚洲人就抓狂了，我们首先是确定一段旋律的音高，尝试把它固定下来，这样才能达成音乐上的重复，可是黑人却不是这样想的，那段旋律不是固定的，它是可以变化，这是我们对爵士中的“自由度”的误解，实质上是三种不同的音乐传统造成的。
因此，爵士里面真正重要的是节奏律动，只要你那堆音符都准确落在节奏上，它就算数，至于音高，那意义不是很大，任何的噪音都可以看成是节奏中的其中一个音符。
由于音是可变的，那就导致吸收了西方音乐的非裔美国人音乐中和声的多变。在一个和弦中，只要它的几个重要的音：三度音、七度音等等产生变化，那整个和声的色彩就跟着改变，因此尽管节奏律动是王，但和声也给这种音乐带来极大的丰富颜色，所谓的对旋律“无所谓”，不是真的不管不顾。
在排练中，通常由鼓手发起一个基础的节奏律动，并以此为基础，对整个作品作出音乐上的调整。而因为节奏的极端重要，爵士乐团中的每一个人都是身兼两种角色的：既是鼓手，也是自己乐器的乐手。通过融合进鼓手的节奏律动，找到自己声部的位置，进行润色填充，并且和其他人互动。所以爵士乐团里的每一位，需要负起交响乐团中指挥的很大一部分职责，对作品的整体和细节把握都在这种相互的团队协作中。
第二是编制
爵士乐依照风格可以分为不同的编制
最早的新奥尔良小乐团：单簧管、双簧管、小号、长号、低音号、Banjo、鼓（未定型的爵士鼓），这属于5人以上10以下的中型编制
大乐队big band：15-20人。木管、铜管、钢琴、鼓（未定型的爵士鼓）、低音贝司
Bebop：小编制的时代开端，一般是三重奏、四重奏、五重奏。爵士鼓、钢琴、低音贝司是最基础的三样，分别负责节奏律动、和声/旋律、低音（和声及节奏律动）。加上小号或长号或萨克斯风，形成不超过五人的小编制
后来受摇滚的互相影响，加入许多电声乐器和打击乐，就成为今天Fusion中常见的中大型编制。
一般会在三重奏的基础上加上铜管的四个家族成员，电子贝司有时候代替低音贝司，合成器、管风琴会作为第二键盘手出现，爵士鼓旁边会增加一名非洲鼓的打击乐手。还有旋律电吉他和节奏电吉他，萨克斯的Solo。总之，视风格和效果会作出许多改变。
第三是乐手要求
在白人的乐团中，有许多时候还是遵从西方经典音乐的传统，会有谱子，但千万别以为可以照谱弹，那谱子简陋得很，通常只会给出主旋律与和弦，可能还会有基本的节奏型指示，然后就看乐手们的发挥了。因此爵士乐团对于乐手的要求是回归到十九世纪分工前，演奏和创作不分家，乐手要对音乐产生和创作有深刻的理解，对即兴演奏的能力要求很高。
在黑人乐团中连谱子也不会有！许多黑人大哥连读谱都不懂，更不要说复杂的和声理论，问他G7sus4(#9)是什么，他绝对认为你在说火星语，但一上到乐器只会让你惊得下巴掉下来，无地自容。他们能在音乐中把节奏律动自然融合，掌握的各种变奏和节奏型远远多过你在学校学到的，复杂程度超高。尤其在underground的团队中非常常见。
我在第一点中提到音乐传统，就在排练中体现出来，我们先不管音正确与否，而先集中把音乐融合进一个基本的节奏律动，然后互相协作和激发创意，将自己学到和懂的变奏等等元素即场创作并演示出来。如果那是合适的，我们保留，不合适就扔掉，试下一个。然后把所有的东西装到自己的脑子里，这就是head arrangement，依靠脑袋的实现排练和练习实验，而不是用纸张总谱的形式记下来。这样当场随心情和核心的要求，随时把备选方案或者有趣的内容替换掉事先的排练，给人制造惊喜，而互相之间的默契也允许我们能有足够的反应时间去处理这种变化。
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